§ 3.025. El Dorado (Howard Hawks, 1966)

 

No sé cuantas veces la he visto. Quizá 12 ó 15, o quizá 20. Me da igual, es una cinta que hay que ver una vez cada año, mínimo.

Sinceramente, es una de las películas de mi vida.

§ 3.024. Alemania año cero (Roberto Rossellini, 1948)

 

Las películas con niños no suelen gustarme, y aquellas en las que los seres humanos sufren, menos aún. Por otro lado, las de Rossellini hay que verlas con cierta cautela, porque tienen una profundidad emocional que me queda destrozado. O tienes un cuajo tremendo o te hacen verdadero daño. Me ha pasado con todas ellas. Las recuerdo, me asaltan por la noche, me hacen verdadero daño. Y esta no es diferente. 

¡ Ese realismo tan crudo !, Esa manera de contar las cosas, de ver sufrir a un niño, a una familia. 

Es evidente que la guerra produce estas consecuencias, es más, es precisamente lo que quiere, pero me gustan más las películas clásica americanas que me mienten y me dicen que todo es posible, que los seres humanos somos buenos (aunque todos sabemos que no es así), que la vida tiene un sentido positivo y razonable. En definitiva, me gustan más las películas que los documentales.

§ 3.023. Boogie Nights (Paul Thomas Anderson, 1997)

La vi hace muchos años, probablemente más de veinte, y me pareció magnífica. Siempre que he visto alguna cinta de Anderson me acordaba de ésta. Por varias razones: la temática, por Burt Reynolds, que tiene una actuación magnífica, y también por Julianne Moore, que está más guapa que nunca.

La decadencia de la industria, la democratización del video y la llegada de las drogas al negocio es la bóveda sobre la que se sustenta toda la película. 

Muy interesante también la actuación de Mark Wahlberg, en un papel muy difícil. 

También sirve para dar un repaso a las estéticas, vanguardias y mitos de los años setenta. Un repaso nada crítico, meramente expositivo. La sociedad funcionaba así, la cultura era como era y la industria del porno servía a lo que servía.

Interesante también Don Cheadle, y Heather Graham como una chica más del asunto.

Si yo hubiera sido el director hubiera "colado" en algún cameo a alguna celebridad del porno de la época, alguien épico y perfectamente reconocible. Hubiera sido un puntazo.

La pretensión del director es el verdadero motor intelectual del asunto. Intentar convertir el cine para adultos en algo más que lo que es. En esta pretensión Burt está espléndido. Fue nominado como mejor actor, pero no le dieron el Oscar, lo consiguió Robin Williams por el Indomable Will Hunting, una película verdaderamente buena.

La educación estricta que recibe el muchacho también tiene mucho que ver en su decadencia y bajada a los infiernos, especialmente por la madre, una auténtica histérica y mal bicho que maltrata al marido y al hijo.

Es muy buena película, al menos a mi me lo parece. No es que me guste, que también, y mucho, es que creo que está bien hecha, bien rodada y bien trazada.

§ 3.022. La campana del infierno (Claudio Guerin, 1973)

 

Película singular, de un director que, en realidad, sólo hizo esta cinta y ni siquiera la terminó, porque falleció en el rodaje en un accidente preparando una toma y tuvo que terminarla Juan Antonio Bardem.. Más que interesante propuesta la suya. Ubicada, sin lugar a dudas, en la Galicia de interior, es una cinta muy de la época, tanto en la estética libertaria que propone -moto, pocas palabras, seguridad en uno mismo-, como en la temática general de la misma -ocultismo, pasado negro, reencuentro con uno mismo, antipsiquiatría-, con un resultado más prometedor que otra cosa.

Le cuesta entrar en materia, y no sabes muy bien cuál es hasta bien entrada la cinta, y aunque puedes prever de qué va la cosa.

Me llama la atención el empleo de actores extranjeros: el  francés Renaud Verley, célebre por la Caída de los Dioses, de Visconti, y Viveca Lindfors, sueca, que intervino en Tal como Éramos, de Sidney Pollack, en una producción tan pequeña de un actor con poco recorrido todavía en la filmación de películas.

