§ 2.630. La escuadrilla de la aurora (Edmund Goulding, 1938)

 

Es remake de una película de titulo muy parecido de Howard Hawks de 1930 que está descatalogada y no he visto. 

Éste es muy buena. La tensión dramática de los pilotos en su vida diaria y la relación con los jóvenes cachorros, cada vez más jóvenes e inexpertos, está muy bien tratada. El peso del mando, de las preocupaciones que van más allá de hacer 'tu guerra' y disfrutar lo que se pueda. El sempiterno alcohol que ayuda a darse valor y reconforta en las penas.

La guerra como juego de caballeros, la vida en un filo. Esos códigos militares que sólo se comprenden por quienes viven la milicia como algo más que un trabajo o un oficio, que lo viven como una forma de vivir, de ser.

Me ha gustado mucho Errol Flynn, las últimas veces que le veo me convenzo de lo bueno que era. De David Niven siempre he tenido el mejor criterio posible. Elegante, fino, educado, siempre en su papel. Flemático y sentimental, pero firme en sus roles.

La amistad Hawksiana está muy presente en la película. Ese tipo de amistad que nada tiene que ver con el amor fraterno, ni, por supuesto, con el de caracter sentimental, ni mucho menos el romántico o sexual. Es el que sólo se da entre hombres hechos y derechos en situaciones singulares, peligrosas y en las que tienen que dar lo mejor de sí mismos y, a la vez, apoyarse en el otro para minimizar en lo posible la situación peligrosa.

Del director tengo muy buen recuerdo de Grand Hotel (1932), algo menos de Amarga victoria (1939) y, desde luego, el mejor posible tanto de El filo de la navaja (1946) como de El callejón de las almas perdidas (1947), ahora tan de moda por el remake que se acaba de lanzar. El caso 880 (1950) también era bonita.

§ 2.629. Lazos de sangre (Shane Dax Taylor, 2010)

 

Pretendido retrato intimista de la derrota y el fracaso. De la vuelta al hogar después de cuarenta años fuera de casa. El discurso de la carretera permanente para los músicos y la familia como estorbo para triunfar en la vida musical es un tema manido. Alcohólicos, drogadictos, exiliados, atormentados, y ahora un nuevo tipo: el que abandonó a la familia porque no tenía otra posibilidad para triunfar. 

He visto mejores películas que ésta, desde luego. No llego a entrar en ella del todo. Es entretenida, pero no me acaba de agradar.

Varias historias de los distintos miembros de la familia van convergiendo poco a poco en un cuadro que desasosiega. 

Kris Kristofferson es el motor de la historia, y Val Kilmer, en el que debe ser uno de sus últimos papeles, no lo hace del todo mal. Me ha gustado mucho Hilary Duff, una chica suave y firme, que lleva gran parte del peso de la película. Quizá lo mejor de la cinta.

§ 2.628. Brighton Rock (John Boulting, 1947)

 

Muy inglesa. Calles, atrezzo, coches, ropa y por supuesto la temática que se desarrolla en una zona de costa a una hora de Londres.

La copia no se veía bien. Tuve que dejar de verla.

§ 2.627. Los gavilanes del estrecho (Raoul Walsh, 1953)

 

Entretenida película de capa y espada, versión barcos y piratas. Una guapísima Yvonne De Carlo con un galán de los de época, Rock Hudson. Un resultado interesante, de esas películas de doble sesión los sábados por la tarde, tres horas con un descanso de 15 minutos.

No son los mejores actores del mundo, especialmente Rock, con su punto de hieratismo y sus dejes algo amanerados, poco natural.

De Carlo supongo que era una todoterreno, una actriz para todo, hoy Cris Cross, mañana piratas, luego pasiones amorosas.

Es interesante, se deja ver y es de ese tipo de películas que pueden verse varias veces en la vida.

§ 2.626. Redemption: The Stan Tookie Williams Story (Vondie Curtis-Hall, 2004)

 

Apañado telefilm sobre bandas negras, reclutamiento, marginalidad, perdón, redención, culpa y  segundas oportunidades.

Un actor al servicio de una idea, con un guión estructurado y bien trazada. Jamie Foxx es ese tipo de actor que, con el tiempo, vas apreciándole cada vez más y más. No se trata de un actor circunstancial, 

Interesante, aunque algo alejada de la problemática que me interesa. 

En principio la música merece toda tu atención. No es vano es obra de Terence Blanchard. Pero luego, cuando visionas la cinta descubres que no hay demasiados espacios de música en la película. Quizá era el hombre de moda en el Jazz -siempre lo ha sido- y era 'lo que tocaba'. Negro, gran trompetista, estrella rutilante del jasz...

