§ 3.088. Tres secretos (Robert Wise, 1950)

Un tema muy duro y difícil que es tratado con sutileza y con energía. Sin complejos. Con tres mujeres que cada una de ellas, por sí solas, sería capaz de insuflar aire a cualquier película, especialmente dramática. Eleanor Parker está guapa, pero con el pelo corto pierde parte de su belleza fatal. Tiene dotes interpretativas e insufla mucha energía a su personaje, pero las altas dosis de introspección que requiere el personaje la supera por momentos. Pero tiene un rostro, una mirada, una sensibilidad en como se mueve impresionante.

Patricia Neal juega un papel frío, de mujer distante, quizá por encima del resto, como si lo humano no le fuese suyo. El canon de mujer fuerte y capaz. Muy expresiva, dulce y sonriente.

Ruth Roman, parece mentira, luce la menos agraciada de las tres. Pero, en realidad, en otros cintas la he visto mucho más guapa. 

En realidad el tratamiento del asunto principal no es tan duro como pareciera en un primer momento. Más que un drama se trata de tres diferentes exposiciones sobre una misma problemática. Es una técnica, narrativa, un recurso para implementar el discurso. Luego vendrían las historias cruzadas y más tarde los diferentes puntos de vista subjetivos sobre un acontecimiento único.

La película se puede ver, pero no forma parte del elenco sagrado de las de Wise. Tiene otras mucho mejores.

§ 3.087. El crimen de las estanqueras de Sevilla (Ricardo Franco, 1991)

 

Interesante propuesta de una España todavía en Blanco y Negro pero con visos de vislumbrar un futuro colectivo mejor. Pero la policía seguía siento terrible, con métodos no excesivamente decentes de resolver los asuntos, por decirlo con palabras muyyyy suaves. Una brutalidad policial y una forma de obrar inexplicable desde el punto de vista actual.

Una entrega muy 'carcelaria', desarrollada en prisión y en dependencias policiales.

La actuación judicial adecena la vergonzosa actuación policial, pero no es suficiente para que se consiga que la verdad aflore. No parece haber pruebas suficientes, la reconstrucción de los hechos es ridícula, el careo infructuoso.

El juicio oral parece una farsa. Se niegan los hechos por los acusados, no se identifican a los autores por su orden, y el único de ellos que ha hecho una confesión parece afectados de una abierta imbecilidad, propiciada o acrecentada por las palizas en prisión. 

Un resultado interesante, que aporta otra perspectiva de los crímenes de aquellos años.

El retrato de los acusados, su 

§ 3.086. El crimen de Don Benito (Antonio Drove, 1991)

 

Las versiones rurales y más antiguas de los crímenes esa serie me agraden menos que los más modernos. Éste capítulo en concreto lo veo algo zafio, desusado, cerrado. Oscuro y muy libidinoso. Una imagen de Extremadura que todavía pervive y se mantiene. Los clichés y los tópicos es lo que tienen. Siempre algo de verdad, siempre algo de exageración, siempre algo simplificación de las realidades sobre las que pivotan. 

Pretende tener ese algo de clásico, pero no es de los mejores capítulos de la serie. Es quizá el que menos me ha gustado hasta ahora.

Tiene buenos propósitos, el ambiente está conseguido, el asunto legal de la acción popular está bien explicado y las diferentes clases sociales y su participación en el asunto bien resuelto.

La utilización sindical del asunto y la politización del sistema de caciques es el motor que activa el resentimiento del pueblo contra el señor cacique.

Le falta luz a la cinta, mucho traje oscuro, muebles vetustos y escenarios faltos de vida. 

§ 3.085. El crimen de Perpignán (Rafaél Moleón, 1991)

 

Nueva entrega de la serie. Interesante y algo más sofisticada que otras, exudando sexualidad, a diferencia de otras entregas. Un Juanjo Puigcorbé libidinoso y sórdido, en un papel que borda. Representante de la industrio clase alta catalana, adinerada y cosmopolita, pero siempre con pretensiones e ínfulas de mejor vida. Caprichosa y mal encarada, rencorosa y nada considerada con los trabajadores. Un abusador en toda regla.

Una Aitana Sánchez-Gijón en estado de gracia, guapa a rabiar y con dotes de seducción a raudales. 

Bien rodada, intensa y sórdida, exponiendo claramente lo que constituye una abuso sexual, una violación y un acoso sexual y laboral. Todo junto y revuelto. Intenta reflejar una sociedad en evolución, pero no deja de ser un estéril intento. En algunos momentos sí parece que lo intenta, pero no lo consigue. Un metraje tan escaso no da para más.

Un director más de televisión que de cine, aunque tiene algunos largometrajes.

§ 3.084. Conan, el bárbaro (John Milius, 1982)

 

Debe ser la tercera o cuarta vez que la veo completa. Y es la clásica película que cada vez que la ves encuentras más cosas, más matices, que la hacen mejor, más valorada.