Ruralidad, locura, Galicia, sexo y toda una amalgama de bromas pesadas y juegos macabros. Interesante, pero sin demasiado recorrido.

§ 3.021. Nuestro hombre de Milán (Fernando Di Leo, 1972)

 

"Milán Calibre 9", de este mismo director me pareció espectacular. Ésta no tanto. 

Aquella tenía la frescura de no saber nada de cómo funcionaba y en esta estaba 'prevenido'. Los giros, los retos, los comentarios, incluso la manera de contar la historia, de ir de una secuencia a otra, ya me eran, sino reconocibles, si previsibles. El montaje es similar, dos historias que se van acercando y convergen con el discurrir de la cinta. 

Interesante es que te pone los títulos de créditos al principio, como por otra parte copió Tarantino para decir que es célebre hacerlo así.

Mario Adorf (que sólo hace películas de este tipo, aunque trabajó muchísimo) es el mafioso, el inconfundible Henry Silva y Woody Strode son los mafiosos. La guapísima Luciana Paluzzi es la directora del hotel y la guapa Sylva Koscina es la mujer del mafioso.

Papeles estereotipados, ademanes conocidos, poses clásicas, chulerías de baja estofa, y demás recursos cinematográficos más que conocidos sirven de canal de comunicación para transmitir un mensaje más que conocido.

El abuso de la estética 'setentera' es otra de las señas de identidad de esta cinta, que junto con las comentada y Secuestro de una mujer (1973) componen la llamada trilogía de Milán.

Mientras que en la citada película no se le daba al espectador ni un minuto de respiro, esta cinta es más 'tranquila', hay más tiempos muertos, planos para cambiar de escena, algo más de relax para contar las cosas. Pero es infinitamente peor película, a mi modesto juicio.

§ 3.020. Punto de ruptura (Michael Curtiz, 1950)

 

"Tener y no tener" en versión Curtiz. Algo diferente a la de Hawks, menos sensual, más terrenal, más apegada a la miseria de la vida y las circunstancias del capitán del barco. Menos idealista, más mundana. La historia conoce una tercera versión, de Don Siegel de 1958 llamada Balas de contrabando.

Se ve algo más forzada en el desarrollo de la trama, con menos acento en la historia de amor y más en las circunstancias económicas y sociales del marinero y los problemas económicos que tiene. Es una cinta más de cine negro que la versión clásica, más dura y más seca. Y menos optimista.

John Garfield no le va a la zaga ni siquiera al mismísimo Bogart. Como icono de cine negro hizo tantas películas como él, quizá menos célebres, y probablemente con menos impacto social, pero es un actor tremendo. Desde luego el papel de capitán lo encaja mejor que el propio Bogart, que sí es cierto que le da un aire más soñador, más idealista. Garfield parece que actuara con arena en la boca, sientes su angustia por los problemas.

Patricia Neal es una de mis debilidades, actriz fina, alejada de los 'mujerones' tremendos de los años cincuenta de exuberante pecho, cintura de avispa y exhalando sexo en vez de sudor.

Juano Hernández hace un papel que le va como anillo al dedo. Un actor al que se le en más películas de las que parece.

La película es muy interesante, buena y con profundidad. El guión no se aparta de la guía principal del relato de Hemingway, pero acentúa más los aspectos mafiosos de la historia. La de Hawks ponía el acento en la historia de amor, aquí algo diluida, incluso desde el principio con la presentación de la mujer y las hijas del capitán del barco.

§ 3.019. Pacto de honor (André De Toth, 1955)

 

Un Western muy convencional, con una gran estrella Kirk Douglas, que llena la pantalla de principio al final. Grandes paisajes, espacios abiertos, indios y vaqueros, tratados de paz incumplidos y la sempiterna lucha del ser humano contra la ambición propia y la búsqueda de sus oportunidades.

Interesante guión con recuerdos ecologistas y ligeramente izquierdosa. El guión tiene su profundidad, sus requiebros y su aquel. No pasa desapercibido.

Se deja ver, tiene una gran belleza plástica y una fotografía prodigiosa.

