§ 3.241. Ciudad de Dios (Fernando Meirelles, 2002)

 

Indudablemente está muy bien rodada. El ritmo, el tempo, todo avanza con naturalidad, en su tiempo, sin prisas, suave. La temática es interesante, aunque no sea de mis preferidas, pero tiene su gracia. 

Es una de las películas más prestigiosas de cualquier ranking, de Filmaffinity, de iMBD, de Letterboxd, etc. Y sin ser muy fan de ella, sí es cierto que es verdaderamente estupenda. 

Un relato, pretendidamente fiel aunque que supongo que con sus licencias dramáticas y estáticas, de un experimento social que, obviamente, como todos, salió fatal. La concentración de todas las personas sin recursos en una ciudad. Ciudad que, como era totalmente previsible, acabó dominada por el tráfico de drogas, la guerra de bandas y el crimen organizado.

La cinta está muy bien narrada, la historia tiene fuerza y la dureza de la vida delincuencial es, por momentos, salvaje.

Me ha gustado. Está muy bien hecha. 

§ 3.240. Dune (David Lynch, 1984)

 

Imaginación prodigiosa, luchas de poder en el espacio en un futuro muy lejano y magnífica escenografía. Me parece un poco larga. Lynch supongo que quería crear una epopeya, una serie, una película seminal, que permitiera crear sobre ella otros experimentos fílmicos. Pero quedó aislada en sí misma. Tiene una escenografía espléndida, el mérito de la creación de todo un mundo para esta cinta, un esfuerzo titánico, y el haber servido de plataforma para consolidar su carrera. Me ha gustado, pero no tanto para volver a verla.

§ 3.239. La invención de Hugo (Martin Scorsese, 2011)

Muy imaginativa. No me parece de Scorsese, no tiene nada que ver con lo que había hecho hasta ese momento. Tampoco lo ha repetido luego, más tarde con otras obras. Parece un cuento hecho para sus hijas, o algo similar, un entretenimiento, un pasatiempo sólo para él. Pero le quedó una película muy redonda, muy peculiar, muy distinta. 

No es lo que más me ha gustado de él, pero, la verdad, me ha sorprendido. La tenía manía, porque las cintas de niños no me agradan, ni en general, ni en particular. Son difíciles de manejar, no siempre dejan poso y el resultado es más que cuestionable. Me cuesta verle el atractivo artístico a una cinta de niños. En esta, desde el primer momento, sin embargo, se aprecia que estamos ante otra cosa. No ante una obra más. Es una cosa mayor. 

Me ha gustado mucho Ben Kingsley y muy singular Sacha Baron Cohen

. Los niños está bien, pero no me son conocidos.

 

§ 3.238. Mientras Nueva York duerme (Fritz Lang, 1956)

La vi no hace menos de 20 años por primera vez. La habré visitado no más de dos o quizás tres veces más. Todas me ha parecido impresionante. Una obra de arte inconmensurable. Es el encuadre, es la proyección de la sombra del blanco y negro diáfano, es la música insistente y machacona, es lo que se dice, y, sobre todo, lo que se deja por decir, es la profundidad de campo, el encuadre, Dana Andrews, uno de mis actores favoritos, es Ida Lupino con esa sofisticación que tienen las mujeres interesantes de verdad, es Rhonda Fleming como objeto del pecado, es George Sanders, con todo su 'malditismo' posterior aquí ya acuñado, son los secundarios Howard Duff y Thomas Mitchell, es Vincent Price... Es Lang. Un genio. Sin discusión.

No es una película muy valorada, y, sin embargo, a mi me encanta. Es una crítica voraz a la prensa, al poder de la prensa, a las ambiciones humanas, a la justificación del delito como medio para subir en la empresa, a las relaciones ficticias, a la sociedad bien pensante.

Es un ritmo y un tempo fuera de lo común, que sólo consiguen los genios, y Lang era uno de los más dotados. No sobra un fotograma, no falta metraje. Es perfecta.

§ 3.237. Cabalga con el diablo (Ang Lee, 1999)

 

Peculiar Western nacionalista sobre 'alemanes' en Missouri y su participación en la guerra de secesión americana. No presenta excesivamente bien sus argumentos, ni sus personajes está bien caracterizados. 

No se comprende bien cuál es el propósito de la película, si la amistad, si el horror de la guerra entre hermanos, si se limita a ser una películas de tiros.

Es la película del director que menos me ha gustado. Tiene cosas mejores. Es colorida, tiene buena ambientación musical, funciona en el código 'revel' y seguramente es muy interesante para quien conozca la historia de fondo. Pero para un señor de Cáceres el discurso historicista le llega lejos. Y gran parte del entendimiento del trasfondo de la noticia es precisamente el componente histórico.

