§ 3.000. Caravana hacia el sur (Henry King, 1955)

 

Película de aventuras en CinemaScope, una barbaridad de color, pantalla enorme y dos monstruos del cine, de esos por los que pagas una entrada: el magnífico Tyrone Power, y la exuberante Susan hayward, todo un cañón emocional y artístico, salvaje explosión de ambos que hizo de su historia de amor en la película el centro de la cinta. 

Paisaje espléndidos, -rodados en Sudáfrica, en el Valle de las Mil Colinas-, música clásica de gran formato, emocionalidad a raudales, y dos horas para vivir una aventura de repuesto a la insulsa y aburrida.

Muy interesante, bien rodada -es Henry King, sinónimo de calidad- y verdaderamente inolvidable en algunas escenas. Una especie de epopeya del Oeste en otros territorios, pero tiene ese formato Western tan característico: en vez de indios, Zulues, en vezde Oregón, Sudáfrica, pero caballos, caravanas, huida hacia una tierra mejor, nuevas esperanzas de vida, disparos, peleas, amores... Un peliculón, en el sentido literal del término: grande, redonda, inmensa. Me ha encantado, pero reconozco que es el formato de cine que más me gusta.

§ 2.999. Adiós al Rey (John Milius, 1989)

 

Bueno, hay que ver de todo. Una película distinta, a la que no estoy acostumbrado, ni por temática, ni por formas, ni por estilo. Aventuras postmodernas en Borneo en la IIGM, tributaria de El hombre que pudo reinar, peor no es, ni mucho menos, una película tan redonda como aquella.

Estupendos paisajes para una historia diferente, nada verosímil pero interesante.

Milius es un director que tuvo su moda, sobre todo a partir de Conan, una película prodigiosa, absoluta obra maestra. Pero no me parece un director sólido, intemporal, para siempre. También sé que fue un interesante escritor cinematográfico, un redactor de guiones.

Un reparto al servicio de Nick Nolte, dueño y señor de toda la cinta. Interesante es el personaje de Nigel Havers. También interviene James Fox, actor que me gusta mucho, aunque menos que su hermano Edwards.

§ 2.998. Llega un pistolero (Russell Rouse, 1956)

 

Me ha gustado mucho. Un tópico tras otro, pero funciona muy bien. Metraje muy contenido pero no de Serie B. Una guapa Jeanne Crain, tan exuberante como siempre en un papel típico como las mujeres del Oeste, acompaña a Glenn Ford, que de torturado por su pasado tiene unas cuantas películas y a Broderick Crawford, una de mis debilidades como actor: un hombre capaz de todo, metódico y creíble, verosímil y con una capacidad para transmitir emociones importante.

Primera película que veo del Director, y me ha gustado mucho. El evidente que el arquetipo de William Munni, el vengador de una de las mejores películas de Clint, de Sin Perdón.

Brillante coreografía la del baile en la cantina del vaquero con dos palas, realizada por Russ Tamblyn, uno de los hermanos de Siete Novias para Siete Hermanos.

§ 2.997. El manantial (King Vidor, 1949)

 

Es la tercera vez que la veo. Es una de las películas de mi vida.

§ 2.996. Travesía peligrosa (Joseph M Newman, 1953)

 

Recuerda, inevitablemente, a Pacto Tenebroso (Douglas Sirk, 1948), aunque de manera más efectista en esta, más espectacular, sin recurrir al argumento principal de aquella: la sutileza.

Muy bonita la música, muy apropiada, y me ha gustado mucho el guión, muy bien trazado, por Leo Townsend (un grande de la escritura cinematográfica) desde una historia de John Dickson Carr. El guión va paso a paso, in crecendo, sin pausa pero sin prisa, como se suele decir, hasta el desenlace final.

Una historia verosímil pero no frecuente, claro. Una soberbia Jeanne Crain llena el papel absolutamente. Tan imperial como en Carta a tres esposas (1949) o Murmullos de ciudad (1951) ambas de Joseph L. Mankiewicz, El abanico de Lady Windermere (1949) de Preminger, Qu ele cielo la Juzgue (1945) de John M. Stahl, o en La pradera sin ley (1945) de King Vidor. En todas ellas está magnífica, superior, pero en esta no desmerece en absoluto. Aterrada cuando debe estarlo, guapa a rabiar, con una luminosidad en la cara que sólo tienen las estrellas de cine intemporales, y a veces la mirada perdida de loca de atar. Me ha encantado. Tiene un aire a Susan Hayward.

El resto del reparto es solvente sin alharacas, Michael Rennie sobre todo. Hierático y algo afligido siempre, pero solvente.

Me ha gustado mucho la cinta, me parece una joya escondida.

§ 2.995. Regreso a la eternidad (John Farrow, 1956)

 

Interesante propuesta de cine clásico. Una de aventuras en la selva con pretensiones de estudio psicológico de personajes ante la adversidad.  Cada uno de ellos representa un canon, un modelo, un estereotipo. La chica perdida, deportada de varios países y sin ningún tipo de arraigo más allá de quien le de dinero para sus caprichos; el hombre cabal, amigo de sus amigos que se hace cargo de un problema; el seguro de sí mismo hasta la nausea; la mujer enamorada ingenua; el matrimonio mayor... Es interesante. 

Un blanco y negro decente, aunque no brillante.