Además de Douglas brilla con luz propia Diana Douglas, la que por aquel momento era su esposa, en un papel muy progresista, incluso feminista, reivindicativa y exigente. Me gusta.

§ 3.018. Su majestad de los mares del Sur (Byron HASKIN, 1954)

 

No es la primera vez que la he visto, ni mucho menos. Es de esas que forman parte de mi infancia. Películas del sábado en sesión dobles a media tarde en casa. De cuatro a ocho de la noche. Dos cintas de noventa minutos.

Tiene la frescura de una obra buena, noble, de aventuras limpias, serenas, tranquilas. Países extranjeros, con mentalidad americana: conquista, lucha, amores profundos desde un marco contextual de superficialidad, y el sentido de la propiedad como catarsis de todas las ensoñaciones. 

Burt es un genio. Este tipo de películas le venía como anillo al dedo. Estaban hechas para él.

Un guión que no deja un minutos de metraje de descanso y unos escenarios naturales poco acostumbrados hacen el resto. Una película magnífica, acompañada con una música realmente estupenda de Dimitri Tiomkin.

Parece ser que se basa en una historia real, siguiendo fielmente parte de la vida del Capitán David O'Keefe, un marinero americano que convirtió de la aventura su razón de ser.

Sé perfectamente que no es una cinta perfecta, para empezar debería durar un poco más. Pero forma parte del aprendizaje emocional de mi vida y la recuerdo con muchísimo cariño. Una película preciosa.

§ 3.017. El hombre de Bitter Rige (Jack Arnold, 1955)

Una de consumo instantáneo, Western de mediodía, fácil apreciación de quien es el bueno y quien es el malo, de cuáles son los cánones de comportamiento en el Oeste Americano, de cómo deben ser las películas de entretenimiento del género. 

No es brillante, ni siquiera tiene un desarrollo armónico y efectistas, pero funciona. Pero la actuación de Lex Barker es vulgarmente previsible, plana y lineal, ausente de matices, automatizada y carente del más mínimo sentido actoral. Parece que se mueve como un hombre seguro de sí mismo, pero muy poco convincente. No es una gran película, intenta funcionar, pero naufraga un poco en medianías y tramas secundarias. No es el mejor western de Arnold, ni mucho menos. 

 

§ 3.016. Amigos hasta la muerte (George Seaton, 1973)

 

Rock Hudson, Dean Martin y Susan Clark son las estrellas de una película que pivota sobre la amistad de dos hombres que, años después, se enfrentan en ambos lados de la ley.

Me gusta ver a Rock de vaquero, de Sheriff en este caso. Da el pego de verdad, funciona perfectamente, fuerte, viril, con su bigote. Incluso mejor que Dean, al que siempre le he visto un poco fuera de lugar en estos papeles. Hay algo artificial en los papales que hace Martin. Tiene esa sonrisa a medio camino entre el 'cachondeo' y la 'sorna'.

La trama es previsible, pero la enmarca en paisajes idílicos del oeste más salvaje, siempre alrededor de ríos caudalosos y con caballos, y con pistolas... Una entretenida película que no tiene mucho más recorrido. Un poco plana y neutra. Sin densidad ni empaque.

No sé cómo Seaton hace un Western, no es el tipo de director que se dedica a esas cosas, pero en fin. Supongo que le apetecía probar de todo. Ésta era su última película, después de Aeropuerto (1970). Es posible que quisiera despedirse con lo que de pequeño le hizo vibrar, el cine de Oeste, el género por excelencia americano.

§ 3.015. Libertad o muerte (Byron Haskin, 1956)

 

Una especie de Biopic sobre uno de los fundadores de Texas al independizarse de México. El título de la cinta es mucho más elocuente que la traducción española. Es más gráfico El primer texano, y dice bastante más sobre la película que el de Libertad o muerte, que puede pasar incluso por una temática de spaguetti western.

Joel McCrea le da un aíre de naturalidad a sus interpretaciones, tiene, salvando las distancias, esa forma de ser buena en el fondo y en la forma que tenía James Stewart. Un hombre del que te puedes fiar. Un hombre corriente con en el que la gente se identifica.