§ 3.236. Sin tiempo para morir (Cary Joli Fukunaga, 2021)

 

§ 3.235. Medianoche en París (Woody Allen, 2011)

 

Deslumbrante. Simplemente deslumbrante. Me ha parecido una genialidad, una absoluta genialidad. Si a una imaginación deslumbrante le aúnas una gran capacidad de trabajo, un conocimiento del medio y un equipo fabuloso de colaboradores, el resultado no puede ser más que óptimo. 

Y este es el caso de esta comedia. Ligera, como todas las suyas, pero con muchísimo fondo. Tiene todo lo que se requiere para ser un gran éxito. Y más allá del éxito de público o crítica, estoy convencido que el tiempo tratará bien a esta obra. 

Me ha gustado mucho Owen Wilson, consigue naturalidad y personalidad. Siempre le tenía como un actor cómico, pero de ese tipo de comedias de risa, no el planteamiento intelectual que pretende con esta obra. Su novia es Rachel McAdams, que funciona como frívola novia. Tiene un montón de colaboraciones mágicas: Kathy Bates como Gertrude Stein, Nina Arianda como Carol Bates; Thérèse Bourou-Rubinsztein como Alice B. Toklas; la esposa del expresidente de Francia Carla Bruni-Sarkozý como la guía histórica en el Museo Rodin; Adrien Brody como Salvador Dalí, Alison Pill como Zelda Fitzgerald; Kurt Fuller y Mimi Kennedy como los padres de la novia; Yves Heck como Cole Porter, Daniel Lundh como Juan Belmonte, y, sobre todo, Marion Cotillard como Adriana, verdaderamente fascinante en el papel.

§ 3.234. El vestido roto (Jack Arnold, 1957)

 

Un drama judicial clásico de cine negro, violación mediante de mujer espectacular pero ligera de cascos. Tiene algún parecido con los dramas modernos relativos a violaciones, aunque sea remoto. 

Música insinuante de Jazz hace el resto.

Magnífico Jeff Chandler, un actorazo que tuvo muy mala suerte con la vida. Grandes película hizo y probablemente hubiera podido llegar a ser un auténtico grande. 

El paradigma del abogado penalista capaz y que se las sabe todas está muy bien conseguido. No tanto el de mujer fatal, pérfida y malsana, retorcida y procaz.

§ 3.233. Un beso antes de morir (Gerd Oswald, 1956)

Folletín clásico, con estructura de melodrama pero que no llega a las cotas dramáticas de otras obras del género. 

Un muy buen reparto, encabezado por Robert Wagner (en su segunda película), Jeffrey Hunter, Virginia Leith, Joanne Woodward (en su debut cinematográfico), Mary Astor (que volvía al cine tras quince años de retiro) y George Macready.

Se deja ver, pero es tremendamente previsible y convencional. Se sabe qué va a ocurrir y aunque el camino es lo importante, el discursos y su estética, conocer con tanto detalle la trama perjudica notablemente su resultado final. 

Es entretenida y entregada, pero no es una gran obra. Un cine negro adatado a los nuevos tiempos. 

 

§ 3.232. Olvídate de París (Billy Crystal, 1995)

 

Una comedia ligera, con diálogos incisivos, y un estilo a Woody Allen. Divertida, retiene la atención, se cuenta de manera muy agradable y suena Billie Holliday.

Bien rodada, con estilo y personalidad, seguramente fue un fracaso en taquilla, porque no parece que dirigiera mucho más.

Se cuenta una peculiar historia de amor de manera divertida, a través de cómo la vivieron sus amigos. Original y divertida. Se puede ver.

§ 3.231. La angustia de vivir (George Seaton, 1954)

Alcoholismo, teatro y Seaton. Nada puede salir mal. Además está la guapísima Grace Kelly. Recuerda por momentos a la Wilder, aunque con menos dramatismo.

El papel de Holden es magnífico, pero el de Kelly es de sobresaliente. Estamos acostumbrados a verla en esos papeles 'ñoños' y flojos y se nos hace raro verla en esos papels de fuego, de mujer racial, totalmente empoderada, además desde lo pequeño, desde el dominio y el sometimiento.

Un blanco y negro muy pálido, con muchas sombras que oscurece la trama más allá de lo razonable. 

Es un buen ensayo sobre la culpa y el perdón a uno mismo que todo el mundo se debe por los errores cometidos. También sobre el apoyo a veces interesado y neurótico de quienes dicen que te ayuda pero que, en realidad, te perjudican. La parejas que pretenden ayudar a costa de hundirte no parecen una buena opción. 