La chica es Lynn Whitfield, que la he visto en más películas. Cumple su función, es operativa y tiene su ritmo, su cadencia, su funcionalidad. Pero no es una gran actriz. 

Es emocionante porque el testimonio vital es fiel reflejo de la realidad, y, sobre todo, de lo sórdido que puede llegar a ser un sistema penal que consiente la pena de muerte, aun cuando existen pruebas, más o menos verosímiles, de la no culpabilidad del reo.

Interesante, pero flojea a medida que el metraje avanza. Le sobra metraje, a pesar de durar sólo 89 minutos, y le falta potencia en el lado de la actuación. Todos sus planteamientos son 'efectistas', nada sutiles, toscos y buscando el aplauso fácil y el reconocimiento emocional.

§ 2.625. Bola de fuego (Howard Hawks, 1941)

El remake de 1948 "Nace una canción" era magnífica. Esta es superior.

La 'aparición' de Bárbara es, sencillamente, espectacular, imponente. Siempre es una gran actriz, pero es que aquí está que se sale. Tiene una autenticidad y una alegría, una potencia y una sexualidad deslumbrante. Que sea mi actriz preferida supongo que influye en mi crédito.

Lo de Cooper es otra cosa, sirve para todo, para una comedia, y para un drama. Era un grande. 

La pareja es una bomba. Directamente. Y en el tono en el que está esta comedia es una bomba de tensión sexual. La reconversión de ella, desde el aprovechamiento del momento hasta su arrepentimiento, está perfectamente trazada. Se ve en ella el sufrimiento por el engaño, la actitud  de alguien que sabe que está haciendo algo que no está del todo bien.

Tiene una ironía y un cinismo algo alejado del típico enredo americano. Se acerca más a los dobles sentidos de Lubitsch, a esa forma de mirar la realidad desde la ironía, desde el desapego, desde la lejanía.

Un ejemplo bien puede ser éste:

- Qué montón de libros. ¿Son todos diferentes?

- Eso espero.

Desde luego se está riendo de la cultura, de la formación, y lo hace para ensalzar lo banal, lo trivial, lo superfluo. La película es una lucha permanente entre lo culto y lo trivial, entre los dos polos que gobiernan la vida y a las personas.

El resto del reparto es de escándalo: Oskar Homolka, Dana Andrews, y Dan Duryea.

La película es encantadora, dulce y fina. Me ha encantado.

§ 2.624. Los Vikingos (Richard Fleischer, 1958)

 

Una maravilla. Una obra de arte, cine de aventuras, versión capa y espada. Un imperial Kirk Douglas, un magnífico Tony Curtis, un siempre correctísimo Ernest Borgnine, y una algo apagada (erasu papel) Janet Leigh.

Me ha gustado mucho, que esta vez me he fijado más que otras, la música, acompaña sin ser empalagosa, tiene protagonismo pero no abruma, no cansa. Sirve a su papel.

Está llena de imágenes icónicas del cine: el salto en los remos, el foso con los lobos, la lucha final, el hachas tirados a la trenzas de la chica. Me gusta mucho la presentación del protagonista, e espaldas y besando a una chica. Es una imagen que el propio Kirk repite en "Los héroes del Telemark" (Anthony Mann, 1965) aunque en esta última no recuerdo si es la presentación o una escena intermedia.

Muy cuidado es todo el atrezo, las ropas, las armas, los barcos. 

Lo tiene todo: chica, peleas, fortalezas y castillos, venganza. Es un clásico de aventuras que hay que ver varias veces en la vida. Imprescindible.

Hay que reconocer que Richard Fleischer es uno de los grandes. Un director maravilloso, con películas realmente espléndidas. De eso que yo llamo "olvidados", porque no tienen el reconocimiento que merecen, pero tremendamente influyentes para otros cineastas, no sólo directores.

§ 2.623. To the Wonder (Terrence Malick, 2012)

 

Visualmente muy atrayente, relajante. Muy cuidada en lo visual, los colores, las iluminaciones, los espacios abiertos, las tonalidades. También el sonido está muy cuidado. Técnicamente es impecable. 

Trasmite sensibilidad, dulzura, incluso mensaje, pero no es el tipo de película que más me llega. Es interesantes, se deja ver y no decepciona [como sí me ocurrió con "La delgada linea roja" (1998)].

