§ 1.704. La muerte no tiene sexo (Massimo Dallamano, 1968)

Baratija obra más C que B. Una mezcla de erotismo barato, emocionalidad policial y malos que comercian con droga y se hacen muy ricos.

Pastiche de cine industrial para muy conformistas, que no es mi caso. Producto de la época en la que ya había terminado el gusto por las del oeste, las bélicas y el melodrama y se imponían otros gustos en el público, otras modas, otras historias. 

Protagonizada por John Mills (actor mediocre pero muy conocido que, la vedad, de policía de Nueva York sí pega), y Luciana Paluzzi (chica Bond de Operación Trueno), también de El tigre de Esnapur (de Lang), alguna de Vadim, El Griego de oro (J. Lee Thompson) que fue su ultima película..., luego casada con un magnate de la industria del cine. La lucha interpretativa entre ellos tiene su gracia, pero no aguanta la totalidad de la cinta.

Es infame película, totalmente prescindible, sin nada que aportar. Es una especie de Telefilm en donde el policía tiene unos inagotables celos por su mujer, guapísima mujer mucho más joven que él. Pero todo avanza sin gracia, sin mucha certidumbre, con un deslavazado fraccionamiento de las escenas quizá porque pretendía hacer una película más largo y luego la corto, o simplemente porque no es un buen director.

El guión no es precisamente el fuerte de la cinta. Pero sí es cierto que produce un efecto enigmático, una cierta atracción. Se puede ver, no es buena, pero tampoco es especialmente mala. Simplemente es mediocre.

§ 1.703. Doctor M. (Claude Chabrol, 1990)

Ejercicio interesante de estética retro. Un Berlín futurista es sacudido por una oleada de suicidios. Un policía no cree que sean casuales, entiendo que hay algo detrás. Estética particular, no me ha agradado demasiado. Recuerda, al parecer al Dr. Mabuse, la de Lang de 1922, que no he visto.

Me parece pretenciosa, sin chispa, sin gracia. No me ha gustado.

En realidad Chabrol no me gusta. Sólo he visto otras dos suyas: Laberinto mortal (1978), y Los fantasmas del sombrerero (1982). Ambas prescindibles. Como esta, que es película porque tiene algo que ser, pero, la verdad, no me agrada nada. Nada de nada.

Es que no tiene nada. Un guión poco agradable, una interpretaciones nada extraordinarias, un relato poco edificante. No sé. No me ha gustado nada, nada de nada. Pretenciosa, larga, aburrida, convencional. Parece un telefilm, una película hecha para la televisión.

Una especie de secta es capaz de gobernar a las personas e incitarlas al suicidio. Me recuerda a Proyecto Manchuria (El mensajero del miedo, John Frankenheimer, 1962), aunque aquella era muy superior a esta, obviamente.

§ 1.702. Los mejores años de nuestra vida (William Wyler, 1946)

Hay que saberse muy capaz para rodar este cinta en 1946. Pero es que estamos hablando de un auténtico monstruo del  cine, de un director superlativo, que está en el Olimpo de los más grandes. Insuperable. Es para llorar de lo bueno que es. Es una película perfecta, extraordinariamente bien rodada, con unas sutilidades maravillosas, dulces y eternas... Esto es el cine, en cine es esto.

Es valiente, sincera, honesta y real... como las dificultades que experimentaron los soldados al volver a casa. De todo tipo, físicas y emocionales. 

Obviamente son muy distintas, pero ambas duelen. Y lo que más duele es el olvido, el desprecio... Los remordimientos no existen para los soldados. Hicieron lo que les mandaron hacer. Seguramente no les gustaba, no querían hacerlo, pero tenían que hacerlo. Además, los que les desprecian deseaban que hicieran aquellos que hicieron, y ahí está la gran hipocresía, de la sociedad y de los políticos, que, por cierto, no aparecen.

Obviamente las perspectivas de recuperación son más fiables en aquellos que se encontraban mejor 'colocados' antes de la guerra. El banquero tiene más posibilidades de recuperar su vida que quien ha perdido las dos manos, o quien simplemente era un vendedor de helados. Pero la manera de sufrir no es muy diferente. Encontrar un trabajo  se convierte en una epopeya, en una dificultad difícilmente superable.

Dana Andrews tiene las dificultades mentales más severas, recuerda cosas de la guerra, y tiene sueños violentos. Esta casado con una muñequita guapísima (Mayo) que, obviamente, quiere vivir otra vida...