Un director sólido, de los de siempre, acompañado de un trio de actores muy decentes: el gran Robert Ryan, que no se cómo tuvo tiempo para rodar tantas películas; la exuberante Anita Ekberg, como reclamo a la cartelera; y el gran actor que es Rod Steiger, capaz de cualquier cosa, al que siempre he considerado como un actor infravalorado, 

Metraje contenido, para un cine de 'perra gorda' y evasión.

§ 2.994. Fuego escondido (Robert Parrish, 1957)

 

Peculiar cinta, precursora quizá de La taberna del irlandés (John Ford, 1963), que aunque no tiene la misma temática sí es cierto que participan del mismo ambiente: chica guapa 'destartala' el peculiar estilo de vida de dos hombre rudos y desencantados de la vida que comparten un negocio singular en el Caribe.

Puñetazos, aventuras, peligros, algo de intriga (similar a Tener y no tener [Howard Hawks, 1944] y un metraje un poco elevado (quizá con noventa minutos hubiera tenido suficiente) componen un fresco de peculiares personajes que se enfrentan al viaje desde diferentes perspectivas. El desconfiado que cree que no es una buena idea llevar el transporte porque ha vivido una historia de amor dura y nada halagüeña; el que ve en ello una oportunidad que no va regresar y que intenta aprovecharla; y la misteriosa dama, que es el punto central de la historia: no se sabe qué pasado tiene, de dónde viene y qué le pasó.

Qué belleza la de Rita, cómo mueve el cuerpo cuando baila descalza, que alegría al verle el pelo rojo al viento con el vestido amarillo. Es todo un canon de belleza femenina que lo tuvo todo pero y que, sin embargo, fue incapaz de ordenar su vida con el necesario toque de organización para que no se te vaya de las manos.

Con todo tiene un halo de tristeza no sólo debida al rol de la película, sino también, sin duda, a lo que arrastraba en su vida personal, una mezcla de alcoholismo y alzheimer, demencia y tristeza.

§ 2.993. Saló, o los 120 días de Sodoma (Pier Paolo Pasolini, 1975)

 

Me parece una soberana imbecilidad, una depravación moral de primer orden sin ningún orden estético noticiable. Entiendo el propósito del director, sus ganas de provocar, la duplicidad moral de los personajes y la necesidad de convertirse en el arcángel de la provocación. Pero realmente no acabo de comprender la necesidad de su lenguaje tan crudo, salvaje y desconsoladamente obsceno. 

El poder llevado al terreno de lo sexual, una especie de nazismo sexual, la tortura con y por el sexo. No es el deseo lo que flota en el ambiente, ni el sexo, sino el poder, la capacidad de humillación -como refinación última del poder-, y el sometimiento como respuesta única posible.

No me ha gustado nada. Por el tiempo en que se publicó entiendo que se prohibiese. Con todo, nada tiene que ver con A Serbían Film, que ya no es que me parezca de mal gusto, es que es repugnante.

Pero una cosa es que no me guste, y otra que no sea valiosa desde el punto de vista cinematográfico. No me gusta, pero ¿tiene valor como película de cine?

Sinceramente, creo que no. Seguro que tiene su público, hay gente para todo, pero esto no es una película de cine. Es un testimonio, un ensayo, un experimento, pero no una película. No expone el desarrollo de una idea de forma ordenada -ortodoxa, o no- para conducirnos mediante un discurso hacia un resultado: moral, estético, de cualquier tipo...

§ 2.992. La tutora (William Friedkin, 1990)

 

Una de esas de terror psicológico, menores al cuidado de seres perversos y desenlace previsible, siempre violento. El maestro del terror en su medio natural. Pero no me acaba de convencer. Más que nada porque ya he visto varias de temática parecida y, la verdad, siempre soy refractario a estas películas. Me ponen nervioso y no creo que me aporten algo especialmente significativo. Pero es un nerviosismo artificial, no porque me llegue, sino porque me provoca animadversión, malestar artificial y algo de desazón. 

Además vi hace poco La mano que mece la cuna (Curtis Hanson, 1992), de la que esta película es un clarísimo antecedente. No es exactamente una copia, pero es la misma temática. Pero esta cinta tiene un problema que no tiene la de Hanson, que no tiene actores reputados que puedan servir de enganche a la historia, atraer público a la cartelera y generar ese valor añadido que a veces tienen las películas de cine.

Se queda en una historia convencional, poco atrayente y muy vista. No me ha convencido.

§ 2.991. A tiro limpio (Francisco Pérez-Dolz, 1963)

 

Atraco perfecto a la española. Bien hecho, con verdadera pulcritud, con determinación, con estima, con dedicación. Una peliculaza.

Director muy poco prolífico, más dedicado a labores docentes y de enseñanza del cine según he visto en Wikipedia, que a rodar películas. Un blanco y negro perfecto, un guión más que razonable y un resultado que no tiene nada que envidiar a cualquier clásica americana del género. Al menos en lo que se refiere al guión, la estética y el planteamiento. Incluso la música está muy lograda. Los recursos, el atrezo y la producción quizá sí se quedan un poco atrás.

Me ha llamado la atención de la catalanidad de la cinta, cómo hablan en catalán con total normalidad en una época dura para ello.

El guión es un prodigio, toda la organización de (lo que se supone que es) un atraco, su meticulosidad, la dedicación a los detalles, y la caracterización de los personajes está muy logrado.