El reparto es más que interesante, aunque sobre un Ben Affleck absolutamente inexpresivo. La ex chica Bond Olga Kurylenko tiene un papel más que interesante. Se me hace raro ver a  Javier Bardem como sacerdote, pero tiene su gracia, su aquel. Siempre consigue darle una credibilidad a sus papeles, y en uno como este, que es difícil, lo borda. Le da una fragilidad y una sencillez interesante. Rachel McAdams le da un tono muy intimista, como de estar en casa. Fina, guapa, la mujer clásica frente a la línea 'rupturista' que suponía su anterior amor.

Me llama la atención la forma de narrar que tiene Malick. Organiza una secuenciación de imágenes, a veces muy inconexas, que pretenden mostrar una parte de la realidad, de lo que acontece para que el espectador, en una operación creativa sea capaz de montar en su cabeza las piezas que faltan para construir el retablo completo. Además los diálogos son casi siempre en off, incluso cuando hablan los personajes entre ellos. Es algo parecido a ver un cuadro abstracto.

Me gustan las dinámicas estéticas lineales, que muestran ellas el discurso, no que sea yo como espectador el que tenga que montar la película. Es un cine algo distinto, interesante por momentos, pero, para mi, más aburrido y tedioso.

Se puede ver, porque hay que ver de todo, pero no es lo que más me gusta.

§ 2.622. En el ojo del huracán (Daniel Taradash, 1956)

 

Muy comprometida película, interesante, bien rodada. Con una Bette Davis imperial, que sobrevuela la cinta de principio a fin.

Tema duro, durísimo. Rodada en pleno Macartismo se posiciona abiertamente a favor de la libertad de expresión y contra la censura. La figura del niño es la más frágil en toda la cinta. Es el punto de unión entre la bibliotecaria y la sociedad, en realidad su único punto de conexión con la realidad que la destroza y la atenaza.

Me recuerda ligeramente a "La herencia del viento" (Stanley Kramer, 1960) en relación a la expansión de ideas y la libertad para profesarlas. Aquella, no obstante, es muy superior a esta.

Es la única película de su director, gran guionista del Hollywood clásico. Supongo que fue un fracaso total en taquilla, porque la temática era áspera. Sin embargo creo que con los años es una cinta que ha ganado en empaque y poso. Vista desde estos tiempos puede considerarse una cinta muy valiosa. Me ha gustado mucho.

§ 2.621. Entre la medianoche y el amanecer (Gordon Douglas, 1950)

Patrulleros, una especial raza de policías. La calle, el frío, el peligro más director y radical. La lucha contra el crimen desde la trinchera de la calle.

Las relaciones entre los compañeros están bien descritas, un poli más veterano, duro y ya curtido en mil batallas, y otro más joven, idealista y con pretensiones sociales. Dos visiones antagónicas de cuál ha de ser la función policial.

Pero más allá de esa circunstancia se enamoran de la misma chica y se produce una serie de situaciones cómicas, entre una comedia de situación y una película policial. Pierde un tanto su esencia, pero funciona por momentos.

Los policías son Mark Stevens, el muy reconocible Edmond O'Brien y Gale Storm.

Es interesante, pero difícil de encajar y de ver. Seguro que gusta a los muy aficionados del cine negro, pero es probable que echen de menos algo más de trama 'negra' y sobra el romance y la dulzura de la chica, que no se acomoda a los cánones de las mujeres en películas negras. No tiene, por otro lado, el empaque de una película romántica. Tiene su momento, pero no aborda el tema con rotundidad.

Muy interesantes son las imágenes de la ciudad en la noche, y las de conducción.

Douglas es ese tipo de director que sin levantar mucho la voz consigue hacer buenas películas. Un artesano, un hombre de estudio. Siempre rodando y facturando buenas películas. Como otros tantos le faltan un par de obras maestra que lo hubieran coronado, aunque es cierto que algunas suyas son excelentes, muy buenas e incluso brillantes.

§ 2.620. El abrazo de la muerte (Robert Siodmak, 1949)

Una obra de arte. Tan buena, o más, que Forajidos. Un reparto maravilloso: Burt Lancaster en estado de gracia y una Yvonne De Carlo absolutamente maravillosa. Dan Duryea en su papel de siempre, entre malo y enfermo, siempre adinerado y atildado, pero con esa sobreactuación algo reurótica.

Me encanta Siodmak, siempre me ha parecido que está completamente abandonado, minusvalorado, poco apreciado. Y, sin embargo, le tengo por muy seguido y con gran influencia en otros cineastas, no sólo de cine negro o de policías.

La música es extraordinaria, de Rozsa, como no...!!!

Todos los tópicos del género se reúnen en el cinta: la mujer fatal, un pasado turbio, el inevitable destino trágico, el policía que lo sabe y no puede hacer nada pare evitarlo, el dinero como motor de la vida, el adulterio y los amores tercos. Los reúne todos, pero funciona, vamos que si funciona, perfectamente. Un canon de película, una maravilla.