El banquero lo tiene mucho más fácil, aunque su empleo le perturba. Se encarga de conceder o denegar préstamos bancarios a excombatientes, y no lleva bien su labor.

El elenco de actores es insuperable. Dana Andrews,   mi actor favorito, un magnífico Fredric March, como hombre torturado por lo que pudo ser y no fue, con Myrna Loy haciendo de su mujer. Con Harold Russell, auténtico mutilado de guerra que hizo muy pocas películas pero por esta ganó un Oscar (en realidad dos, el de mejor actor secundario y otro honorífico por patrocinar énfasis y esperanza a los soldados. Con una Teresa Wright como hija del militar, y una Virginia Mayo como feme fatale.

Es perfecta. No sobra un minuto. 
Como director Wyler es insuperable.

§ 1.701. Tres anuncios a las afueras (Martin Mc Donagh, 2017)

Me ha parecido excelente. Sobre un guión aparentemente endeble, digo aparentemente endeble porque tienes más miga de la que parece, porque tiene una vuelta y otra, y otra. Y cuando parece que todo es sencillo se vuelve a complicar para, cada vez que hay una vuelta de tuerca, volver a centrar las cosas en su sencillez más neutra.

Cuando no tienes nada que perder eres capaz de cualquier cosa. Pero también cuando tienes cáncer y sabes que te vas a morir eres capaz de cualquier cosa.

Del director es la primera película que veo. Y, la verdad, me parece que le ha salido una película redonda, con una dirección magnífica, si entendemos como dirección la capacidad de montar imágenes sobre imágenes, enlazarlas a través de un guión con diálogos, silencios y música.

Muy capaz, habrá que seguirle en su carrera, en las nuevas propuestas que plantee.

La idea es brillante, y la exposición de los personajes y sus problemas, todos ellos al hilo de la problemática central, está perfectamente hilvanada.

El hombre corriente sometido a tensiones inabordable es capaz de cualquier cosa. Sobre todo con el pasado que se ve que ha tenido la protagonista. 

Tiene momento enternecedores, de gran emocionalidad. 

Frances McDormand es una actriz absolutamente magnífica. Le da una sobriedad y una intensidad el personaje que sólo una gran actriz es capaz de hacer. Muestra perfectamente la soledad que siente por todo: por la pérdida de la hija, el abandono del marido, el fracaso de la vida en general... El hijo de ella podría haberle dado más juego a la cinta, pero quizá a costa de no mostrar tan gráficamente la soledad de ella, y la desafección de la policía.

Otra actriz que quizá pudiera haberlo hecho muy bien es Hellen Mirren, aunque desde una perspectiva más elitista, menos rústicas, menos campestre.

Mención aparte merece Woody Harrelson, que lo borda. Después de años dedicados a "otras cosas", con películas poco recordadas, de mala calidad, mediocres, parece que 'vuelve'. Desde luego habrá que esperar si es una nueva flor de un día, pero yo si le recuerdo en buenas películas hace años, pero muchos años. Es duro pero es consciente que quizá sí podría haber hecho más cosas para averiguar quién asesinó a la hija de la protagonista. Sabe que se muera, y no quiere irse sin hacer algo más. Eso es precisamente lo que le conecta con lo que fue, con lo que nunca debería haber dejado de ser. Lástima que sólo intervenga una hora.

En resumen, un melodrama moderno revestido de fábula del medio oeste americano. Me ha parecido una obra de arte.

§ 1.700. El intendente Sansho (Kenji Mizoguchi,1954)

Me ha parecido una película excelente. De una factura elegante y sobria, con planos muy abiertos que dejan que las circunstancias transcurran con naturalidad. El director pone la cámara y las cosas suceden, sin más, así de fácil. No parece que estés viendo una película, parece que lo que sucede en la vida es lo que ves en la pantalla. Hizo muchas películas y es considerado un maestro del lenguaje cinematográfico. No sé valorar tales grandilocuéncias, pero sí de apreciar si me emociona, gusta o entretiene. Y aunque es cierto que tanto la temática como la metodología me son extrañas y no me provocan especial simpatía, sí me motiva seguir viéndola y aprender nuevas cosas, nuevas perspectivas.