Una muy guapa Felicia Farr es el contrapunto femenino. Sobria, sencilla, como una mujer 'Ford', aunque no hizo ninguna película con él. Es más propio llamarla actriz Delmer Davis, pues de las veinte películas que rodó, tres fueron con él.

Parece ser que responde a hechos absolutamente reales de la independencia de Texas y el papel que jugó un abogado llamado Sam Houston, que fue su primer gobernador y por eso su capital tiene su nombre. Me llama un poco la atención el interés que tenía el Presidente Jackson en que  Texas se independizase. Todo como parte de un plan, primero para convertirse en república independiente de México, y, en segundo lugar, para integrarse en la unión. 

La película tiene su gracia, se desarrolla muy bien y tiene unos tempos muy certeros y adecuados. No pierde el tiempo, va al grano y no desaprovecha un minuto de metraje. Incluso es de esas películas a las que les falta metraje.

Me sorprende bastante la nota tan baja que tiene la cinta: 5,2 en Filmaffinity; 6,2 en Letterboxd; 6,1 en IMDb; y 6 en AllMovie. A mi me ha gustado más, le pondría un 7, y porque creo que le falta algo de densidad en las batallas y algo deshilachada en la historia de amor.

§ 3.014. La nave de los condenados (John Farrow, 1952)

Un clásico de aventuras, con un nombre mítico, de un director clásico. Con tres actores igualmente grandes: Alan Ladd, James Mason, y la muy guapa Patricia Medina que intervino en Saqueo al Sol (1953) del mismo director, Mister Arkadin (1955) de Orson Welles, y El asesinato de la hermana George (1968) de Robert Aldrich, una cinta que me gustó mucho, mucho.

Las aventuras transcurren con naturalidad y están bien entrelazadas, así como la tensión dramática entre los dos protagonistas masculinos.

Para ser un espacio muy reducido no se hace nada larga la cinta, que tiene un metraje estándar de 95 minutos.

Interesante explicación de eso de pasar por la quilla. No creo que la brutalidad que muestra estuviera alejada de la realidad de lo que acontecía en ese tipo de barcos penitenciarios.

Buena película, entretenida, con sus estrellas, muy del Hollywood clásico.

 

§ 3.013 Aquella casa en las afueras (Eugenio Martín, 1980)

 

Cuarta cinta que veo de Eugenio Martín, un director español muy cotizado y característico de los años 70 y 80. 

Terror a la española, sobre un tema original aunque previsible. La problemática que subyace era muy importante en la época en la que se filmó la cinta, el aborto todavía era un delito y ya se debatían las proposiciones para despenalizarlo. En ese sentido tuvo la suerte de estrenarse en un buen momento para la taquilla.

Las personajes son naturales, fáciles, sienten bien y se conducen como deben, pero carecen de ese punto de garbo y profesionalidad de los grandes actores, que cuando les ves sabes que están actuando y aun así consideras que hacen estupendamente su papel. Silvia Aguilar y Javier Escrivá son los actores principales.

Alida Valli y Carmen Maura también intervienen, aunque muy poco. 

Quizá sea un poco larga, 100 minutos parecen demasiados para sostener el drama que se avecina. Las escenas de terror (o de miedo) no se desenvuelven con naturalidad dentro de la trama, parecen excesivamente artificiales, pegadas a la trama, como si no formasen parte de ella. 

El resultado final es interesante, entretenido pero previsible. Poco brillante, muy trillado.

§ 3.012. El asesinato de Trotsky (Joseph Losey, 1972)

 

Al hilo de un hecho absolutamente real se construye una cinta excesivamente lineal, sin matices, sin verdadera emoción. Además no sé si verdaderamente es reflejo de cómo vivía Trotsky en México. Parece un burgués y probablemente lo fuera, pero queda algo deslucido y, sin más justificaciones, alejado del estereotipo que se tiene de su vida.

De lo que he leído sobre la película no parece que el director se la tomase demasiado en serio, problemas etílicos al margen. La caracterización física del personaje es espléndida, sin embargo, aunque Burton le da una complexión física algo más nutrida, tengo al anarquista por un hombre más delgado, incluso pequeño.