El guión tiene miga aparte. Hasta bien entrada la película no sabes realmente qué ocurre, el director te esconde al trama principal y las explicaciones que te da, siempre en versión retrospectiva, son dadas gota a gota, para que el espectador no pierda la atención, el interés.

§ 2.619. El rayo exterminador (Rowland V. Lee, 1942)

 

Comedia 'bobalicona' rodada en plan IIGM que frivoliza con la investigación nuclear, los nazis, y las chicas de las de 'para bailar'. 

No creo que Edmond O'Brien esté especialmente dotado para la comedia, es algo hierático y no desarrolla muchos registros en el lenguaje corporal. Otra cosa es Victor McLaglen, al que sí le van esos papeles, algo de brutote, poco formales, aguerridos pero bonachones.

Es una mezcla rara que no del todo funciona. Interesante por momentos, algo tediosa en otros. Le falta continuidad, pero se deja ver. 

Director que filmó silente y sonoro, del que sólo he visto El puente de San Luis Rey (1944), que me aburrió un poco.

§ 2.618. El hombre sin edad (Francis Ford Coppola, 2007)

 

Una rareza de Coppola. Interesante. El paso del tiempo, la identidad que da la edad, la búsqueda del auténtico yo. El destino de un hombre. La doble personalidad que en todos anida, en mayor o menor medida, está muy presente en la trama, como si de dos perspectivas de una misma realidad se tratase.

Fílmicamente es muy bonita: encuadres, colores, formas y texturas. Dobles planos, guión complejo y un cierto sentido determinista. Pero le falta el alma que sí tienen otras obras suyas, varias entre las mejores de la historia del cine.

El rejuvenecimiento por la acción de un rayo y la adquisición de capacidades es un tema recurrente en el cine. Son varias las películas que giran alrededor de esta temática.

Hay santo en el envejecimiento y en la adquisición de conocimientos. Y de eso también va la película. Entiendo perfectamente que fuese una cinta incomprendida. Es tremendamente intelectual, compleja de seguir y no siempre satisfactoria en su visionado.

Me ha gustado porque es distinta a los conceptos fílmicos más usuales y comunes.

§ 2.617. Hollywood al desnudo (George Cukor, 1932)

 

La primera versión de "Ha nacido una estrella", esta vez a cargo de un estilista, Cukor, un grande. Con un reparto estelar: Constance Bennett, Lowell Sherman, Neil Hamilton, y Gregory Ratoff (que también es un director interesante).

Parece mentira que se hicieran esas películas en esa época, con qué ingenio y madurez, con una dosis de morbosidad y atrevimiento que cuesta creer. Al día de hoy todavía se considera ingeniosa. Pero, sobre todo, destripa inclementemente los entresijos de una industria en aquellos momentos en pleno crecimiento. Las ambiciones, los sueños rotos, las oportunidades perdidas, pero también el sexo de favor y los abusos de los que mandan, el mercado de ganado femenino.

Puede ser vista, en este sentido, como una película de cine dentro del cine.

§ 2.616. Todos dicen I Love You (Woody Allen, 1996)

 

Una musical de Allen. No suelen gustarme las películas musicales. De hecho he visto muy pocas. Aquí intenta encajar las canciones como parte de los diálogos, y no le sale mal en absoluto. Tiene su gracias. Unos números musicales muy centrados, atrevidos y generando situaciones hilarantes y tremendamente divertidas.

Me ha gustado, a pesar de ser claramente musical. No conocía una musical de Allen. Sí con canciones, con muchas canciones, incluso ambientadas en un contexto musical: cabaret, sala de fiestas, músicos más o menos realizados, etc. 

Un reparto estelar: Woody Allen, Goldie Hawn, Natalie Portman, Alan Alda, Drew Barrymore, Edward Norton, Julia Roberts, y Tim Roth. 

Me parece una película lejana a los intereses de Allen, y la veo como un tributo a los musicales clásicos, seguramente a los que el Director es gran seguidor.

Desde luego es muy entretenida, tiene gancho y me ha gustado mucho. Tiene mucha gracia la pareja Allen y Roberts, insospechada y muy peculiar.

§ 2.615. La voz de la primera plana (Samuel Fuller, 1952)

 

Periodistas. Un canto al periodismo, a la verdad, a al imparcialidad, al rol institucional que juegan en una sociedad democrática avanzada. Las dificultades, la energía para ponerlo en marcha, el motor de la emoción en construir algo nuevo, importante, relevante. Probablemente EE.UU. es uno de los países que gozan de mayor libertad en todos los aspectos -personales, económicos, sociales, culturales, religiosos, etc.- porque tienen una prensa intocable para el poder.