Tras el acercamiento a Kurosawa, que evidentemente es mucho más occidental que este director, me gustaría profundizar en directores orientales en general, y japoneses en particular. Éste, terminar con Kurosawa, y Ozú. Luego ya vendrán más cosas...

De una profundidad ideológica muy marcada, con un mensaje muy diáfano, todo transcurre como si fuera un cuento, de manera suave y muy inocentemente. Pero la fábula esconde un mensaje humanista y social. Todo está orientado hacia el desenlazo propicio a una epopeya homérica: imponerse al sistema y revertir la situación de desgracia en la que se encuentra el protagonista de manera injusta. Así, la consecución de su libertad no sólo es un fin del individuo, sino el reclamo de una justicia social, que más allá del egoísmo personal, de las vivencias propias pretende proyectar el yo en el nosotros. La inmolación, en su caso, para la consecución del objetivo es una mera posibilidad, una circunstancia que no tiene mayor importancia, y, por eso, el individuo es capaz de acometer su propio destino desdeñando peligros e incapacidades.

Director muy comprometido, al parecer, con la doctrina más social del marxismo ortodoxo. Muy interesado en el mundo de las prostitutas, tanto en esta cinta como en la anterior que vi suya del mismo año: La mujer crucificada.

La liberación de los esclavos es el motivo interior de la cinta, y la consecución de su objetivo el de la vida del protagonista, que vio como su familia -padre fallecido en la cárcel, mádre abandonada, hermana prostituida- caía en desgracia precisamente porque su padre siendo alcalde una ciudad trató bien a los esclavos y decretó la manumisión de todos ellos.

No sé nada de sus actores, absolutamente desconocidos para mi. En realidad más allá de Toshito Mifuné no conozco a ningún otro, ni actriz, ni actor.

§ 1.699. El jardinero fiel (Fernando Meirelles, 2005)

Un intento de cine más comercial de Meirelles después de la película que le encumbró (que no he visto todavía). Algo no funciona bien. Y me parece que es su protagonista, Ralph Fiennes. Hay algo de delicadeza enfermiza en su papel, que no pega bien ni con su propósito ni con el carácter del diplomático que representa. Es demasiado fino, pequeño, no es empacoso, no es varonil, no es potente. Su rol viene bien para otros papeles. Pensaba que a lo largo de la película se iba a endurecer, formándose una composición de lugar completa de la corrupción, pero no lo consigue. Se compota de la misma manera desde el principio, y eso lastra su papel.

Hay algo de inverosímil en la historia. Pensar que la embajada británica en Kenia no va a tener ningún recurso para trasladar a un diplomático de segunda línea y alejarlo de la búsqueda que persigue de información es poco probable. Liam Neeson quizá hubiera impactado mucho en la primera parte, pero a lo mejor se hubiera hundido en la segunda, donde la sutilidad se hace menor evidente.

Rachel Weisz consiguió el Oscar por esta cinta, pero más allá de una estupenda sonrisa y la frescura de una cara muy dulce no creo que haya hecho una gran interpretación.

Meirelles seguramente pretendía probarse en una empresa grande, en una gran producción, alejándose de su ecosistema propio, películas casi artesanales, y fuera de circuitos comerciales, más cercano al cine independiente. Y aunque la películas seguramente funcionó en taquilla no creo que consiguiera su objetivo. Es un thriller eficaz, funciona en pantalla pero hay algo que lo aleja de convertirse en un canon, en una auténtica película redonda.

Es capaz de interesar, pero no conmueve, no impacta de manera irascible, para recordarla de por vida. Dicho lo cual hay que decir que es una buena película y tiene su aquel, sobre todo en la segunda parte.

El guión está basado en una novela de John Le Carré, que, al parecer, novela un hecho histórico cierto, la utilización de población nativa de Kenya para probar una vacuna contra la tuberculosos que no funcionaba del todo porque tenía fuertes contraindicaciones.

§ 1.698. Mark Felt. El informante (Peter Landesman, 2017)

Interesante y entretenida película. El segundo de a bordo cuando muerte Ed. Hoover se ve relegado en el ascenso a la dirección de la institución y decide vengarse. Intenta utilizar a la prensa para que haga un artículo y frente a la Casa Blanca en su pretensión de frenar la investigación.

Intenta hacer caer al Presidente, en pleno proceso de su reelección.