Delon trabaja en esta cinta (creo) con Losey por primera vez. Luego hizo una película que a mi me gustó mucho, El otro señor Kelin (1976) mejor que esa en todos los sentidos, desde el guión hasta el montaje.

No sé qué pinta realmente Romy Schneider en esta cinta. Probablemente un gancho para la taquilla, aunque no está especialmente guapa, para lo brillante que era ella.

Quizá le falten algunos diálogos para explicar algunas cosas, sobre todo las relaciones entre los protagonistas y las relaciones de estos con el político. Parece que hay muchas cosas que saber con carácter previo para seguir la película. Por ejemplo, me desconcierta el atentado previo que sufrió, que no sé si es real o no, que al parecer sí lo fue pero parece quedar diluido en la dinámica de la cinta. 

Tampoco se explican bien las relaciones con Diego Rivera y Frida Kahlo, que fue cercana e íntima, al punto de vivir mucho tiempo en su propia casa.

No me ha parecido especialmente brillante, sobre todo en el papel del enviado por Moscú para organizar su asesinato. No es de las mejores de Losey.

§ 3.011. El ángel y el pistolero (James Edward Grant, 1947)

 

Una historia de amor en el Oeste. Una cinta peculiar. Un director de muy pocas películas, solamente dos, pero que triunfó en el campo de la redacción: fue un gran guionista de multitud de éxito en la gran pantalla.

La cinta tiene una buena pretensión, un interesante desarrollo y muestra claramente las tensiones que se producen entre el mal y el bien, entre el Ángel y el Pistolero.

Me ha gustado mucho la actriz Gail Russell, guapa, sobria, serena y muy segura de sí misma. Con una vida complicada, carrera muy corta y muerte con 36 años, víctima de una alcoholismo salvaje y muy deteriorante.

La verdad, la bondad, la alegría son valores universales que todas las personas deben tratar y cultivar. Y de eso va la película, un poco sensiblera por momentos, pero verdaderamente interesante y con valores.

§ 3.010. Conspiración en suiza (Jack Arnold, 1976)

 

Bueno. La última película de Arnold para la pantalla grande. Luego se dedicó a la televisión, en series de éxito.

Interesante propuesta, algo manida pero 'resultona'. Un estilo 'setentero' con lujo de detalles, mujeres exuberantes y una acción rápida, sin concesiones pero sin detalles escabrosos. Tiene algo de cinta del estilo de las de 007. Hombres detallistas, guapos y fuertes pero muy mujeriegos.

Tiene en enganche de dos superestrellas: Ray Milland, ya muy mayor, y una Elke Sommer que todavía mantenía su belleza de gran diva.

Engancha, te mantiene alerta y entretiene. No evoluciona del todo bien, porque parece dar demasiada importancia a la presentación de los personajes, y luego todo se dispara a gran velocidad.

§ 3.009. Silverado (Lawrence Kasdan, 1985)

 

La vi en el cine en su momento (sí, soy así de viejuno). Y me pareció fascinante. La vi hace 15 ó 18 años otra vez. Ésta es la tercera vez que la veo. Y más allá de algunas escenas me sigue pareciendo una cinta poco hecha, inmadura, que ha envejecido mal y que no ha progresado.

Pretende quizá (o a lo mejor no) ser un nuevo Western, un neo Western, pero es fallida. Ni tiene los aspectos y matices de los grandes neo, ni, por supuesto, formula sus principios en el clasicismo.

Es potable, se puede ver, y no tiene más pases. Tres son suficientes. Más que suficientes.

§ 3.008. Las aventuras de Jeremiah Johnson (Sydney Pollack, 1972)

 

Seguramente es una de las películas que más veces he visto. Quizá 8 ó 9 veces. Entera esas, por partes seguramente más. Me gusta, por encima de otras cosas, las panorámicas con paisajes abiertos. Tiene algo de reivindicación de las películas de Antothy Mann, especialmente bonitas en los paisajes nevados.