Me parece una gran película, muy lograda, con una banda sonora espectacular, unos colores y una escenografía muy lograda, una historia muy bien contada y un resultado verdaderamente soberbio. 

Una clásica película de aventuras con un temática medieval pero rodada con efectos modernos, guión y tratamiento actual y una dirección precisa que le da toda su frescura y vivacidad.

Me gusta que las cosas ocurran sin necesidad de dar explicaciones, las cosas pasan, pero no sabemos por qué, y eso le da mucho juego a que cada espectador organice su respuesta en su cabeza.

Lo onírico, lo fantástico y lo esotérico tiene su hueco en una cinta preciosa. 

Estupendo el protagonista, en un papel pensado para él.

§ 3.083. Jarabo (Juan Antonio Bardem, 1985)

 

La primera película de la serie "La huella del crimen" y, desde luego, la que más me gustó cuando vi la serie, la que más me impactó, tanto por el propio crimen como por la veracidad del personaje, el porte que tiene el personaje, la apostura, la frialdad y la falta absoluta de empatía y sensibilidad. Una auténtico psicópata y degenerado. Una bestia sin escrúpulos al que Sancho Gracia da vida de manera magistral, absolutamente magistral. Es él, es Jarabo.
El tempo de la cinta, el ritmo interno, la frescura de los planos, la veracidad de los escenarios, la cara de malo del protagonista, la brutalidad del resultado. Es una magistral disección de un crimen que sólo tiene un responsable, el director. Una gran de verdad. Es el mejor capítulo de la serie sencillamente porque es el mejor director de todos. La luz, el color, los planos. Me parece una obra de arte. Qué pena que dure 75 minutos, si lo hubiera extendido hasta los 120 hubiera quedado una obra de arte.

Los planos de los asesinatos están rodados de manera absolutamente magistral. La sucesión de planos, la velocidad de los mismos, los encuadres, como a media distancia, moviendo el zoo de la cámara para dejar ver más cosas que han ocurrido en la escena. 

Jose Manuel Cervino también le da un toque de autenticidad al trabajo policial absolutamente magistral.

Me ha encantado.

§ 3.082. Sé fiel a ti mismo (Anatole Litvak, 1942)

 

Una guapísima Joan Fontaine y un muy varonil Tyrone Power llevan el peso de una cinta emotiva y sentimental pero que llena, que llega, que impacta. Joan es más guapa que Olivia, que era más recia y racial. Tiene una belleza más dulce, suave, clásica y formal. Aunque a veces puede pasar una por otra.

La rebeldía natural de la juventud, la guerra y las desilusiones vitales que conlleva, los desastres que provoca y el miedo que inspira no son obstáculos para que surja el amor.

Es un poco larga, por momentos tiene tramas valle, y la intensidad dramática no consigue imponerse en todo el metraje. 

En realidad es más historia de amor que película de guerra. Aunque tiene ese aspecto de motivación personal que sirve como recuerdo personal de desarrollo.

La película también puede ser vista como un relato de la lucha de clases. Una niña rica y un joven idealista, algo socialistas y muy resentido con las clases altas. Algo oculta, algo de su pasado que tiene que aflorar y que hasta que no se diluya en la convivencia natural de la paraje no permitirá que su amor sea sincero y limpio.

La trama se enreda y se enreda sin mostrar qué ocurre.

Una buena película. Un gran Director que tiene obras realmente estupendas.

§ 3.081. Esta tierra es mía (Jean Renoir, 1943)

 

Alegado antifascista de calidad excelsa. Con un reparto que, al principio, puede parecer incompatible: Charles Laughton no parece pegar con Maureen O'Hara. También interviene George Sanders, todo un tipo, un grande del cine, y Kent Smith, un maniquí poco expresivo al lado de estos dos monstruos. 

Por momentos puedo ver una película de Ford, en el sentido de incidir en una de sus máximas de siempre: el hombre normal convertido en héroe por no doblegarse a circunstancias opresivas injustas. Una persona normal, con principios y valores, se ve sometido a una presión enorme, injusta y oprobiosa, y la forma de reaccionar es mantenerse en sus valores y principios por encima de todo. Pero lo singular, lo que le convierte en un hombre Ford es que son precisamente estas circunstancias las que forjan al hombre y le encaminan hacia su propio yo. Son precisamente esas circunstancias las que le hacen ser más él, más auténticamente él.

De ser un cobarde a ser un valiente quizá no hay tanto camino, y el empuje de la necesidad acelera el tránsito.

La fortaleza interior nace de las convicciones, de las creencias, de las vivencias. Y se va forjando con el tiempo, poco a poco. Nunca se sabe cuáles van a ser los acontecimientos desencadenantes que sirven de catalizador de esa catarsis interior que aflora en el momento más insospechado.