Me recuerda, mucho además, a la primera película de Tarantino. Con lo friki que es no me extrañaría que la hubiese visto.

Actores (para mi) no muy conocidos: José Suárez, Luis Peña, Carlos Otero, Joaquín Navales, y Pedro Gil.

Tiene un punto de cine de suburbio luego aprovechado por el cine quinqui que relata los problemas que genera la superpoblación de las ciudades por la venida del campo de grandes masas de población. Algo de supervivencia y de retrato social sí tiene.

Me ha gustado mucho. Mucho de verdad.

§ 2.990. Déjà Vu (Tony Scott, 2006)

 
No era Tony un director que viviera de su hermano, celebérrimo director. Tenia un nombre propio, un tono y un estilo suyo, una forma de hacer cine que tenía su público, siendo seguido por aficionados. Pareciera que Ridley era el magnífico y Tony el malo. 

Es indudable que Ridley tiene otra cosa, un prestigio ganado a base de películas extraordinarias. Pero Tony juega perfectamente en la liga de los grandes éxitos de público y taquilla.

En esta cinta se pretende ver el pasado para resolver crímenes actuales. Un planteamiento difícil, porque entronca con la posibilidad de modificar el futuro alterando el pasado. Un singular regreso al futuro, pero en versión policial.

Las explicaciones técnicas pretenden dar credibilidad al planteamiento, pero lo hacen más complicado. Se pierde en ese propósito.

Es un poco complicada, entretiene pero no llegas, al menos yo, a apreciarla por completo. 

El planteamiento del drama moral es evidente: ir hacia atrás en el tiempo para alterar el curso de los acontecimientos. No es un mal plan, pero se me hecho muy complicado, muy difícil de seguir. Combinar esa pretensión con una película de acción es muy complicado.

La película es interesante, pero no es de las mejores de Tony

§ 2.989. Hay que matar a B (José Luis Borau, 1975)

 

Borau es un director poco prolífico. No tiene muchas películas, pero las que tiene son muy comprometidas políticamente. Le tengo por se un hombre de izquierdas. Culto, escritor, y profesor de cine fueron sus principales ocupaciones.

Ésta es una de sus películas más célebres, una especie de 'road movie' que va evolucionando hacia una temática más clásica de venganza y reyertas en un clima político conflictivo y de huelga desmadejada.

Un sujeto principal, de quien no se sabe qué le pasó en el pasado pero se intuye algo criminal y oscuro, es un tipo fuerte, seguro de sí mismo que abraza el capitalismo con la fe del neófito. Todo le sale mal, claro. Extranjero en país extraño, sudamericano, combativo, violento y farfullero. Todo un prototipo de funcionamiento.

El principal es Darren McGavin. Stéphane Audran (El discreto encanto de la Burguesía de Buñuel, El carnicero y algunas otras de Chabrol) es una chica de esas fáciles... De pena ver a Patricia Neal como mujer metida en casa, pobre y deshilachada, desmadejada en su vida y sin ningún tipo de glamour. También participa Burgess Meredith.

No ha envejecido bien. No me ha agradado demasiado.

§ 2.988. No toquéis la pasta (Jacques Becker, 1954)

 

La evasión (1960) es una obra maestra del cine. Una película redonda y completa. Absolutamente sorprendente. 

Ésta es una película diferente, bebe en el mismo blanco y negro, similar espíritu y misma atmósfera. Esa pretensión de hacer del cine de gánster un subgénero propio, y de sus personajes unos señores de negocios respetables, bien vestidos, con clase y estilo.

Aunque las cosas no son así en la realidad, naturalmente.

Un guión muy bien estructurado, capaz de esconder lo que ocurre, bien secuenciado y oscuro, sumamente oscuro. 

Jean Gabin gobierna toda la película. Un actor muy reconocible pero al que nunca le he visto la gracia. Tiene porte y capacidad, años de servicio y mucha experiencia, pero no acabo de encontrarle el tono. Pero he de reconocer que sirve para casi cualquier cosa, es versátil, adaptativo, siempre creíble y seguramente un excelente profesional. Le he visto ya en muchas películas y siempre me queda la misma sensación: buen actor, sin más. No soy justo con él, soy plenamente consciente.

Lino Ventura parece que tiene siempre la misma edad. Es una cosa singular. Hierático, con mirada enfermiza y genio desbocado. Muy del Polar francés de años posteriores.

La cinta es interesante, sobre todo porque no sabes qué va a ocurrir, y, sobre todo, qué ha pasado para llegar al punto en el que arranca esta cinta.

No es exactamente un Polar, es más una de cine negro americano. Si no sabes que es francesa la ves como una más del género hecha por un yanki.

Me ha gustado, pero nada que ver con La evasión, que, como digo, me parece una cinta descomunal.

§ 2.987. La esfinge (Franklin. J. Schaffner, 1981)

 

Una versión más moderna sobre un tema muy conocido, la maldición de una tumba egipcia. Aventuras en el desierto, misterios y algo de glamour con una mujer como protagonista, guiño muy interesante en una cinta de este tipo.

El conjunto es interesante, se puede ver, pero queda algo 'viejuna', algo desfasada, y no será de las que más recuerdan de este subgénero. 