A la media hora, más o menos, tiene un valle de emotividad, probablemente porque el director quiso que durase algo menos de lo que dura. Le sobran, en definitiva, 20 minutos, los que van de la hora y diez a la hora y media. No sé qué aportas esa media hora.

Y entre los paisajes nevados y los desérticos no hay la menor duda de cuáles son los favoritos de el 90 por ciento de los que consideran esa película interesante.

La película remonta precisamente cuando vuelve la nieve, el frío, el recogimiento. 

El requiebro del desistimiento de su propia vida es el eje sobre el que se edifica el último tercio de la cinta. El más bonito, por otra parte.

§ 3.007. La matanza de Texas (Tobe Hooper, 1974)

 

Pues, la verdad, no me parece una obra maestra, como sí le parece a Tarantino, que la considera, ni más ni menos, su película favorita, o, por mejor decir, la película mejor rodada. Es una cinta interesante, para mi, sin más. Una de esas que hay que ver. Pero ni me ha impactado, ni me ha provocado una convulsión, ni una reflexión sobre el cine y sus propósitos, ni sobre el arte, ni sobre nada... Casquería, sin más... Es una cinta que he visto con atención, con más atención que otras películas, por venir de donde viene, y, la verdad, no me ha fascinado, no me ha subyugado, no me ha motivado, no me ha gustado...

Por momentos me recuerda a Perros de paja (San Peckinpah, 1971), pero su poética intrínseca es diferente, funcionan a diferentes bioritmos, diferente pulsión emocional.

Como cinta que hay que ver sí funciona, pero como no como una obra cúlmen del cine internacional. Ni siquiera creo que sea una obra de referencia en su subgénero. Pero, en fin, hay que ver de todo.

Hay un par de escenas realmente agobiantes, pero nada que ver con el tipo de secuencias que se ven hoy en día en cualquier película de videoclub.  

No es especialmente brillante, a mi modesto juicio. Sin embargo otro cinéfilos más cualificados aprecian la cinta como una obra de arte. En mis apreciaciones sólo valora mi sensación personal, raramente mi consideración artística.

§ 3.006. Cimarrón Kid (Budd Boetticher, 1952)

 

Una más de Boetticher, pero no una de las mejores. Al servicio de la estrella del momento, Audie Murphy, un tipo realmente peculiar. En un buen color, muy realista y poco chillón, narra una historia bastante convencional del Oeste. Interesante, bine rodada, pero sin 'punch', sin ese gancho que deja ese poso de haber visto una gran cinta después de haber prestado atención a los detalles. Aquí casi no hay detalles. La entiendo como una cinta comercial, sin más, una de tantas hecha por encargo de los estudios que tenían a sueldo a los directores.

A la redención se llega por muchos caminos. Algunos propios, otros ajenos, otros por el amor, otros por la determinación, pero el camino ha de ser propio, de cada uno, de cada cual.

Hay una escena muy interesante, el tiroteo en la calle en el que se le da muerte al hermano mayor de los Dalton, cuando se agarra al fardo de monedas y cuando mueren se le caen. Me recuerda, y mucho a la escena de las arandelas tras el robo del banco en Grupo Salvaje.

§ 3.005. New Rose Hotel (Abel Ferrara, 1998)

 

Los planteamientos de Ferrara son siempre rupturistas, barrocos, extremistas y rompedores, con estéticas cyber punk y viajes emocionales lisérgicos, pretenciosamente sofisticados pero a veces muy huecos. Entretenidos en los estético y con mensajes algo pedantes. Siempre en el filo de lo políticamente incorrecto.

No es exactamente un provocador, ni tampoco un outsaider, porque está dentro del sistema, rueda habitualmente y se considera un director del circuito, del circuito independiente si quieres, pero del sistema.

La cinta es interesante, tema provocador y festivo, erótico musical y con estética japonesa, algo descreída cuando avanza y, por tanto, bastante previsible. Muy para los fan del género. No me ha gustado especialmente. Lejos de sus mejores cintas, en cualquier caso.

Muy al servicio de Asia Argento y su guapura, exuberante por momentos. Con unos eficaces Christopher Walken, y Willem Dafoe que se mueven en este tipo de películas como pez en el agua, pero que no deja que muestren sus indudables dotes artísticas, más profundas y con más recorrido que el que muestran.