Ver a Charles Laughton es un espectáculo. Qué actor, qué difícil es catalogarle, pues hizo de todo. Y siempre con una calidad y un saber hacer absolutamente ejemplares. Uno de esos actores por los que pagas una entrada de cine.

Lo de Maureen O'Hara es un escándalo. Impresiona lo guapísima que es, alta, con una figura de impresión, un pelo pelirrojo de fuego (aunque esta cinta es en blanco y negro) y una mirada felina de ojos encendidos como carbones en ascuas. Le da el toque dramático necesario, sin alaracas, sin perder la compostura, en su tono justo. Ni sobreactua ni se queda corta. Impresiona. Y cómo llora, que capacidad de transmitir sentimientos.

Es una película redonda, para verla varias veces en la vida. Intensa y vital.

§ 3.080. El caso de las envenenadas de Valencia (Pedro Olea, 1985)

 

Una entrega más de la mítica serie. Puede ser cierto eso que dicen que cada país, cada zona, cada cultura tiene una forma peculiar de matar, de plantear los homicidios, de provocar el mal. Una especie de antropología del mal. Producto, seguramente, de su cultura, de su forma de ser de su idiosincrasia, de su mar, de su vino, de sus hombres y mujeres.

Valencia y veneno parecen siempre ir de la mano. Y de esto va la película, que por otra parte se desvela en el título.

La mirada de Terele Pávez da un poco de miedo. Es fría y distante, pero también esconde maldad y resentimiento. Es una actriz peculiar, distinta, ideal para este tipo de papeles, duros, secos, con mucha personalidad. No es para una papel en una serie normal y corriente.

Es evidente que el desencadenante de su impulso criminal es la felicidad de los demás, la estabilidad emocional y la bondad. Seguramente no hubiera podido comportarse así en el caos, en un torbellino de emociones. En ese escenario hubiera tenido que sobrevivir y para ello hubiera necesitado no ocuparse de otros asuntos.

Cada vez que veo este tipo de comportamientos me acuerdo de la vivencia de Robespierre, al que, sobre todo, lo que le movía era el resentimiento. La insoportable sensación de tener que estar agradecido. Eso es el resentimiento.

§ 3.079. Balarrasa (José Antonio Nieves Conde, 1951)

 

Los peces rojos es una única película que he visto del director. Esta es otra cosa. De temática religiosa, seguramente muy apreciada por el Régimen de Franco.

La Legión, la muerte, el valor, la conversión en sacerdote. Un imperial Fernando Fernán Gómez, jovencísimo. Pero no era su primera película, ya tiene registros de 1943.

El blanco y negro se ve muy definido (probablemente esté restaurada la copia) y el sonido también se escucha estupendamente. La música es quizá lo que no encuadre del todo, parecen retazos mal construidos de una melodía no del todo ensayada. Pareciera como si a cada nuevo episodio se fuera desvelando mayor cantidad de melodía, que tiene una reverberación religiosa innegable.

La evolución del personaje es perfectamente creíble, el actor le da una autenticidad y un saber estar que define toda la cinta.

No es demasiado larga, no pierde interés y tiene su mensaje. Me ha gustado.

§ 3.078. El caso de Carmen Broto (Pedro Costa, 1991)

 

Prostitución, miseria, la Barcelona de mediados de Siglo XX, corrupción policial y desesperanza. 

Una nueva entrega de una de la series más interesante de la historia de la Televisión Española.

Escuché hace años un Potcast sobre la protagonista, Carmen Broto, y su subida a los altares de la prostitución y el lumpen en una sociedad timorata, hipócrita, con tremendas desigualdades sociales y muy clasista.

Ya avisa la cinta que la solución que da la película no es exactamente la oficial, que no la hay, sino laque patrocina la imaginación del director.

Se narra con pulso el ambiente, la sordidez del asunto, la vida bohemia de una Barcelona de los años después de la guerra civil. Las noches locas, el alcohol, los excesos de todo tipo, la vida delincuencial.

Silvia Tortosa lo borda, me parece creíble, sensible y dulce, pero firme y cruel cuando lo requiere el momento, el contexto o los personajes. Tiene sus matices y me convence. Quizá al final, cuanto más intensidad de drama se requiere decae un poco. Pero en general funciona.

§ 3.077. Piratas (Roman Polanski, 1986)

 

Eso tono ligero, entre comedia y parodia, se le da bien a Polanski. El Baile de los Vampiros en un buen ejemplo de ello. Pero esa película no me gustó especialmente. no le vi la gracia por ninguna parte. Si lo que quería era burlarse de las cintas del género no lo consiguió.

En esta cinta parece pretender otra cosa. No quiere hacer una parodia de las cintas de piratas, que ha dado excelentes resultados en todas las décadas.

Elegir a Walter Matthau para el papel principal ya dice mucho de cuáles son las intenciones de su director. El resto del reparto me son desconocidos, o me suenan muy vagamente. Interviene José Santamaría, vaya usted a saber por qué y cómo conoció al Director y también Emilio Fernández, un célebre director de cine mexicano.