§ 3.230. El prisionero de Zenda (Richard Thorpe, 1952)

 

§ 3.229. Hero (Zhang Yimou, 2002)

 

Una historia convencional en el cine chino, espadas y fantasía, leyendas y combates. Muy colorida, sumamente envolvente, música incluida, y tributaria de Kurosawa, evidentemente, en la conformación de las batallas a pie y a caballo, con esos grande espacios abiertos llenos de ejércitos coloridos, pero también de Kobayahi y su Harakiri en lo que importa a la manera de contar la historia, un extranjero que llega y narra batallas anteriores acercándose al poderoso, a mi parecer con propósito oscuro.

La película pertenece al género Wuxia, caballeros de la espada, peculiar y distintivo. Interesante y con obras cumbres.

La película se puede ver,es interesante, pierdes un poco el hilo en algunos momentos y en otros se hace tediosa, pero es una muy buena cinta. Me gusta Yimou, tienes cosas verdaderamente interesantes. Es un cine muy visual, que entra por los ojos, que es capaz de emocionarse desde la imagen. Es evidente que tiene una gran carga actora, pero no es su fuerte, como tampoco lo son los diálogos, ni siquiera la trama.

§ 3.228. Hanussen (El adivino) (István Szabó, 1988)

 

Sorprendente historia de Erich Hanussen, un adivino relacionado con Hitler y los nazis al comienzo de la llegada al poder de los fanáticos. Es un personaje verídico, aquí novelado, claro, pero que sirve de excusa para contar el declive de Europa a finales de los años veinte.

Klaus Maria Brandauer está imperial, como siempre. Le acompaña Erland Josephson con su frialdad nórdica habitual y su mirada traslúcida, aunque no parece un papel adecuado para él, más propenso a las historias de amor. Pesa mucho en este juicio la imagen que proyecta en las historias de Bergman. 

Como las dos anteriores de la trilogía, Mephisto y Coronel Redl, es lenta y algo empalagosa, por momentos sobreactuada e histriónica. Una historia muy 'europea', difícilmente comprensible por culturas cinematográficas alógenas. 

Me gusta mucho, pero es que de este director me gusta todo. No hay cinta suya que no me haya agradado de verdad. Quiero decir, gustarme mucho. 

§ 3.227. Tú y yo (Leo Mc Carey, 1939)

 

La versión original de una película que me encantó cuando la vi por primera vez. Todos dicen que esta versión es mejor. No tiene esa alegría de las películas de color ni a Cary Grant y Deborah Kerr, pero tiene a Charles Boyer y, sobre todo a Irene Dunne, una actriz verdaderamente encantadora. Sutil, delicada, con matices, guapa pero no arrebatadora, femenina, sonriente y sumamente atractiva. En los planos medios, vestidas de blanco y con una pamela en la mano está arrebatadoramente guapa. Charles Boyer está como siempre, varonil, educado, algo duro en la mirada, con un pasado por contar pero muy buen actor. Me ha gustado mucho el papel de Maria Ouspenskaya, actiz de origen ruso que volvió a triunfar en su senectud en el cine de Hollywood.

El guión es de Delmer Davis, así se entienden algunas cosas, y de Donald Ogden Stewart, para mi desconocido.

Es deliciosa, consigue rápidamente el punto dramático y es de esas cintas que no quieres que acaben, que estás convencido que verás otras veces, y que siempre te gustará.

Verdaderamente Irene Dunne es una mujer preciosa.

La cinta, como no, es de 1939, el año mágico el cine.

Puede ser algo ´ñoña´ en su argumento, simple y poco desarrollada, pero funciona a la perfección. Es cine y para ser buen espectador debes olvidarte de pensar en la continuidad del guión o en su verosimilitud.

§ 3.226. La jungla de cristal (John McTiernan, 1988)

 

§ 3.225. La próxima vez apuntaré al corazón (Cedric Anger, 2014)

 

Seco, duro, directo. No es exactamente un "Polar", pero creo que bebe en sus fuentes. Una historia policial rural francesa. Un director desconocido para mi, que rodó pocas cosas y que probablemente sea ésta su mejor obra. 

Al parecer es una historia real. Una obra de suspense que todo su mérito radica es saber qué ocurre y cómo se desarrollan los acontecimientos. Un asesino comete en un pueblo un homicidio. ¿Quién sea el asesino es el interés de toda la trama?

Interesante, pero algo tosca. Me esperaba más.