Es un tema muy manido, muy trabajado, muy filmado, pero pareceque siempre hay una perspectiva diferente, nueva, fresca, diversa... esta cinta parece de las de este tipo. Responde a la autobiografía de Mark Felt, el informante de los periodistas del 'The Washington Post' Bob Woodward y Carl Bernstein que desvelaron el escándalo.

Es intensa y tiene un metraje muy contenido. Para los que conozcan la historia las cosas que yo no entiende tienen sentido, pero para los que no somos expertos hay cosas que todavía quedan fuera de foco, no soy capaz de comprender.

Insiste en una idea: el chivatazo a la prensa tiene la justificación que merece por el comportamiento de la Casa Blanca, de la CIA y del Fiscal General claramente obstruccionista a la continuidad de la investigación. Recibieron una orden de cerrar la investigación... y... no le quedó más remedio que organizar un sistema de información paralelo con la prensa para empujar la investigación fuera de los cauces más ordinarios y normalizados. Su obsesión es seguir con la investigación, y por eso tiene que cebar la bomba de la información. Si la población se forma una opinión sobre el tema la necesidad de continuar con la investigación parece una necesidad y las opiniones en contra de continuar la investigación serán mal vistas. Recordar que el Presidente Nixon fue reelegido y posteriormente tuvo que dimitir.

La cinta no deja traslucir si los motivos profundos del chivatazo son por venganza o por ambición. Por velar por la pureza del sistema americano y la integridad del FBI o bien porque no lo ascendieron al Olimpo de del poder en la organización.

Realmente el caso fue tremendo y su repercusión fue brutal. Cuarenta y cinco años después sigue generando polémica.

El director sólo tiene tres películas. De las otras dos he visto Park Land, que es el nombre del hospital donde estuvo el Presidente Kennedy después de ser tiroteado, que me causó granja impresión, muy favorable.

Tensiona bien la trama, las escenas y consigue divertir y entretener. Tiene un pase. Pero no es un gran monumento fílmico.

Liam Neeson hace de Mark Felt, y Diane Lane de su esposa. Lo hace muy bien, sobrio y determinado. Firme y lo suficientemente opaco que parece frío, sin serlo realmente. 

§ 1.697. Trono de sangre (Akira Kurosawa, 1957)

Siempre digo algo parecido con Kurosawa: es una festividad visual. La película tiene 62 años y se puede ver con tal tranquilidad, con recursos escénicos de una belleza inusitada. No sabría si los caballos son demasiado grandes para los actores, no sé si los caballos japoneses son realmente tan enormes, parecen más caballos del oeste, tienen las crines muy cuidadas y tienen las manchas blancas típicas de los de las cintas de el Oeste.

La lucha de poder entre facciones contrarias instigadas por una mujer, hierática y sagaz, ladina y perspicaz, que incita al marido a rebelarse contra su señor y adquirir el mando, detentarlo, hacerlo suyo.

La profecía de una buhonera en el bosque construye toda la historia, que narra, más que otra trama, la despiadada que puede ser la traición.

Muy interesante es la visualización del castillo como centro de poder político y económico, de mando y ejercicio de la política. Puro Shakespeare...!!!

La mujer hierática como pocas veces se ve a un acor, blanca con ese maquillaje japonés tan característico y peculiar.  Es la imagen de la muerte cuando les da a los soldados que guardan al señor el vino con veneno. Gran teatralidad en todos sus movimientos, con una ausencia total de viveza gestual. Visionaria de la muerte del señor anterior de castillo su incitación al homicidio del actual no es sino la proyección natural de su propia ambición, espoleada por el vaticinio de la mujer mayor en el bosque. El único momento en que se mueve con soltura, con gracia, con garbo, incluso rápidamente es cuando ya se ha producido el asesinado y esconde la lanza que sirvió como arma del crimen en los brazos de un soldado envenenado. Corre y se mueve cuando su marido es incapaz todavía de comprender qué ha pasado.

La lucha abierta y armada entre bandas se hace inevitable.

Otro punto muy interesante es la sucesión como cuestión vital, como "el" asunto capital en la perpetuación del poder. que en este caso es capaz de alterar las previsiones de la vieja, pues la mujer no acepta que se cumplan en los términos previstos, pues le dice al marido que está embarazada, para que no anuncie que el hijo de su amigo le va a suceder en el trono. El padre de éste le dice: "eres afortunado, vas a heredar un trono sin haber derramado una gota de sangre". Obviamente, no va a ser verdad.