Tiene una organización interna magnífica, se ve con un colorido y en un formato y gama cromática realmente brillante. 

Me gusta, pero no me apasiona. Se puede ver, pero le falta sustancia.

Por momentos tiene una reivindicación casi sindical, la lucha por las condiciones de vida y trabajo. Pareciera como sin los oficiales del barco fueran los patronos y los marineros los trabajadores. 

§ 3.076. En caso del procurador enamorado (Pedro Costa, 1985)

 

Muy bien montada, rápida, fresca, directa, con una música que le va sensacional (más que música, melodía repetitiva) y un Carlos Larrañaga absolutamente soberbio.  

Cuántos amores furtivos como éste se tuvieron que vivir aquellos años oscuros, de cerrado y sacristía. Esos bares de carretera, esos hoteles furtivos, esas ilusiones, esas frustraciones.

Es inevitable acordarse de "Anillos de oro", aquella serie mítica de los ochenta que trataba sobre el divorcio y los problemas de pareja, en donde se exponían, sin demasiados reparos, los estereotipos de las diferentes formas de divorcio.

Aquí hay algo más, aquí se trata de romper con todo, de romper de la manera más salvaje posible. Desde luego el divorcio, la separación, las medidas de protección de los menores es un avance social absolutamente irrenunciable. 

La protagonista femenina es Ana Marzoa, que no me suena de nada, no la he visto en más películas. Actriz más de series que de películas.

Creo que la cinta está muy bien montada, tiene un ritmo perfecto para la duración que pretende, no hace cosas raras con los planos y avanza irremisiblemente hacia el inevitable final

§ 3.075. El retorno del hombre lobo (Paul Naschy, 1980)

Todas las que he visto de Naschy son muy parecidas. Un nicho de mercado muy localizado. Interesantes, pero muy vistas. Un subgénero de terror con algo de erotismo y destape muy singular. En este caso la venida de extranjeras es la excusa para mostrar su vena creativa. Él como actor es limitado, pero muy característico, reconocible.

El metraje es contenido, la música interesante y pasas un rato entretenido. Pero no es un tipo de cine para nada más. Tiene un visionado, además, como todas son iguales, puedes intercambiarlas. La que sí me pareció estupenda fue El huerto del francés, que sí tenía recorrido.

 

§ 3.074. Navajeros (Eloy De La Iglesia, 1980)

 

De La Iglesia me parece un director magnífico. Tiene cosas estupendas, siempre en ese nicho de público que le gusta el cine 'quinqui'. Pero tiene discurso, recorrido, desarrollo, sabe filmar, tiene guión y música. Me gusta. Otra cosa es que crea que sean obras de altura. Algunas sí, otras no tanto. Además es un cine muy comprometido política y socialmente, cosas que se agradece mucho, sobre todo en estos tiempos líquidos y poco agradecidos con este tipo de vinculaciones.

Lo de José Luis Manzano es otra historia. Es evidente que no actúa, que es él mismo, que no necesita nada para ponerse en situación. Me gustaría leer su historia, algo más de los datos mínimos que se saben.

Me ha encantado la música de Burning en la película. No suena tan bien en ninguna otra. Qué grupo más magnífico era.

La relación de la mujer mayor con los novios es para darles de comer aparte...

Me ha gustado más de lo que pensaba.

§ 3.073. Lobo de mar (Michael Curtiz, 1941)

 

La película anterior a Casablanca, con todos los mimbres para ser una película extraordinaria. Un reparto de superlujo: Edward G. Robinson, Ida Lupino, John Garfield, Alexander Knox, Gene Lockhart y Barry Fitzgerald. Guión de Robert Rossen, y efectos especiales de Byron Haskin. Cualquier de los citados por sí mismo era capaz de llenar una película.

Una trama casi de cine negro, pero a bordo de un barco. Interesante perspectiva con un imperial capitán, tiránico y lenguaraz, violento y monstruosamente real. Una actuación realmente brillante.

Muy interesante es cómo avanza la trama y cómo se van descubriendo capas de realidad, cada cual más desagradable. Y se van viendo las diferentes caras de los diferentes personajes.

§ 3.072. La última orden (Josef Von Sternberg, 1928)

 

Una historia muy crítica con el Hollywood de aquellos años. La referencia a las "colas" para trabajar, la deshumanización en cuanto al tratamiento de las personas empleadas, el ridículo que le hacen pasar al protagonista. Puede considerarse como una película de cine dentro del cine. Seguramente una de las primeras.

No se hace nada pesada, a pesar de los que los diálogos son mínimos, pero mínimos de verdad. He visto películas mudas con muchos más diálogos.

Los rasgos muy humanos del militar protagonista son expresión de una valentía inusual en los militares zaristas de la época. 