Una propuesta interesante y ejecutada como el director pretende, pero que no es de las que más me gustan. Con todo, se deja ver. Lejos, con todo, de sus tres mejores obras: El cazador de gatos (1988), El rey de Nueva York (1990) y, sobre todo, Teniente corrupto (1992).

§ 3.004. Policía montada del Canadá (Cecil B. DeMille, 1940)

 

Un gran clásico de aventuras, a todo color en gran formato y con grandes estrellas.

Con esa forma de narrar tan clásica y tan canónica, de principio a fin, entrelazando historias, componiendo mensajes y siendo fiel a lo que el gran cine pretende: entretener por encima de cualquier cosa. Es claro que también pretende otras: formar, enseñar, hacer proselitismo, etc. Pero sobre todo lo que pretende el cine es entretener. La pretensión de grandiosidad es manifiesta, el sentido del espectáculo permanente, y la intensidad para que la emotividad no decaiga es una constante. 

B DeMille es, sin lugar a dudas, un grande del cine. Lo tiene todo: técnica, dominio del escenario, sentido del espectáculo, metodología en los guiones y las tramas, capacidad para engranar los argumentos y sentido de lo visual. Un grande, un grande de verdad.

Hay un sentido muy patriótico en el mensaje, supongo que no asumible por las nuevas generaciones. Pero también algo de noble y de grande en los propósitos, acorde al cine de gran formato que representa esta película.

§ 3.003. El jinete pálido (Clint Eastwood, 1985)

Una maravilla.

 

§ 3.002. Salario para matar (Sergio Corbucci, 1968)

 

Una de Corbucci siempre es más o menos igual. Temas 'mexicanos', venganzas, dinero fácil, disparos, mujeres objetos y la fácil identificación de la buena vida como la vida de alcohol, chicas y violencia gratuita. Realmente son siempre iguales. Aunque hizo algún Peplum, básicamente su carrera se desarrollo alrededor de los spaguetti western. Pero en esto era un genio. Temática siempre menos reflexiva que las cintas de Leone, que tienen una profundidad que no alcanza Corbucci.

Él prefiere temáticas ligeras, exposición de las pasiones humanas de forma más frívola, ligera, abiertamente desenfadada.

Un reparto típico: Franco Nero y Jack Palance como protagonistas, una música típica y tópica (del genio Ennio Morricone, acompañado de Bruno Nicolai), un guión resultón, y la estática tan característica de este tipo de cintas hacen una película más que interesante, seguramente muy bien valorada para los fan del género. Me gusta más el Oeste americano, pero hay que ver de todo.

El mismo año de esta película rodó El gran silencio, que me parece mucho mejor película.

§ 3.001. Los odiosos ocho (Quentin Tarantino, 2015)

 

Es la tercera vez que la veo. Las tres veces he tenido la misma sensación. Es demasiado larga y demasiado lenta. No me parece incluso de Tarantino. Luego la acción se precipita, en cada de los capítulos en el momento oportuno, pero por momentos se hace tediosa.

Es indudable la dedicación que tiene la cinta, la historia, el guión, los paisajes (no sé por qué, pero por momentos creía estar viendo una película de André De Toth), pero no me parece una cinta tan redonda como otras del director. Es casi la que menos me gusta de él.

También tiene algo de Diez negritos (René Clair, 1945) por el desarrollo es un espacio cerrado y las consecuencias que todo buen cinéfilo conoce.

La tribu de personajes es interesante, el carácter y los roles de cada uno están bien estudiados, pero el desarrollo como si se tratase de una obra de teatro lastra la acción y dificulta el desarrollo. Pero luego, más tarde, parece que todo se acelera, que al final de cada capítulo corre y se precipitan las escenas de acción.

Las escenas en la nieve me recuerdan también a El gran silencio (Sergio Corbucci, 1968), una película que me gustó más que esta.

En definitiva, un buen producto, que se deja ver y que entretiene, pero, para mi, de peor calidad que otras películas del miso autor.