Pero su amigo e hijo no comparecen en la reunión. El padre es asesinado, pero el hijo consigue huir, aunque es herido en la emboscada... ya no puede cumplir lo afirmado por el padre.

Toshiró Mifune con su expresividad tan singular, es, en realidad, el único actor que conozco. Los demás no me suenan de nada, como es natural.

§ 1.696. Víctima (Basil Dearden, 1961)

Cine británico, lo mires por donde lo mires. El color de las piedras, la textura del celuloide, la sobriedad de la puesta en escena, la ausencia de tramas secundarias, la luz y la sombra.

Un director tipo Joshep Losey, brillante, sobrio, de resultados magníficos, películas serias, estupendas. 

En esta al homosexualidad de un abogado brillante, perteneciente a las esferas del poder, casado, en los círculos del poder... Pero que ha tenido algunos escarceos homosexuales con jovencitos. 

Uno de ellos era, al parecer, era chantajeado. Pero no se dice por quién o por qué. Un ciego y su acompañante parecer ser los instigadores del asunto. Toda una trama de situaciones parecidas se reproducen con diferentes personajes a lo largo del tiempo. El abogado quiere actuar, a pesar de que ello pueda echar por tierra su carrera. La policía da palos de ciego, sabe que algo ocurre, que existen conexiones entre todos los asuntos, pero nadie denuncia, nadie dice nada, la policía no puede actuar. El abogado va endureciendo el carácter, cada vez más amargado, más aislado de sí mismo y de su mujer, que obviamente sospecha  de él, porque conoce su pasado.

Ese chico chantajeado se ahorca cuando la policía le persigue, sin tampoco explicar por qué, qué ha hecho.

El resultado tiene que ser tétrico, no cabe la menor duda, pero no huye de ello, quiere sentir lo que hace, no esconderse, echarse su pasado encima.

Era una época en la que la homosexualidad era todavía un delito, y en varios pasajes se comenta la ley que se acababa de aprobar que despenalizaba parte de los delitos relacionados con el asunto. En 1967 se cambiaron esta reglas, y, al parecer, está película ayudó mucho.

El actor es el impresionante: Dirk Bogarde, acorazo espléndido, sobrio y contenido donde los haya pero de una firmeza interpretativa realmente espléndida. De vida complicada y aspecto muy varonil, muy marcadamente varonil a pesar de su homosexualidad latente: vivió con su representante durante años, y nunca se casó.

§ 1.695. Siempre hay un mañana (Douglas Sirk, 1955)

Sirk tiene un sello característico, propio, muy suyo. Los problemas emocionales de la clase media americana retratados con inteligencia y mesura.

Con una Bárbara Stanwyck espléndida y un Fred Mac Murray como prototipo del hombre corriente.

Una mujer irrumpe en la vida de un hombre normal, antigua amiga que hace veinte años que no ve. Y se replantea su vida. La familia aburre, la sociedad le empuja a tener una vida estandarizada y sufre una marabunta de emociones con esta visita. Se abre una puerta que siempre pensó que estaba cerrada, que no era para él. Y rejuvenece. Y vuelve a sentir. ¿Eres feliz le pregunta ella?. Sí, soy feliz dice muy convencido.

La mujer había trabajado para él anteriormente, pero abandonó en el empleo, se fue a Nueva York se casó y se divorció... No se explica por qué se fue, pero todo parece indicar que había tenido un romance en el pasado.

Excelente película, excelente director, gran cine en estado puro. Me encanta.

§ 1.694. Casino (Martin Scorsese, 1995)

Muy buena.

§ 1.693. Yo soy la justicia (Michael Winner, 1981)

Es infame. Y el director lo sabe. No sé cómo se puede ver, pero se ve... Es lo que tiene. Hay una especie de saga sobre este tema, con cinco o seis películas idénticas, de diferentes directores además.

No tiene nada, más allá del ánimo de venganza del protagonista. Pero mira, qué quieres que te diga querido Blog, hay que ver de todo.

Los 'artistas' son: Charles Bronson, y Jill Ireland, aunque me ha sorprendido mucho la presencia de Laurence Fishburne, en la que es su 5ª película de 84 rodadas, después de Apocalypse Now (1979) -su segunda- que es, dicho sea de paso, una auténtica obra maestra.

Una película muy mediocre.