Muy interesante el papel de Emil Jannings, que lleva todo el peso de la película. Actor de cine mudo de gran éxito, trabajó con los directores más célebres. Rodó como director una película en 1937, El Cántaro, que me la apunto. Tiene una mirada profunda y es rotundamente varonil, alto, con mucha barba blanca, movimientos profundos y una cabeza cuadrada con un pelo blanco y fuerte cortado a la perfección.

La actriz es Evelyn Brent, de quien no recuerdo haber visto nada, y también actúa William Powell, tan característico como siempre, con su bigote varonil y sus ojillos acuosos dentro de cara expresiva vivaracha. 

Es una película interesante, que se deja ver, pero no me ha parecido una obra maestra. He visto mudas mucho mejores. 

§ 3.071. La matanza de Texas (Marcus Nispel, 2003)

 

Bueno. Una versión nueva sobre un clásico que me gustó lo justo. Poquito. En esta tienes el aliciente del color, de saber qué va a ocurrir y de la apreciación de nuevas técnicas de efectos especiales, a veces prodigiosos y espectaculares.

Pero yo no recuerdo el comienzo idéntico, es una apreciación más libre de la misma historia. Apreciada desde un tercero, retrospectivamente.

Los actores no me suenan de nada, pero no sigo mucho el cine actual, por lo que puede ser que sean conocidos. El que más me suena es R. Lee Ermey, clásico secundario en decenas de cintas.

La ruralidad siempre da algo de miedo, también en países prósperos como EE.UU. Esas casas del medio oeste, con personas cerradas, incultas, ancestrales, de creencias extremas, poco dadas a hablar y cerriles en su comportamiento. Una mezcla de miedo al desconocido y soberbia propia. 

Y eso está subrayado de manera muy enfática. Pero no consigue que entres en el tema, como por otra parte me pasó con la original que vi hace relativamente poco tiempo.

Los tópicos los maneja bien el director: soledad, aislamiento, desafección de la policía, make your on grafiti, etc. Otra cosa peculiar es la desconfianza de la policía, así como su forma de comportarse, cruel y despiadada pero también irracional y sin sentido.

Me ha llamado la atención el tono verde del color, unos verdes y grises singulares. Grises oscuros y cerrados. Feos y con tonalidades amarillas. Muy acorde a la suciedad que inunda cada fotograma.

Hay algo peculiar en la chica protagonista (Jessica Biel). Exuda sexualidad, como en perros de paja, aunque en aquella esa sexualidad es el desencadenante de toda la trama, mientras que aquí es un vehículo mediante el que se transmite la trama. Dos perspectivas diferentes. 

§ 3.070. Fiebre en la sangre (Delmer Daves, 1953)

 

Una singular película que, a mi modesto juicio, no casa bien en la trayectoria de Daves. Aunque está ambientada en el Oeste, no es una película de vaqueros. No es realmente una comedia aunque tiene algun punto de gracia. Tampoco es exactamente una película familiar. Da igual el género, en realidad, pero está muy indefinida en sus roles y eso dificulta mucho el seguimiento.

El afán por conseguir tus sueños y la capacidad de renunciar por el bien de los propios hijos es un tema universal, que creo que afecta a cualquier humano en cualquier época o lugar. Alto trascendente a uno mismo. El título de la película tampoco ayuda mucho, parece una historia de venganza, de redención mediante las pistolas, no mediante el trabajo. 

Es una película totalmente blanca. Y extraña en un director como Daves, que ya había rodado: La casa roja (1947), La senda tenebrosa (1947), Puente de mando (1949) y Flecha rota (1950), y que más tarde rodaría Demetrius y los gladiadores (1954), Tambores de guerra (1954), Jubal (1956), La ley del talión (1956), El tren de las 3:10 (1957), Cowboy (1958), Arizona, prisión federal (1958), Cenizas bajo el sol (1958) y El árbol del ahorcado (1959). Es decir, un director duro, seco, sin concesiones. Que se embarca en una historia casi familiar, que por momentos parece la Casa de la Pradera, sin especial sustancia, larga, pausada y algo tediosa. 

No me parece ni si tipo de cine, ni la forma de narrar más adecuada a su estilo.

Henry Fonda y Maureen O´Hara funciona, cómo no, pero tampoco es que tengan un espacio de gran lucimiento. 

La música sí me ha parecido espléndida, a cargo de Max Steiner. Un aire clásico y relajado.

Quizá otro director le hubiera dado otro aire, pero tal y como la cuenta Daves se convierte en una historia insustancial, sin emoción, sin drama pero sin comedia. Una historia normal y corriente de personas normales y corrientes. Y para vidas vulgares y corrientes, la mía. Soy muy de Garci y su máxima de que el cine es una vida de repuesto, una vida sustitutiva con la que poder escapar de la propia hacia otras emociones y lugares.