Muy interesante es el papel del niño, de sus ojos, de su peculiar visión de todo ese proceso constructivo. También tiene mucha gracia el del linotipista que no sabe leer pero compone el original para la prensa, toda una ironía.

Fuller es un grande, no tiene muchas películas 24 le cuento, de las que me faltan tres por ver: El Barón de Arizona (1959), - Ladrones en la noche (1984), y Calle sin retorno (1989). Las dos últimas están descatalogadas y son imposibles de encontrar, ni siquiera de segunda mano.

§ 2.614. Viridiana (Luis Buñuel, 1961)

Perturbadora.  Turbadora, incómoda, pero, al mismo tiempo, limpia, con un mensaje oscuro, pero en una estética sin grosor, sin doblez, diáfana. Oscuros intereses anida en los personajes, excepto en Viridiana, que adopta, claramente, el rol de santidad.

Los pobres, los menesterosos, los señoritos, el campo.

Es más interesante la parte primera, claramente erótica, que la segunda, meramente ornamental.

Aunque no coinciden en ninguna escena, puede entenderse como un duelo entre Fernando Rey y Francisco Rabal. Cuando ves al primero no puedes imaginar que sea capaz de igualarle, pero cuando ves al segundo piensas: ¿Ves al mejor actor español de todos los tiempos?

Lo de Silvia Pinal es otra cosa, parece una luz que ilumina toda la escena. La musa de Buñuel, 

Muy bonitos los planos en donde se altera el rezo y las labores manuales que constituyen el trabajo ordinario del campo. Toda una visión especial de las cosas, de la vida y del amor.

Una película peculiar, de un director muy especial.

§ 2.613. Sin tiempo para morir (Cary Joli Fukunaga, 2021)

 

Espectacular. Simplemente. Larga, intensa, enrevesada como casi todas. Escenarios naturales, ciudades medievales, chicas guapísimas, pistolas, tiroteos, Spectra, el mal, el bien. 

Me encantan las de James Bond. Como en casi todas la trama es complicada, prácticamente irrelevante, es lo de menos. No tiene demasiada importancia. Lo bonito es el camino.

Armas bacteriológicas, los malos que se hacen con ellas. Spectra vuelve, porque nunca se fue del todo.

El agente retirado que vuelve por el bien de la humanidad. Me encanta.

§ 2.612. Un condenado a muerte se ha escapado (Robert Bresson, 1956)

 

Excepcional. Es sencillamente excepcional, sin más. Claustrofóbica, agobiante,  cerrada. La mejor película de presos que he visto. Una obra de arte. Lenta y pausada, con calma, sin prisas, porque no hay mucho que contar, porque lo que se cuenta es simple. Pero, que maravilla, cómo se cuenta...!!!

El barroco de la música de Mozart acompaña toda la cinta con una conjunción con las imágenes excepcional.

Muchísimos planos, todos en interior, diálogos cortos, con frases muy sencillas, gran expresividad en los rostros, pero poca emocionalidad. Una frialdad que no compagina bien con la tensión que vives en toda la cinta. 

Una maravilla.

§ 2.611. Labios sellados (Karl Malden, 1957)

 

La única película firmada por el director, excelente actor, secundario especialmente. 

Tema tópico en los directores estadounidenses: la guerra y su repercusión en la sociedad. En este caso de Korea, con una temática poco tratada: la deserción de un militar de EE.UU. al bando enemigo. 

Richard Widmark está imperial, como siempre, Richard Basehart en el papel de traidor, y Martin Balsam como teniente chusquero que tiene todo clarísimo.

La trama esconde bien qué pasó, que se va desvelando poco a poco. En el fondo es un thriller judicial, con todas sus virtudes y defectos.

Está muy bien rodada. Es entretenida y hace que le des alguna vuelta a algunas verdades que tienes por asumidas. Puede considerarse, salvando las distancias, un antecedente de "Algunos hombres buenos", una cinta muy singular.

Nunca llegas a saber cuál es la razón por la que un director sólo rueda una película. Quizá no funcionó en taquilla, quizá adquirió fama de lento o caro. Desde luego es una película muy decente y como presentación de un director cumple todos los cánones.

2.610. Ella y sus maridos (J. Lee Thompson, 1964)

Una comedia (muy) ligera con un reparto de escándalo: Shirley MacLaine, Paul Newman, Robert Mitchum, Dean Martin, Gene Kelly, Robert Cummings y Dick Van Dyke en los papeles principales. 85 minutos de una comedia alocada sobre el dinero, el amor y el matrimonio.