Me ha gustado la protagonista, una guapísima Lesley-Anne Down, actriz que la recuerdo de algunas otras obras pero que ahora no recuerdo. Junta a ella participan Frank Langella, y John Gielgud en el reconocible papel de anticuario.

Me ha gustado, aunque no es lo mejor de su director.

§ 2.986. Huida del planeta de los simios (Don Taylor, 1971)

 

Tercera cinta de la saga. La segunda ya me pareció pesada, la verdad. No creo que haya envejecido especialmente bien esta saga, aunque no parece que tenga excesivo criterio, porque ha sido revitalizada, en varias ocasiones, casi completa.

Los primeros minutos de la cinta parecen incluso que la trama juega a plantear una cierta sorna, un tono de comedia que no pega en absoluto con el resto de las tramas de otras cintas. Pierde también a la estrella que sostenía la primera parte, y que interviene en la segunda, Charlon Heston.

Sin embargo parece que retoma el tono y proyecta una crítica a la sociedad bajo el pretexto de un estudio de los monos y sus comportamiento.

Sirve para apreciar cómo se criticaba a la sociedad en aquella época, pero es una cinta de un solo visionado. Desde luego es la peor de la tres, o al menos así me lo parece. Sin embargo se aprecia un interés en mostrar una explicación técnica sobre el fundamento científico que construye la historia, el viaje en el tiempo.

§ 2.985. Mi doble en los Alpes (Franklin. J. Schaffner, 1967)

 

Película muy "setentera", muy de la guerra fría. Dobles agentes, externalización del espionaje, cuentas que saldar del pasado. Cambio de bando, miedo a las filtraciones. Todos los tópicos del género envueltos en un ambiente gélido y frío como la Austria helada que esquía como deporte nacional.

La pretensión es interesante, expone muy bien de qué va y sorprende poco a poco, a medida que avanza, con dosis crecientes de intriga y suspense.

Me parece una obra más que interesante, de mucha mejor nota que la que tiene en las plataformas, un escaso 5.7 en filmaffinity, que es la que a mí más me gusta de todas las que manejo. 5,8 en Letterboxd; 5,9 en IMDb; y un sorprendente 4 en Allmovie. No es que la vaya a calificar con un 9, no es una obra grande, pero me parecen notas excesivamente bajas.

Es cierto que tiene valles de tensión y que por momentos naufraga un tanto al no saber a dónde se dirige, pero en general me parece una película de 7 con total normalidad.

Muy bien Yul Brynner, al servicio de la película en todo momento. Acompañado de Britt Ekland, guapa chica muy del gusto de la época. A ellos se les suma Clive Revill, muy reconocible, como siempre y Anton Diffring que siempre parece hacer de alemán 'malote' y curtido en el delito.

§ 2.984. Vicios privados, virtudes públicas (Miklós Jancsó, 1976)

 

No dudo, ni por un momento, de su calidad cinematográfica. Seguro que tiene un algo grado de entidad, y un alto grado de presencia e importancia. Tiene aspectos noticiables, el color muy bien elegido, el atrezo -mobiliario, ropas, trajes, etc.- excelente, la dinámica y el ritmo de la película, muy vivaz y consiguiendo el aire de frivolidad que pretende, pero me parece un coñazo de cinta. Una pretendida frivolidad erótico festiva musical sin gracia ni contenido, que se alimenta de mostrar lo que debería ser una vida disoluta de un aristócrata del siglo XIX sin límite ni medida, pero también sin sentido alguno. Incluso los crápulas de vida disipada tiene un plan organizado de alimentar el dispendio en el que se encuentra inmersos. Aquí hay excesos y desenfreno sin el más mínimo sentido. 

Pretende narrar el incidente de Mayerling, que es el asesinato de  Rodolfo de Habsburgo, heredero del Imperio austrohúngaro, y su amante la baronesa de Vetsera, el 30 de enero de 1889, en el pabellón de caza de Mayerling, cerca de Viena.

No me ha gustado.

§ 2.983 El tigre dormido (Joseph Losey, 1954)

 

Como siempre las propuestas de Losey son barrocas, oscuras, encerradas, retorcidas y martirizantes. No es puede decirse que fuese un director limpio o blanco. 

Esta propuesta está en su línea más oscura. Investigaciones psicológicas y duelos emocionales por el control de la situación es de lo va esta película. El delincuente pretende dominar a la dama y al médico, y ellos creen que juegan con él. 

Probablemente los comportamientos aprendidos compongan gran parte de funcionamiento con el que te comportes en la vida, pero no creo que tampoco haya duda en que la maldad tiene un componente intrínseco difícil de disociar de la persona.

Es una especie de ensayo para la obra mayor, esa sí verdaderamente mayor, que es El sirviente (1962).

Me ha gustado mucho Alexis Smith, una dama de verdadero fuste y capacidad. También, naturalmente el jóven Dirk Bogarde. Completa el triángulo principal Alexander Knox, uno de esos actores que está siempre.

La película es interesante, pero no llega a romper en gran cinta. Le separa ese algo que hace que otras sí lo hagan y no ésta, y aunque llevo viendo cine treinta y pico años sigo siendo incapaz de precisar qué es, de que se trata y por qué.

§ 2.982. Armageddon (Michael Bay, 1998)

Una superproducción destinada a conseguir emociones primarias y fáciles. Pero, aun así funciona, y funciona bien. Es intensa, emotiva, fácil de ver y sumamente agresiva.