§ 3.224. Coronel Redl (István Szabó, 1985).

 

Otra obra monumental de Szabó, desmesurada en su metraje, como todas las que he visto del director, con un fondo biográfico y cultural inmenso, narrada con pulso y determinación, nada propensa al infantilismo y a la sensiblería. También, como Mephisto, desarrolla de manera personal una novela clásica de la cultura centroeuropea para matizarla y aportar su punto de vista. 

La historia del Coronel Redl es cierta, totalmente cierta, pero tal y como la desarrolla en la película queda tan matizada que es irreconocible. Sobre todo porque en la película se incide mucho en la homosexualidad del personaje, aunque en la vida real se trataba de un espía de alta política que vendió secretos militares a los rusos por dinero, por mucho dinero.

La película es de una estética majestuosa, de una clase singular y de una sensibilidad interesante, seca y dura, pero impecable en sus atributos y su estética.

Klaus María Brandauer es un actor de una pieza, un auténtico señor del cine, con una presencia imperial al que le van muy bien estos papeles de hombre duro, algo insensibles y de moral y sexualidad dudosa. Algo más contenido que en Mephisto, pero igualmente intenso, exagerado y descocado. A mi juicio le falta algo de brutalidad para prosperar en su intensidad dramática, si hubiera tenido un pudo sádico habría sido más creíble. En esos ambientes tan rústicos, marciales y propensos a violencia no es creíble que su homosexualidad se basase en su feminidad. Debería haberse sustentado en la brutalidad, en ese punto salvaje de matón sometido a la disciplina militar. Uno de tantos frustrados que prospero haciendo de su capricho su forma de vida.

Tampoco parece que fuese un hombre que destacase por su sutil inteligencia. Parece rudo, impulsivo y primario. Hablador y bebedor, sin ser propenso a la brabuconería, no escatimaba el enfrentamiento con compañeros o incluso amigos si fuese necesario.

En ese ambiente consiguió prosperar, probablemente porque el ambiente, las circunstancias, y el momento propiciaba un hombre de esas características. Taimado, egocéntrico, jugador, amante bilingüe y ambicioso y codicioso.

La película tiene, al menos para mi, menos intensidad dramática que Mephisto, pero tiene más desarrollo cultural, social e incluso político. Frente a aquella que era gobernada desde los extremos ideológicos, enarbolando una asociación directa entre el poder nazi y el mal, aquí estamos en presencia del dominio de las pasiones humanas y sus contradicciones. 

§ 3.223. ¡ Qué bello es vivir ! (Frank Capra, 1946)

 

Un clásico de la navidad que no he visto. No al menos desde que colecciono películas hace veinte años. Y, sin embargo, recuerdo algunas secuencias y el tono general sí me suena, tanto la trama como el desarrollo.

Es el bien, la bondad, la niñez reconocida, la lágrima reconocida, el tono vitalista, George Bailey... sinónino de hombre bueno, de galante, de hombre cabal, de hombre sereno, sincero, algo locuaz  pero nada envidioso, resentido o don dobleces. 

Grandísimo James Stewart, empacoso, con una mirada limpia, con el corazón sin mancha, con una sonrisa franca y la lealtad, el respeto a la palabra dada y su honestidad como bandera de sí mismo. Donna Reed también está muy en su papel, con una cierta tristeza en los ojos.

Se acompañan de los 'sospechosos habituales': Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers, y Ward Bond. También interviene Gloria Grahame, en una de sus primeras películas.

Puede leerse como una crítica al capitalismo salvaje y a favor de un capitalismo de corazón, que atienda al hombre y sus necesidades, que no sólo se preocupe, como un usurero, del dinero y sus beneficios. La organización del crédito a pequeña escala tendrá a esta película como una de sus referentes. 

Con los años se ha convertido en un clásico navideño. 

Me ha gustado mucho. Es una gran obra, perfectamente rodada, con un guión innovador y atrevido y, sobre todo, sumamente vitalista, inspiradora y buena. De esas películas que no puede odiar. Puede no gustarte, claro, pero no puedes enfadarte con ella. 

Es reconocida como la mejor película de su director y una cinta muy copiada, tanto en la forma como, sobre todo, en el fondo. Inspiradora y sugestiva. Bondadosa y muy generosa.

§ 3.222. Luz verde (Frank Borzage, 1937)

 
Otra de Borzage, que rodó mucho, muchísimo. Un director muy prolífico. 