No me suelen gustar las comedias y menos este tipo tan acelerada y con tan poca sustancia. Además a ésta no le veo la gracia por ningún lado. 

Al parecer la película estaba destinada para Marilyn Monroe, pero falleció antes de poder llevarla a cabo. Desde luego con ella hubiera sido otra cosa, más del tipo de "Siento rejuvenecer", o "Los caballeros las prefieren rubias". Tiene algo de morbo, pero carece de ese magnetismo sexual que hubiera patrocinado Monroe. 

Tampoco MacLaine es la de "El apartamento" o "Irma la Dulce", mucho más inteligentes y con diálogos más ácidos e hirientes. Mucho mejores ambas que ésta.

§ 2.609. El último concierto (Yaron Zilberman, 2012)

 

Me ha parecido muy interesante. El planteamiento es muy inteligente, la temática es delicada y el desarrollo está muy bien tratado. Un director que no conocía en una película que tenía en casa hace años y, la verdad, le tenía algo de manía. He tenido muchas oportunidades de verla y hasta hoy no me he decidido. Las pasiones humanas, los celos, los liderazgos, el desarrollo del poder. Y todo a través del desarrollo de la música, de un cuarteto, de un grupo de música de cámara.

Lo más interesante es el desarrollo del personaje del segundo violinista. Su lucha por pretender ser el primer violinista y lo que eso significa.

Hay un momento en que se viene un poco abajo la cinta, quizá por esa obsesión de tener que llegar a los 100 minutos. Si hubieran limado 10 hubieran conseguido un producto más redondo.

El reparto es muy bueno: Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Christopher Walken, y Mark Ivanir.

Me ha gustado mucho.

§ 2.608. Los desnudos y los muertos (Raoul Walsh, 1958)

Una de las últimas de Walsh, de 1958, sólo hizo 4 películas más, retirándose definitivamente en 1964.

Guerra en el pacífico, una isla invadida. Varios prototipos de militares. El mando que se siente superior al resto de la tropa; el oficial progresista que tiene una visión más colaboradora de la milicia y del mando; el 'chusquero' profesional que pretende enriquecerse con el conflicto. Interesante tensión de personajes  no del todo mal resuelta. Los flasback que emplea centran a cada personaje en sus características básicas. Un interesante recurso.

En alguno de los discursos, de los comentarios de los militares, de sus conversaciones se muestra una crítica nada velada al ejército y a los mandos militares, a la sociedad bienpensante y a los modelos de vida americana. "A mi no me han hecho nada los japoneses" llega a decir un protagonista de la historia, algo impensable en una película de la IIGM. El guión de Norman Mailer seguramente tiene mucho que decir en la construcción de esa crítica tan poco velada.

Sube enteros poco a poco, a medida que se desarrolla el conflicto y la tensión entre los personajes. Va creciendo el octanaje de la tensión a medida que avanza. Tiene su sentido esa mezcla estética entre las imágenes del conflicto bélico en sí mismo y los momentos discursivos, principalmente del General con el Teniente y del Sargento con la tropa. Dos -incluso tres- formas antagónicas de ver la guerra, incluso la sociedad y la vida. Muy interesante.

Un poco larga, 130 minutos parecen muchos para narrar esa tensión entre tropa o oficiales.

El elenco de actores es interesante: Aldo Ray en el rol del profesional de la milicia, Cliff Robertson en su rol de militar progresista, y Raymond Massey (como general) en los papeles principales.

§ 2.607. Harlow, la rubia platino (Gordon Douglas, 1965)

Biopic de Jean Harlow, una bomba sexual de los años 30 y una actriz de pocas películas y una vida no demasiado afortunada.

Tiene pulso la película, funciona de manera rápida, se deja ver y entretiene. Un thecnicolor muy vivido y colorido.

El cine dentro del cine, en ese peculiar subgénero se instala esta película. Comienzos duros para una carrera de apenas nueve años que se vio interrumpida con su fallecimiento por un problema renal. Las insinuaciones de prostitución sobre ella probablemente fuesen ciertas, como por otra parte ha ocurrido en otras épocas y también ahora con el movimiento Metoo. Parecía, con todo, una mujer íntegra.

Un reparto largo: Carroll Baker espléndida como Jean; Red Buttons como su representante; Raf Vallone como su padrastro (se me hace raro verle en un papel menor y tan sórdido); Angela Lansbury como su madre; a los que hay que sumar a Peter Lawford, Mike Connors, Martin Balsam, y Leslie Nielsen.