Es la segunda vez que la veo y no me ha sorprendido tanto, pero aún así me ha entretenido. Pero pretende tanta emotividad, tanta intensidad que llega a dificultar la absorción de todo lo que pretende.

Interesante para verla y emotiva un sábado noche. Poco más.

Bruce Willis, tan estrella como te puedas imaginar, está en esta película en su mejor momento.  

§ 2.981. Secretos de un matrimonio (serie) (Ingmar Bergman, 1973)

 

Serie de seis episodios sobre los conflictos matrimoniales de una pareja burguesa de clase media. El idílico medio en el que se desenvuelven las relaciones entre dos personas adultas enamoradas y con hijos esconde miedos, recelos, angustias y deseos ocultos que no se coordinan adecuadamente.

Todo se cuestiona cuando exponen por separado sus pareceres de la vida, del matrimonio y de sus preocupaciones.

La complejidad de la vida, las inquietudes humanas y la incomunicación entre los cónyuges es uno de los temas fundamentales de toda la obra de Bergman.

La discusión de un matrimonio amigo sirve de espejo de su relación. Es un ensayo interesante, profundo y complejo.

Tres de los actores fetiche del director: Liv Ullmann, Erland Josephson, y Bibi Andersson llevan todo el peso de la cinta.

Me ha gustado, pero no creo que sea una cinta excelsa de las de Bergman.

§ 2.980. El faro (Robert Eggers, 2019)

 

Willem Dafoe siempre hace marginal, de loco, de alterado, de descocado, de neurótico, psicopático o similar. No tiene un papel, al menos ahora no se lo recuerdo, que haga de amoroso burgués que quiere a su mujer y a sus hijos y va a la oficina por las mañanas. Es su hueco en la industria.

Robert Pattinson es otra cosa. Un actor más convencional, con una carrera menos rica en matices pero probablemente mejor remunerada.

El estudio que pretende sobre la soledad y la angustia no le queda del todo mal. Pero más que una película estamos en presencia de un ensayo cinematográfico.

Creo que para lo difícil que es la propuesta ha tenido mucho éxito. Más incluso que su siguiente película, El hombre del norte (2022), que no es que me pareciese excelente pero sí me gustó. Creo que ambas, especialmente ésta, ganará con los años.

No sé si quiero ver en esta forma de rodar, en los blanco y negros tan profundos, una influencia de Bella Tarr, pero lo poco que he viso de él me lo recuerdo similar a esto.

Tiene algo de El sirviente, de Joseph Losey, la dominación por el criado -el dominado- por el señor -el dominador-, en una relación morbosa y malsana de resultado inciertos aunque previsibles, sin que ello suponga una contradicción. 

Me ha gustado, es diferente, está bien rodada y, sobre todo, bien montada.

§ 2.979. El increíble hombre transparente (Edgar G. Ulmer, 1960)

 

57 minutos de Ulmer pueden dar para mucho, como de hecho dan con esta cinta y con otras. Esta en concreto, tanto por la temática como por su fisonomía, podría haberla filmado Jack Arnold. Es ese miedo psíquico relacionado con características físicas tan peculiar y que tantas cintas dio.

Los actores -Marguerite Chapman, Douglas Kennedy, James Griffith- para mi no son conocidos. Los diálogos son básicos y la pretensión de la cinta un tanto descabellada. Un producto dirigido a la Serie B, a completar las tarde de sábado en los cines de estreno de alguna película más relevante. Es de 1960, muy avanzada para continuar en esa línea.

Se deja ver, pero poco más.

§ 2.978. Vinieron del Espacio (Jack Arnold, 1953)

 

Más que interesante propuesta que sirve bien al objetivo que pretende, creando incluso un canon de cómo deben ser los marcianos, cómo deben venir a la tierra y cómo deben comportarse.

Me ha gustado mucho Barbara Rush, actriz de la que he visto más películas de las que parece. Richard Carlson es el protagonista principal, al que también he visto en películas del estilo.

El guión está bien trazado, tiene recorrido y no aburre en absoluto. Le falta la potencia espectacular que proporcionan los efectos especiales. Pero hay que entender la época en la que se rodó, los medios de los que se disponían e incluso el status del director dentro del estudio.

Pero es una película estupenda, se deja ver y tiene su recorrido y su fondo.

§ 2.977. El coloso de Rodas (Sergio Leone, 1961)

 

Bueno. La primera de Leone, siempre he tenido ganas de verla y ya está vista. Y hubiera podido no verla, la verdad. Porque no tiene nada de particular, más allá de un peplum imponente y algo pasado de moda que no está entre los mejores del género pero que se ve y entretiene, hace pasar el rato sin pretensiones.

Que el actor principal sea Rory Calhoun puede interpretarse como una premonición de lo que luego iba a ser la carrera del director, centrado en los Western. Rory ya era un actor conocido en ese género.

Quizá un poco larga, dos horas son muchos minutos para contar cosas.

Bien los decorados, bien la música, bien todo lo que tiene que ver con la dirección de producción. No creo que sea fácil apreciar una línea de continuidad entre esta cintas y todos los spaguetti western que rodó más tarde.

§ 2.976. El extranjero (Luchino Visconti, 1967)

 

Compleja y asfixiante, algo nihilista y desencantada. Sin energía, sin esperanza, sin pulso. Una tonalidad gris poco emotiva y nada vitalista. Leí la novela hace tantos años que no me acuerdo realmente, pero recuerdo otro tono, menos gris, con más pulso.