§ 3.069. Llegaron a Cordura (Robert Rossen, 1959)

 

Planteamiento tranquilo, pero difícil para una película bélica. La búsqueda del honor, del arrojo, de la valentía. De esto trata la cinta, y lo de menos es el escenario. Podría ser como este, la guerra de EE.UU. contra los mexicanos, pero podría ser la IIGM como lo era en el Motín del Caine, o en la IGM y estaríamos hablando de Senderos de Gloria. 

No es exactamente una película antibélica, aunque por momentos puede verse desde esa óptica.

Es indudable que es una cinta que ha contado con grandes medios: muchos extras, mucha caballería, música con mucha orquestación.

El guión es interesante, pero algo escaso de trama. Va bien con el tipo de cinta que quiere su autor, reflexiva, pausada y serena. No es una cinta de guerra.

Lo verdaderamente interesante son las reflexiones morales que experimenta el militar encargado de seleccionar a los militares que van a recibir una medalla. Un oficial de medallas, se le llama en algunos momentos.

Lo singular es la tesitura en la que se encuentra, pues esconde un pasado, al parecer, no excesivamente valiente. 

También puede ser vista como un road movie, como una película en la que los personajes evolucionan a lo largo del camino, del viaje.

Un reparto un poco raro: Gary Cooper en su penúltima película, una siempre bella Rita Hayworth, y un solvente Van Heflin, que sirve para todo. Pero a quien no veo aquí bajo ningún concepto es a Richard Conte. Que sí, que es cierto que interviene un muchas cintas, durante muchos años, pero no le veo en la cinta.

§ 3.068. Destino, las estrellas (Lee Thompson, 1960)

 

Un interesante biopic de Wernher von Braun, un cerebro privilegiado que trabajó para los nazis y para el ejército de los EE.UU., creando los cohetes especiales y más tarde siendo uno de los hombre importantes de los lanzamientos Apolo, el que finalmente llevó al hombre a la luna.

El tratamiento es magnífico, no deja de hurgar en la aristas de su vida, aunque ciertamente desde una perspectiva amable.  Pero le falta potencia y sentido crítico con lo que estaba haciendo, que el director lo proyecta sobre su número dos, que sí tiene sentido crítico. Evidentemente, la decisión de abandonar a su país y entregarse al enemigo no debió ser nada fácil, por mucho que fuese en aras de la ciencia. Pero algún juicio moral sí merecía el personaje. 

Estupendo Curd Jürgens, que se acompaña de una guapísima Victoria Shaw, de un más que eficaz Herbert Lom y de otra belleza de la época, Gia Scala.

Esta primera películas de Thompson me parecen estupendas. Es un director más que interesante, que posteriormente empezó a multiplicar sus proyectos y a hacer películas menos brillantes. Siempre ha sido un director que ha gustado mucho. Esta cinta en concreto es estupenda.

No sé si la historia de la espía es real, o se ha empleado para dramatizar la cinta

§ 3.067. Perras callejeras (José Antonio De La Loma, 1985)

 

Bueno, lo que se esperaba. Un subproducto de un género extremadamente peculiar. Que sólo se comprende desde una perspectiva patria. 

Furcias, putas, mujeres malas,  desarrapadas, desencantadas, fuera de lugar... Un empoderamiento que no es tal, policías corruptos hasta la nausea, algo de cine de destape y una vivencia tras la estela de la original "Perros callejeros".

La estética de la violencia no queda bien con mujeres. Con chicos parece distinto, pero con chicas queda mal, incluso estéticamente 

Un par de puntos cinéfilos están estupendos, que no desvelo pero que son interesantes.

§ 3.066. El caso del cadáver descuartizado (Ricardo Franco, 1985)

La 5ª entrega de la 1ª temporada. Como siempre en un formato directo, rápido y sencillo. Muy televisivo, sin elipsis, sin introducciones o prólogos. Todo trama. Muy bien anudadas las secuencia, muy bien la ropa, el atrezo, los secundarios.

El periodismo es veladamente criticado, por su manera de tratar el crimen pero también ensalzado por su forma de cooperar para la resolución del caso.

El ambiente de finales de los años veinte está bien conseguido. Y la música acompaña por atinada presencia. Las calles de Barcelona se representan bien, parece mentira pero parecen de los años treinta. Me gusta mucho la vestimenta de los policías, estoy seguro que efectivamente eran esos trajes. En otras entregas, que se representan en otras épocas he tenido la misma sensación, que se emplearon exactamente los trajes de policía que correspondían a aquella época.

Buen serie, muy vista y con gran éxito.

§ 3.065. Latidos de pánico (Paul Naschy, 1983)

Siempre tiene un punto de modernidad interesante, pero no la de ahora, sino la de aquel momento. Un cierto aire de feminidad, de liberación de la mujer, de erotismo femenino, de momentos libidinosos.

Entre Carlos Aured y Naschy existe la misa distancia que entre Edgar Neville y Almodovar, es decir, estelar.

Una trama típica, jóvenes sedientas de experiencias y hombres con pupilas dilatadas en busca de su particular lugar en el mundo.