Gordon Douglas es un gran artesano, un director bastante resultón, que (probablemente) tenía éxito en taquilla, respaldándole los estudios. Tremendamente prolífico, hasta 82 registros apunta Filmaffinity.

§ 2.606. Domingo de carnaval (Edgar Neville, 1945)

 
Un gran Neville que ya había rodado dos obras de arte: La torre de los siete jorobados (1944), y La vida en un hilo (1945).

Un peculiar costumbrismo madrileño muy particular, un crimen por resolver, una chica guapísima -Conchita Montes-, y un joven Fernando Fernán Gómez que hace de policía deseoso de resolver el crimen para ascender en la policía.

Un tono ligero, no exactamente de comedia ni de vodevil. Un costumbrismo fino y estirado, muy gachí, muy singular, algo amanerado y con un lenguaje un tanto cursi y castizo. Con una policía algo azmilclera y unos serenos sobre los que gira la historia que destilan conocimiento de la calle.

Sólo comprensible para un público muy español y muy madrileño.

Me ha gustado mucho, pero es un tipo de película que difícilmente gustará a un público extranjero. Está llena de giros, retruécanos, ironías, de modismos que sólo comprende un madrileño.

§ 2.605. Cara de ángel (Otto Preminger, 1953)

 

Noir. Auténtico y dramático Noir. Perfectamente narrado, con una carga moral auténticamente demoledora. Los personajes -especialmente la protagonistas femenina- no tienen principios, conciencia, escrúpulos. Él, como en casi todas las de cine negro, es un poco 'tontín', veía la posibilidad de progresar en la vida mediante la amistad o el amor de una niña rica que le involucra en un asesinato. El arquetipo de mujer fatal que hace Simmons es uno de los más creíbles, pérfidos y malévolos de la historia del cine. Mitchum, sin embargo, queda atrás en esa construcción de personajes. Siendo un actor de cine negro clásico, no es éste su mejor papel. 

La película no es "Laura" (1944), pero es que ninguna película es Laura. Laura sólo hay una, y Gene Tierney es una mujer absolutamente irrepetible.

Me ha gustado mucho volver a verla. Ésta debe ser la quinta o sexta vez que la veo.

§ 2.604. El emperador del Norte (Robert Aldrich, 1973)

 

Propuesta interesante de Aldrich, un director por el que tengo la mejor de las opiniones. Recientemente he visto El asesinato de la hermana George (1968) y La leyenda de Lylah Clare (1968) y me han parecido estupendas, especialmente la primera.

Ésta tiene su aquel, aunque la temática es muy propia de un lugar y un tiempo, alejado de nosotros, de nuestra cultura y nuestros intereses. Con un Ernest Borgnine absolutamente imperial, nunca mejor dicho y un Lee Marvin que no le va a la zaga.

Keith Carradine es el actor menos conocido de los tres, y en el duelo intrepretativo no consigue imponerse a los dos, lo cual es natural.

El reto que plantea no me agrada, no me gustan esos brindis al sol, esas pruebas de supervivencia personal. Las entiendo, y creo que funcionan bien en el Oeste, porque tienen algo de sinsentido, pero en otros escenarios se me hace más difícil de apreciar. El sadismo, además, no es fácil de mostrar en el cine y, sobre todo, es muy difícil de apreciar. Portero de Noche (Liliana Cavani, 1973) sea la que mejor ha expresado ese sentimiento. Pero en esta película, que pretende ser de aventuras y de reto del 'bueno contra el malo', el sadismo está sobrando. Aldrich, no obstante, es un director muy aficionado a la violencia, que a veces expresa descarnadamente. En esta hay un par de escenas realmente muy potentes en ese sentido.

La película me recuerda a El tren de Bertha (Martin Scorsese, 1972) en el ambiente, en el trasfondo de la temática.

§ 2.603. Una casa en el fin del mundo (Michael Mayer, 2004)

 

Las películas de adolescentes y para adolescentes no me gustan nada. Además esta en concreto no tiene nada de particular. Es bastante aburrida, sin ninguna particularidad. Ni de fondo, ni de forma. Es planta y poco edificante.

Un viaje emocional por veinte años de juventud, desde una temprana adolescencia hasta bien entrado en la edad adulta.

Un diálogo entre el amor adulto y las ensoñaciones juveniles que, naturalmente, conduce a un pastiche imposible de plasmar con fidelidad en una película.

Las relaciones abiertamente homosexuales entre los protagonistas y el desarrollo de la historia había una especie de triángulo amoroso con una de los vértices con escarceos homosexuales fuera de esa relación triangular que habían construido es el encanto de la cinta. No me parece que la problemática esté tratada de manera inteligente. Se centra en dos cuestiones: el sexo y los celos, cuando, en realidad, pueden observarse otras perspectivas distintas. 