Un hombre sin ilusiones, desapasionado, con la frialdad de quien nada espera, de quien nada pide, de quien se sabe derrotado por la vida. Un hombre vulgar y acomodaticio que se deja llevar por las circunstancias de la vida, torpes, anodinas, vulgares, feas e incluso soeces. 

Al final de importarle tampoco todo, de no tener espacio personal propio, de vegetar en vez de vivir y de darle igual aquellos que esto se presta a lo más vil, sin importarle en absoluto, sin tener remordimientos o ningún atisbo de culpa.

Me extraña esta cinta en Visconti, todo un estilista, un hombre delicado y acostumbrado a los matices sutiles de las cosas bellas. No parece una cinta suya. No tiene esa belleza intrínseca de sus películas, porque incluso en las de temática áspera como 'Rocco y sus hermanos' la limpieza de su propuesta estilística es serena y limpia. Aquí, sin embargo, la mugre, la suciedad y lo costroso gana terreno al punto de ser el eje central de la historia.

§ 2.975. Cleopatra (Cecil B DeMille, 1934)

 

1934. La versión más célebre, la más imponente, la más imperial, la más impresionante.

Con el buen hacer de DeMille ya investido de uno de los grandes constructores de la industria. Un director absolutamente imprescindible en la historia del cine. Con obras fundamentales, entre ellas ésta, versión más que notable, y canon de las demás versiones sobre la misma historia.

Me ha gustado la presencia imponente de Claudette Colbert, mucho más guapa y sensual que el estereotipo que tengo de ella, sobre todo en posteriores cintas, ya metidos los cuarenta y cincuenta. El resto del reparto incluye a Warren William como Julio César, y a Henry Wilcoxon como Marco Antonio.

La escenografía es espléndida, la música verdaderamente lograda, los trajes, las ropas, los pelos y todo lo relacionado con el atrezo.

Me ha gustado mucho, pero no tanto como la de Mankiewicz, que en términos generales me parece mejor película.

§ 2.974. De la vida de las marionetas (Ingmar Bergman, 1980)

 

Compleja y con sentimiento de culpa. Así la veo yo. Hay algo que atormenta a Bergman durante toda su filmografía: la incomunicación, especialmente entre los miembros de una pareja, de un matrimonio.

La obsesión por el sexo y las conductas al margen de lo establecido son las válvulas de escape de un señor con un matrimonio muy aburrido y, sobre todo, muy fuera de la realidad, muy desconectado de la deseable comunicación entre los esposos. No ya a un nivel óptimo, sino sencillamente  a un nivel medianamente operativo, funcional y práctico.

No es de lo mejor de Bergman. Tiene su interés, pero aburre un poco en ensayo que pretende y la exposición de los temas.

§ 2.973. Esas mujeres (Ingmar Bergman, 1964)

 

Ensayo más que relato, reflexión más que película. Siete mujeres que viven con un músico, alrededor de él, junto a él. Tiene un punto paródico que no me agrada nada. Además no es el tono propio de Bergman, que supongo que tuvo tantos proyectos cinematográficos y teatrales que se vio capacitado para llevar a buen puerto esa especie de sátira sobre la convivencia, el amor y las relaciones de pareja.

El reparto es más que bueno -la troupe de Bergman- pero las escenas, ambientadas siempre con música de los años veinte y una iconografía de aquella época, hacen que el resultado sea incluso un punto ridículo. No sé qué quiso mostrarnos ni por qué, pero no es de lo mejor de Bergman, naturalmente. Ni siquiera de lo bueno. Entra, incluso, en el terreno de lo prescindible. No me ha gustado.

Hay un comentarista en Filmaffinity llamado "triforme" que comentando la cinta dice algo que cuadra bastante con lo que ocurre con esta cinta: "Una de suecas sin Alfredo Landa no puede ser buena", añadiendo que se ve actualmente por una sola razón: es de Bergman. Y creo que lleva toda la razón. No es que sea una comedia, es que tiene ese tono absurdo del ´burlesque´, de esas comedias de folletín en donde la picaresca se mezcla con el destape y los chistes sobre los defectos físicos de los personajes amalgamando un resultado bizcochoso e infumable.

Nunca pensé que viendo una cinta del maestro diría esto. Menos mal que sólo dura 80 minutos. Qué tostón.

§ 2.972. El guerrero núm. 13 (John Mc Tierman, 1999)

 

Siempre he tendido ganas de verla, pero nunca he encontrado el momento. La verdad es que Mc Tierman tuvo un carrera prodigiosa y meteórica. Sus primeras películas, si exceptuamos la primera que pasó totalmente desapercibida, fueron absolutos éxitos de público, quizá no tanto de crítica.

Tengo a esta cinta por una película algo desconocida y mal entendida. Pero es una mera percepción que puede estar equivocada. Han pasado muchos años, pero recuerdo haber tenido siempre ganas de verla.

Su planteamiento es complejo, pero la forma de exponer las situaciones y las circunstancias son algo triviales, prácticamente infantiles.

Lo que en otras cintas suya era virtud, aquí se convierte en rémora. Es cierto que entretiene, pero carece de la frescura y, sobre todo, de la brillantez de sus primeras cintas.