§ 1.692. La última batalla de los apaches (Hugo Fregonese, 1964)

Una película del lejano oeste hecha en la Alemania del Este, dirigida por un director argentino, con actores norteamericanos. Y está muy bien hecha, me ha gustado. Es lo que es, pero tiene su gracia.

Pretende ser un Wester epopéyico y aunque no lo consigue sí es cierto que deja buen sabor de boca. 

Guión interesante, tantas veces visto, pero de mucho desarrollo mezcla con cierta sabiduría a los indios, los vaqueros, los aventureros y los militares.

El propósito es romper un tratado de paz entre los indios y el gobierno. Los que los quieren impedir pretenden apropiarse de las tierras de los indios. Mata a una familia de granjeros blancos, menos a su hijo pequeño, es sólo el comienzo del embuste. Se enfrentan Apaches y Comanches, porque los malos blancos hacer creer a los militares que los Apaches están detrás de la matanza de los blancos... Nada de eso.

Un cierto juego de engaños, malos malísimos y blancos y poco pusilánimes, pero el conjunto es una buena película, quizá demasiado larga. Noventa minutos dan para mucho, y aquí sobrepasa la medida de lo razonable.

Hugo Fregonese es el director. No especialmente reconocido pero interesante, trabajó en el Hollywood dorado y tuvo a su cargo a grandes estrellas del momento, con alguna película en España y otras de vuelta a su argentina natal. 

Qué vamos a decir de Lex Barker, nuestro Tarzán más cercanos, por su matrimonio con Tita Cervera. Galán de Serie B y estrella en Alemania con películas del oeste en adaptaciones de Karl May, como esta. También intervino en dos cintas de un director para mi fundamental: Robert Siodmak.

Guy Madison no fue un actor muy prolífico, intervino en muchas películas, en alemania e italia sobre todo, con películas de aventuras de Serie B, aventuras y wester, sobre todo.

Pierre Brice entre 1962 y 1968 hizo 11 cintas en alemania sobre las aventuras del indio Winnetou, todas ellas adaptaciones de libros de Karl May.

§ 1.691. El renegado (Irving Pichel, 1941)

Interesante película, más de lo que parece, de aventuras en Canadá en la época de las aventuras hacia las tierras profundas para la caza de pieles. En un Canadá afrancesada la iniciativa y la picaresca de un hombre típicamente americano, hecho a sí mismo y con gran sentido del humor.

El director es un gran olvidado, no creo que sus películas se ven actualmente. Pero parece un director sólido, sus películas se dejan ver, entretienen un están bien rodadas, magníficamente ambientas y con guiones inteligentes. Fue ademas de director, actor y narrador. Llama la atención que interviniera como narrador en dos cintas de Ford: Qué verde era mi valle y La Legión Invencible. Represaliado por el Hollywood más desquiciado por el Senador Joseph McCarthy.

He visto Antes del amanecer (1933), y Peligros de juventud (1950), y ambas me gustaron, estaban bien rodadas y eran entretenidas.

Rodada en un blanco y negro muy bonito aunque algo antiguo, un poco vidrioso.

Los actores son, básicamente Paul Muni, no muy conocido para mi aunque al parecer ocupa un lugar importante en al historia del cine, y la irrepetible, la inefablemente guapa  Gene Tierney, en una de sus primeras apariciones, de las 39 películas que rodó.

§ 1.690. La última caza (Richard Brooks, 1956)

Interesante película de un director muy solido, con grandes cintas, algunas de ellas míticas del cine, sobre todo desde el lado romántico.

Con este Wester, con Muerde la bala y, sobre todo, con Los Profesionales tiene tres obras muy interesantes. 

Robert Taylor hace un papel más difícil que Stewart Granger, mucho más plano en toda su carrera, con menos aristas, menos poliedrico, menos carácter. Aquí hace de hombre torturado que mata búfalos por placer, por el placer de matar, no por el dinero ni la gloria, nada de eso, el sentimiento primario de matar por matar, de ser capaz de tener en sus manos en control sobre la vida y la muerte de los animales. La explicación de su proceder no es explícita, tienes que imaginártela.

El tema es interesante, esta bien desarrollado y hasta cierto punto es conmovedor, pero no eleva la historia al nivel superior de otras del oeste. El afianzamiento de la propia vida dando muerte es, como en algún momento se dice, una forma de saborear la vida, de saberse vivo y fuerte.