Hay que ver de todo, y esta es una película más, sin más ni más. No me ha gustado.

§ 2.602. Peligro a fondo (Raoul Walsh, 1943)

 

Entretenida película de temática similar a Casablanca. Neutralidad política de Turquia, Nazis que enredan para que no sea así en el futuro, y, por supuesto, una mujer guapísima y un Americano de oscuros sentimientos y pasado algo turbio que, sin saber por qué se ofrece a ayudar a la mujer.

Estética muy cuidada, blanco y negro diáfano.

La presentación de los personajes en pena acción, en vivo y en directo, sin concesiones. La película es un trozo de la vida, que tú ves en un determinado momento, pero antes había sucedido otras cosas y otras sucederán después. Todo en movimiento.

No se comprende bien cuál es el interés del Americano en todo el embrollo, y algunos fallos de guión sí parece tener, amén de las tomas de la maqueta del tren, que son un poco ridículas... Pequeños errores que te recuerdan que lo importante es la ilusión por las cosas. El cine es pura ilusión, ser capaz de transportarte a otro lugar, a otro sitio emocional.

George Raft hace un papel brillante, no muy usual en él. A Brenda Marshall no la hemos visto en demasiadas películas. Sydney Greenstreet siempre hace el mismo papel, siempre. Gordo odioso lleno de dinero y luchando por el poder. Peter Lorre es mucho mejor actor de lo que podría parecer. Aunque sus roles son parecidos, siempre en el borde del mal, tiene una mirada locuaz y hasta cierto punto sincera.

Un Noir como mandan los cánones.

§ 2.601. María Estuardo (John Ford, 1936)

 

He leído -no recuerdo dónde- que era una película que no le gustaba al propio Ford, que la consideraba fallida, poco lograda.

Se hace raro ver a Katharine Hepburn en el papel de reina. Además los arquetipos de mujer fuerte de Ford no parecen adaptarse a su figura. Un carácter especialmente definido, muy determinado. En vez de ver a la Reina ves a Hepburn.

No fue una película que funcionase bien en taquilla, básicamente por la complejidad de la historia -una católica heredera al trono de Escocia, viuda del Rey de Francia que regresa a Inglaterra para reclamar su trono-, y lo alejado de los intereses americanos.

No es una de mis favoritas de Ford, pero se deja ver. Tiene su gracia, está muy bien rodada y constituye una cierta 'rareza' en la filmografía de Ford. Hoy es el día de su nacimiento, y he viso dos películas suyas en su honor.

Además no deja de ser una rareza en su filmografía. Una película de época de Ford. 

Me provoca una cierta hilaridad recordar las críticas que se han hecho a las películas de Ford por su universo femenino, tildándolo de misógino, machista, retrógrado, etc. No aprecian correctamente sus personajes, sus virtudes, sus propósitos. La falta de conocimiento produce prejuicios.

También participan: Fredric March, jovencísimo, Florence Eldridge (que fue la mujer de March durante treinta años) y el muy reconocible John Carradine, que hace un papel muy interesante.

§ 2.600. Tres hombres malos (John Ford, 1926)

Una de las mudas suyas más célebres. Tiene todo lo necesario para ser una gran película. Y lo es. Naturalmente es más difícil de seguir que una película sonora, pero da gusto verla.  Una trama muy del oeste, perfectamente organizada y secuenciada en el tiempo del que dispone. 

Muy interesante es el juego singular que mantiene Ford entre comedia y drama, una mezlca un poco rara, pero que le queda estupendamente. Como también le queda muy bien, aunque sobre el papel pueda parecer lo contrario, la idea de convertir a los malos en buenos, a los pérfidos en protectores. Y al Sheriff en malo. Todo un guiño a la vida misa y a la realidad.

La música que acompaña la película, entre irlandesa tradicional y folk americana, es pegadiza y adecuada a lo que se pretende. Subraya los momentos dramáticos con un piano muy enfático o con un violín algo estridente, componiendo una banda sonora auténtica, muy propia de las películas mudas.

Es consideraba por mucho como una gran obra de Ford, de los mejor de su época silente. No he visto mucho suyo de esa época . Pero, desde luego, esta película, situada en su contexto, con sus medios y las posibilidades técnicas que brindaba la época, es una maravilla.

El actor que más conozco es George O'Brien, uno de los hombres de Ford de toda la via.

Tiene imágenes muy potentes: las carretas quemando la iglesia, o la carrera hacia la conquista de tierras. Potentísimas, de una fuerza dramática innegable.

Me ha gustado mucho.