No se explica qué pinta un árabe en los países nórdicos, ni por qué ha huido, más allá de la explicación inicial de que era por amar a la mujer de un hombre poderoso.

Es interesante, se deja ver y hace pasar el rato. Pero nada más. 

§ 2.971. Vivir y morir en Los Ángeles (William Friedkin, 1985)

 

Un thriller bastante básico para vivir la furia del 'bacile' policial de los años ochenta. No es que esté mal hecha, ni mucho menos, ni que le falten cosas, que quizá le falten, es que no tiene nada que la diferencie de todas las demás idénticas, o muy parecidas.

Mucha música ochentera, mucha coreografía de videoclips, pero a la cinta le falta sustancia, entidad, contenido y profundidad.

Los personajes están demasiado caricaturizados, demasiado simples, planos, sin pasado ni esperanzas. Sin pretensiones. 

Y eso que tiene actores decentes: William Petersen es el policía, Willem Dafoe, el malo, John Pankow el compañero del policía, Debra Feuer la chica del malo, y John Turturro el pringado que acaba en prisión.

Visualmente es atrayente, pero es una cinta repetida una y mil veces, de las que hay decenas mejores, más oscuras y mejor dotadas.

La música además es excesivamente intrusiva, no deja ni siquiera espacio para que los diálogos se escuchen adecuadamente. 

Se deja ver, tiene momentos interesantes, pero es una película muy vista.

§ 2.970. Coma (Michael Crichton, 1978)

 

Una presentación muy avanzada. Dos médicos de similar status profesional discuten tras un día ajetreado en el hospital sobre quién pone la mesa y quién se ducha primero. Una mujer liberada, autosuficiente que no necesita un hombre para ser feliz. 

El guión es eficiente -adaptación de un libro de Robin Cook- y la situación que provoca genera bastante angustia. Es lo que pretende. En realidad es una película de miedo.

Muy interesante es la actriz Geneviève Bujold, peculiar, muy vivaz e interesante. Se acompaña con Michael Douglas, estrella emergente, un Richard Widmark como siempre en estado de gracia, un Ed Harris que empezaba, y un Tom Selleck que estaba por allí.

Aunque es un poco larga mantiene muy bien la tensión, provoca un escenario de pánico. Una especie de thriller médico con implicaciones policiales en cuanto a la averiguación de los problemas que ocurren en el hospital. Lo interesante del tema es que las explicaciones médicas van calando en el espectador, haciéndole partícipe de lo que ocurre. 

La tengo por un gran éxito comercial, que tuvo incluso un remake en forma de mini serie años después.

Me ha gustado mucho la película, la verdad. 

§ 2.969. Milán, calibre 9 (Fernando Di Leo, 1972)

 

Un thriller bastante realista sobre el mundo de la mafia de Milán. Dura, seca y bastante fiel a lo que se supone es una estructura dedicada al crimen.

Una venganza, la redención de un hombre de su propio destino, de sus propios delitos, de la traición a los suyos. 

Tiene una estructura perfecta, un guión de lo más sencillo y, a la vez, trabajado. Nada está dejado a la improvisación. No hay huecos o hechos sobreentendidos, nada queda al azar. 

Muy bien rodada, con un color que solo lo da el rayo azul y una música muy de los setenta, una especie de rock progresivo que reitera varias veces una misma sinfonía con ligeras variaciones, tocadas siempre con instrumentos estridentes, guitarras y teclados, violines y sonido percusivo.

Actores para mi no muy conocidos, escenas trepidantes y violentas y acción a raudales. 

Director para mi desconocido, es la primera película suya que veo. Y me ha encantado. Es una especie de género detectivesco light, una especie de spaguetti thriller.

Los actores principales son: Gastone Moschin, Mario Adorf, una guapísima Barbara Bouchet, Philippe Leroy, Frank Wolff, y Lionel Stander que es el americano y es el más conocido por mi.

§ 2.968. Una mujer peligrosa (Felix E. Feist 1952)

 

Cine negro y Joan Crawford es un éxito seguro. Un relato bien trazado, una música obsesiva y recurrente que acompaña toda la cinta y le da empaque y sustancia. Una actriz de raza que soporta toda la cinta. Verla hacer de ciega es toda una sensación rara para mi. Soy sensible a los problemas oculares, por razones evidentes. Y aunque sé que es ficción me subyuga un poco y me hace recordar algunas cosas no demasiado gratas de mis operaciones. Qué angustia y qué prueba más enorme del coraje que se puede llegar a desplegar cuando se necesita.

El actor principal es David Brian, un hombre alto y fuerte que no le recuerdo en muchas cintas que es el médico oftalmólogo que opera a la protagonista. Agil, vivaz y muy creible.

También interviene Dennis Morgan otro secundario de esos de toda la vida. Hace de mafioso celoso por todo lo que hace su novia, mucho más lista que él y mucho más preparada para todo, incluido el crimen.

La película es sencilla, simple, pero muy efectista. No es muy redonda, pero se deja ver con cariño y tiene su gracia.

§ 2.967. Ese oscuro objeto del deseo (Luis Buñuel, 1977)

 

Película singular, muy bien rodada y sumamente obsesiva. Me ha resultado confusa la idea de representar a la misma mujer, Conchita, con dos actrices distintas:  Carole Bouquet, y Ángela Molina. Parece que una de ellas, Carole es más frívola y Ángela más recatada. Como si se tratase de dos caras de la misma mujer. Pero es difícil seguir el ritmo. Fernando Rey está impresionante, como siempre. Qué galán, cómo se mueve, qué apostura, qué garbo, qué forma de caminar, qué seguridad en sí mismo.