Los demás secundarios son Lloyd Nolan como el desolador de búfalos, muy reconocido en Un Sombrero lleno de lluvia,  y la muy guapa Debra Paget, que, la verdad, de india no pega ni con cola, recordada por Los 10 mandamientos, y, sobre todo, por El Tigre de Esnapur y La Tumba india, las dos de Fritz Lang.

§ 1.689. Los secretos de la Cosa Nostra (Terence Young, 1972)

Interesante película de 1972, el año de El Padrino. No es obviamente tan buena como la obra maestra.

Charles Bronson no es Marlon Brando, ni Lino Ventura es... cualquiera de los actores magníficos de la cinta.

Basada en hechos reales, al parecer.

La había visto hace mucho años, la recordaba mejor de que es.

§ 1.688. Joaquín Murrieta (George Sherman, 1965)

Muy normalita película del oeste, sin más. De producción española y probablemente rodada en España. Tiene algo de activista político, reivindicando la mexicanidad  de california. 

Es una figura históriás o menos cierta, a finales de las primera mitad del siglo XIX en la tierra de la fiebre del oro. Figura muy extendida en la mitología popular, que agranda su legado con  exageraciones homéricas de su poder y su capacidad. Comics, rancheras, telenovelas, otras películas, documentales, etc. Toda una iconografía bien trabajada. Nada extraño, dicho sea de paso.

El director es ese tipo de artista tan útil a la industria pero que no ha pasado a la historia del cine, hizo muchas películas, hasta 68 dice Filmaffinity, pero de las siete suyas que he visto ninguna pasa el corte de lo noticiable.

El actor principal es Jeffrey Hunter, muy conocido por participar en cintas de John Ford: el Sargento Negro, y, sobre todo, Centauros del desierto. Arthur Kennedy como secundario todo terreno hace las veces de su perseguidor.

Es evidente que la razón que anida en su venganza le mueve al comienzo de su transformación desde un apacible granjero a comandante de un ejército irregular de hombre a favor del ejército regular mexicano. Pero una vez cumplido su propósito lo que le mueve a su militancia, casi política, no es claro qué es.

La película es interesante, sin pasar el umbral de lo normal. Se deja ver, y poco más. Se recordará por el personaje, pero nada más.

§ 1.687. El hombre de corazón de hierro (Cédric Jimenez, 2017)

La estética nazi siempre es atrayente cinematográficamente hablando. Y esta película no es una excepción. 

El director es desconocido para mi. Sólo tiene tres películas, al parecer, y una de ellas a medias con otro director. No es muy prolífico, deberá estar empezando.

Se deja ver, tiene su parte interesante de saber que es un biopic muy veraz.

El señor parece un monstruo, un fanático empedernido, pero parece ser que su asesinado fue una necesidad estructural para ganar la guerra. Quizá todo hubiera sido diferente si no hubiera muerto. No se puede saber, pero se puede aventurar.

Visualmente es muy gratificante y tiene la buena idea de ahorrarte los aspectos más escabrosos de la violencia nazi, lo que se agradece, porque recuerdo una cinta de Oliver Hirschibiegel titulada "13 minutos para matar a Hitler (2015)" auténticamente salvaje... De un director que hizo una cinta muy buena: "El hundimiento (2004)".

Me parece que la primera parte es mejor que la segunda, donde se vuelve más convencional, más parecida a otras cintas que ya hemos visto. Pero la primera media hora es muy interesante. No explora del todo las relaciones de su mujer con él, lo cual hubiera sido muy interesante. Se intuye que ella le ayudó bastante a escalar la escalera social del nazismo, lo que le situó en una posición privilegiada para progresar con su bestializo como bandera.

Tiene un metraje excesivo, 120 minutos parece mucho para lo que nos tiene que decir.

§ 1.686. Cometieron dos errores (Ted Post, 1968)

Un Westher muy al estilo del personaje. Un hombre que por sí sólo llena una pantalla, llena una película, como es este caso.

Director de televisión más que de cine, del que sólo he visto tres películas, esta varias veces, como Harry el Fuerte, que también la he visto en más de una ocasión.

No es una gran cinta, pero se puede ver. Tiene ritmo y no decae, pero está lejos de ser una excelente cinta.

No tiene música, los secundarios no acompañan especialmente bien, y el motor única de la venganza no sustenta todo el metraje. Pero es una más del Oeste.