La ambientación es brillante, los diálogos directos y sin desperdicios, el atrezzo magnífico, el plan general de la obra interesante. Todo muy canónico, muy como debe ser una cinta de estas características.

Muertos, aparecidos, visiones, camisones cortos, todo junto.

§ 3.064. Los fríos senderos del crimen (Carlos Aured, 1974)

 

Jo, intento ver estas cosas de la transición pero no me acaban de entrar. Hay algo que no encaja en mi forma de ver cine. Hay algo de porno suave, light, poco intenso y crimen pasional. Una especie de pastiche poco recomendable, 

Pasiones enfrentadas con la realidad, mujeres casadas luguriosas en plena efervescencia, un estrangulador, seguramente eyaculador precoz y algo misógino, bueno, algo no , mucho

Unos decorados 'ochenteros' y una música repetitiva y monótona completan una película poco satisfactoria y muy por debajo de los previsible.

§ 3.063. Posibilidad de escape (Paul Schrader, 1992)

Un Nueva York sucio y desaliñado, crímenes y drogas, brutal y desangelado, traficantes de medianía y los problemas 'empresariales' del tráfico.

Por momento parece una cinta de Ferrara sin violencia. Elegante en determinados planos, algo glamurosa pero sórdida.

Supongo que es una problemática que afecta a muchas personas, pero a mi me queda un poco lejos. Intento meterme en los personajes pero se me hace no sólo difícil, sino que me repele la idea y por momentos me repugna.

Interesante y vitalista Willem Dafoe, como siempre interesante aunque algo fuera de lugar. Sobria y serena Susan Sarandon, aunque no sé por qué pero no la veo tampoco en el papel. Completa el plantel de los personajes principales Dana Delany, que la he visto en otras cintas pero no recuerdo cuáles. Quizá una secundaria. Lo hace bien, pero se la ve un tanto forzada.

No sé. La cinta es interesante, está muy bien rodada, los planos, los encuadres, con un gran guión, con diálogos inteligentes. Pero hasta cierto punto me parece una cinta muerta, sin vida, algo previsible y, sobre todo, muy amanerada. 

Además me parece una película muchas veces contada: personajes en el borde, siempre viviendo al límite, en busca de oportunidades redentoras pero que vuelven a recaer en los mismos errores que les llevaron a ver el pozo desde abajo.

La música es interesante, rock americano no especialmente potente, suave y empalagoso. 

Lo que no entiende de la cinta es la blancura con la que cuenta las cosas, la humanidad que pretende darle a unos personajes que deberían estar desquiciados y perdidos en su propia adicción. No es un tratamiento sucio y vulgar, como debería, sino que tiene una manera dulce de comportarse. 

Los personajes son buenos, además de guapos, y la lógica que pretende que sigamos -que no consumen, aunque trafican- no es ni creíble ni verosímil. 

En definitiva, una cinta un tanto plana que se maneja en espacio comunes y que no trasciende la humanidad que pretende.

§ 3.062. El ex preso de Corea (John Flynn, 1977)

 

Película de culto, de esas que tuvieron muy poco éxito en taquilla pero un gran reconocimiento con el paso de los años por el público que la visiona de nuevo pasados los años.

Este tipo de cintas suelen gustarme, porque me sorprenden o me motivan para ver otras cosas distintas. No siempre el mismo cine.

Un buen William Devane en un papel que seguramente le marcó,  un gran Tommy Lee Jones en una de sus primeras cintas y una tal Linda Haynes que para mi es una desconocida.

Desarrollo interesante, propuesta valiente y una de las primeras de ese subgénero que tantos resultados dieron en los ochenta, pues cada director con un cierto nombre pretendía exponer cuál era su visión sobre el conflicto bélico que asoló la fibra moral de los EE.UU., pero no pretende ahondar en la dinámica de los problemas de los excombatientes. Obviamente la guerra es la excusa para exponer otra temática, la venganza como motor de la existencia.

Es una cinta típica de los setenta, se aprecia bien en el tipo de ropa y los decorados.

Me ha llamado la atención, pero no puedo decir que sea una cinta que me haya conmovido. Ni mucho menos. Me ha gustado, tiene otro visionado, pero no me parece una obra de arte, ni nada parecido. Una película interesante.

§ 3.061. El crimen de la calle Fuencarral (Angelino Fons, 1985)

 

Otra entrega de la serie mítica. A cargo de un Director desconocido para mi, que hico mucho "cine de la transición". La fórmula es sencilla, se escoge un crimen real y controvertido que se dramatiza con un buen guión, unos actores notables y una puesta en escena brillante. El resultado es magnífico, claro.

No tiene la brillantez de otras entregas, pero se deja ver.

Lo más interesante es ver a Rafael Alonso haciendo de juez y la brillantez de Carmen Maura. Luis Escobar tan gracioso como siempre, tan peculiar.