Es la última película de un genio, de un cineasta peculiar y muy capaz.

Lo que no acabo de comprender es qué pinta en todo esto los atentados terroristas que se narran a lo largo del metraje. Singular forma de interrumpir la narración con un propósito no dramático.

§ 2.966. La semana del asesino (Eloy De La Iglesia, 1972)

 

Otra de Eloy. Muestra una sociedad diferentes, es una cinta que sólo se comprende por haberla vivido, como es mi caso, aunque era muy pequeño.

Una ambigüedad sexual caso corporal, a flor de piel es, probablemente, el desencadenante de la cinta, lo que explica las motivaciones del asesino y del señorito, las dos.

La novia es una comparsa, un señuelo. Poco pinta en la historia. 

Excelente Vicente Parra, bien como siempre Eusebio Poncela, un actor muy de aquella época, y una decente Emma Cohen (en su poco metraje) forman el triángulo de la película, su vértice triangular.

La tensión emocional está muy bien lograda, así como la ambigüedad sexual del protagonista. El desgraciado panorama de vida y existencia que tiene el asesino se trunca en instinto homicida por casualidad, modificando su existencia y la de los que le rodean para siempre, incluía su novia, su segunda víctima.

La cinta es sórdida y oscura, negra y casposa, pero es muy interesante. Me gusta la música en off que suena permanentemente en los momentos álgidos de los asesinatos, y la exposición del drama moral del propio asesino.

§ 2.965. Diario de una camarera (Luis Buñuel, 1964)

Sátira morbosa y crítica de una sociedad decadente, en la que el sexo juega un papel importante. Interesante, sofisticada en su exposición y sumamente morbosa. Impresionante Jeanne Moreau, una verdadera actriz dotadísima y eficaz. Le da ese punto de morbo que hace que la película sea interesante.  Además es muy guapa.

El retrato que hace de la relación entre los esposos es extremadamente cruel. Ella es rica y probablemente es quien tiene el dinero y las posesiones, y el marido vive con ella pero no convive matrimonialmente. Además está el padre de la señora, un fetichista de los zapatos que se dedica a fisgonear la vida de la camarera. 

El vértice de todas las relaciones es ella. Que no se sabe realmente qué hace en la finca y qué pretende. Porque es evidente que algo trama, que no está allí por estar, que tiene un propósito. Pero no se sabe cuál es, y cuándo va a proyectar su deseo. 

No está interesada en el marido de la señora, ni tampoco en su padre, el viejo verde. Pretende algo, pero no se sabe qué. No está allí por estar, eso seguro.

Me gusta la escenografía, la simplicidad de la propuesta, la limpieza de los planos, la sobriedad de su desarrollo. Y, sobre todo, la complejidad de su pretensión.

Por supuesto no podía faltar la crítica a la iglesia y al clero, con las confidencias que hay la señora al cura del lugar. Sacerdote que, por otra parte, sólo está interesado en reformar el techo de la iglesia. Por eso escucha las confidencias de la mujer sobre su imposibilidad de tener sexo con el marido. 

El otro vértice de la obra es la niña, que no se sabe de quién es, probablemente de otra criada, que vive en la casa pero no se sabe qué hace allí ni de dónde procede. Su asesinato y el fallecimiento del viejo alteran por completo todas las relaciones y la averiguación del crimen se convierte en la obsesión de la protagonista. Un suceso trágico y drástico, violento que aunque parece socializarse fácilmente se incrusta en las vidas de las gentes alterándolas.

§ 2.964. El hombre de río Malo (Eugenio Martín, 1971)

 

Verdaderamente no se le puede sacar peor rendimiento a tanto talento. Es cierto que un poco caído en desuso, algo ajado, pero talento al fin y al cabo. 

Un gran reparto, al menos sobre el papel: Lee Van Cleef, James Mason, y Gina Lollobrigida no constituyen una mala mezcla, pero quizá, especialmente los dos segundos, no son los más adecuados para este tipo de cinta. En realidad intervienen muy poco metraje, probablemente con un par de días de rodaje tuvieron suficiente.

Una singular comedia ambientada en el Western Spaguetti, ese singular género que cuando es dramático es interesante (a veces) pero cuando pretende divertir aburre, al menos a mi.

No me ha gustado demasiado.

§ 2.963. La ley del talión (Delmer Daves, 1956)

 

Magnífico Western de una densidad notable y una complejidad moral que le da textura propia de las grandes obras.

Un Richard Widmark en estado de gracia, acompañado de Felicia Farr. Interesante perspectiva la que plantea como tema de fondo: el racismo, la interacialidad, el amor entre personas de distinta raza y las dificultades de convivencia que ello genera.

Me gusta el drama moral que surge en el hecho de liberar a un (supuesto) asesino indio Comanche para sobrevivir tras el atentado Apache. El enamoramiento de la mujer blanca es un gancho para organizar las escenas. No es lo más importante.

Me ha encantado. En realidad todo Daves tiene su mérito. Un director más que notable con un puñado realmente estupendo de películas. Especialmente brillante en cintas del oeste.