Muy bien retratada la sociedad de la época, los cafés, las calles, el retiro, las casas. Una gran serie que no tuvo la necesaria continuidad en otras entregas. Once capítulos en las dos temporadas se antoja poco.

§ 3.060. La bestia mata a sangre fría (Fernando Di Leo, 1971)

 

La trama típica de una película de este subgénero. Tiene todos los tópicos: lesbianas, ninfómanas, asesinos violentos, algo de terror, mucho de erotismo light, un poco de enredo, un actor que soporta bien el peso de la película (Klaus Kinski), un guión previsible, una música de época y un metraje que se va de minutos...

Y dos mujeres muy guapas: Margaret Lee, y Rosalba Neri.

El planteamiento es casi infantil, y podría pasar por ser de esas películas de erotismo nazi en campos de concentración, pero se lleva el mismo espíritu a un ambiente más glamuroso, menos violento y más chic. El resultado es igual de malo.

Un producto más de una época muy determinada. Me había gustado mucho Nuestro hombre en Milán, y Milan Calibre 9, que son realmente interesantes. Pero no me esperaba una cinta como esta, tan apegada a la vulgaridad de este género. Parecía un director más interesado en un cine menos comercial, con más empaque, menos vulgaridad.

§3.059. La noche del ejecutor (Paul Naschy, 1992)

 

Otro subproducto de la factoría de Naschy, porque Aured tiene que ser considerado un gran director, pero siempre a la sombra de ese gran cineasta que fue Naschy. 

Esta cinta debe ser una de las mejores de él.

Claramente inspirada en esas cintas de Bronson de los ochenta que tanto gustan al público y tan poco a la crítica.

Interesante Naschy, poco eficaz, como siempre, y muy eficaz en los diálogos, el guión y el movimiento de cámara, casi inexistente.

§ 3.058. Los ojos azules de la muñeca rota (Carlos Aured, 1973)

 

Más de Aured, por su orden. Vamos a intentar verlas todas, a ver qué me depara, pero aunque sólo he visto pocas suyas ya me he hecho una idea cabal de qué. Un director que sólo se explica desde un punto de vista muy singular, el cine de la transición, el destape, un erotismo light, una música de rock mezclada con tradiciones patrias, mujeres bellas exudando sexo y una añoranza nada ocultada por Roger Corman, los comic de miedo, Edgar Alan Poe y los terrores infantiles que todos los humanos han vivido.

Un título muy sugerente, para una cinta Gialo o Slasher, que no sé cuál es la diferencia entre ambas.

Paul Naschy en el papel que hace siempre, con las cuatro mujeres que le rodean especialmente guapa Eva León, una mujer muy de esa época, pelirroja, con vaqueros y sueter rojo. Una belleza muy de la época.

Hay una imagen copiada de El Manantial (King Vidor, 1949), cuando él está cortando lecha y ella le mira desde un promontorio, desde arriba hacia abajo

§ 3.057.Perros callejeros (Jose Antonio de la Loma, 1977)

 

Cine quinqui en estado puro, absoluto y total.  Por mi libertad es el lema de esta juventud acalorada, delincuencial y sin ningún tipo de código moral al que sujetarse.

Barcelona ciudad, amor palabra casual... es ver este tipo de cintas y apreciar mucho el rock del garaje de Loquillo.

Vi esta película no hace menos de cuarenta años. Me acuerdo perfectamente. Me pareció interesante, ahora me sigue pareciendo lo mismo, aunque seguramente desde otra perspectiva. 

Queda como un subproducto muy característico de una muy determinada fecha de la cinematografía española.

§ 3.056. El huerto del francés (Paul Naschy, 1977)

 

Una historia que sólo se aprecia en toda su intensidad si conoces bien el sentir español y andaluz. A mi me llega, y me gusta, comprendo bien qué ocurre y por qué. Pero igualmente aprecio que un alemán o un estadounidense este tipo de historias le llegan lejos.

Me gusta cómo empieza, directamente sabiendo qué va a ocurrir a lo largo de la cinta. Además no se esconde: comienza con una saeta, o un cantar andaluz, mostrando los créditos completos de la cinta. La letra de la canción ya te indica qué va a pasar. Es muy inteligente.

Como actor Naschy no parece muy dotado, pero como director sí tiene cosas muy peculiares. No diría buenas, pero sí peculiares. 

Fascinado por los hombre lobo y los personajes de miedo, fue más actor que director. Voy a intentar ver todas sus películas como director por orden. La primera, Inquisición la vi la semana pasada y tuvo su aquel...

Tiene un físico peculiar, forjado en el levantamiento de pesas, donde llegó a ser campeón de España de su peso.

La película tiene muy buen color, unos encuadres a media cámara, como a cinco o seis metros. No mueve mucho la cámara y deja hablar al momento, rodeado de música y efectos sonoros. 

Se pueden ver sus películas.