Un hombre excepcional, íntegro y moral que se ve sometido a circunstancias duras y se rehace en su vida y en su quehacer. Un hombre duro, difícil, complejo, como todos, pero íntegro. No sé por qué, pero me parece que esta película le gustaría a Clint Eastwood. Incluso a Ford. Incluso a Hawks. Hay algo en ese tipo de heroicidades que transforman a las personas. Algo mágico y que se entiende en cualquier idioma o cultura.

Se nota, y mucho, que la película se inspira en una novela, en una buena novela. El autor es Lloyd C. Douglas, para mi desconocido. No he leído nada suyo, ni siquiera me suena.
Un reparto excepcional: un Errol Flynn absolutamente espléndido en su madurez interpretativa; Anita Louise, que no la recuerdo en muchas películas; Margaret Lindsay; Sir Cedric Hardwicke y Walter Abel.

§ 3.221. Top Gun: Maverick (Joseph Kosinski, 2022)

 

§ 3.220. El tercer hombre (Carol Reed, 1949)

 

§ 3.219. Sorgo rojo (Zhang Yimou, 1988)

 

Una película, como todas las suyas, con un toque especial, diferente, muy apoyada en lo visual, que está muy trabajado. los colores, los encuadres, la luz. Podría verse sin diálogos.

Temática propia, también muy china, frescura en los argumentos, en las dinámicas expositivas y estéticas. Música originaria, y planteamientos rurales de la china profunda en donde se mezclan realidades, fantasmas, obreros y ladrones. Lugares en donde se confunde la realidad con la ficción. 

Es la presentación de un director que tiene rodadas cuarenta y una películas, que es una cantidad muy significativa.

Primera película también de Gong Li, actriz soberbia luego reconocida mundialmente como una gran estrella.

Es una cinta interesante, bonita y agradable, que sugiere más que lo que muestra y que es de esas que se recuerdan.

§ 3.218. El crimen del Sr. Lange (Jean Renoir, 1936)

 

Más que interesante estudio sobre la pobreza que lleva al crimen, en una época de preguerra, sobre las oportunidades y sobre las oportunidades y sus vericuetos.

También sobre la expansión del mercado editorial, sobre las dificultades y sobre los 'trapicheos'. 

No veo que se desarrolle de manera muy lineal, a veces veo saltos argumentales, sobre todo en la presentación y los primeros veinte minutos, que parecen desconectados del resto de la trama. Rueda con planos medios, sin zoom ni excesivos planos generales. Es ortodoxo, ninguna innovación táctica o técnica.

Además tengo la sensación de que los movimientos de los personajes están 'acelerados', se mueven con rapidez, con naturalidad, pues no hacen movimientos extraños al cuerpo humano, pero de más de rápidos. Como si toda la cinta hubiera estado acelerada. Como si en vez de proyectarse a uno se proyectase a 1,25. Como cuando oyes una canción ligerísimamente acelerada. 

Supongo que es una obra menor de Renoir, y de su etapa de formación. No soy un experto en Renoir, no he visto más que 6 películas suyas. Ya había rodado 17 películas antes de ésta, nada menos. Demasiadas para considerar de formación esta obra.

§ 3.217. El vengador del sur (Mario Siciliano, 1969)

No tiene buena pinta, no tiene buena nota y no parece ese tipo de cintas escondidas que se revelan como un pequeño tesoro, las 'el cofre del pirata' las llaman en los Cowboys de medianoche, especialmente el Fiscal Torres Dulce.

Las ideas centrales del Spaguetti Western son interesantes: adatar la estática del Western americano a unos paisajes y códigos de conducta europeos. No parece que la forma de rodar sea diferente, no pretende ser un neorealismo, ni siquiera la exposición de problema europeos más canónicos -los celos, el desamor, el viaje, la introspección, etc.- frente a los más prosáicos americanos -la venganza, el deshonor, la tierra, el caballo, etc.- Porque en estas cintas, principalmente italianas aunque también hay 'españoladas', los temas son similares a las del Oeste americano. Sí creo que hay dos diferencias notables. En primer lugar, la música, recurrente e histriónica en muchas ocasiones, manejada en los momentos de paso, de camino de un sitio a otro -a caballo, en tren- y para cambiar los escenarios. Y, en segundo lugar, la falta de identidad de los personajes. La idea del gran Western camina en la forja de hombre muy hechos, característicos, fuertes, con valores o identidades bien reconocibles. En las europeas funciona más la trama en su conjunto, que es el centro del discurso. No tiene interés en destacar esas personalidades tan definidas, tan sublimes, tan ejemplares. Funciona más como discurso coral. 

En todo caso esta cinta no es de las mejores del género. Ni mucho menos. Tiene un 'ratito', sin más. Buen color, interesante trama de venganza, mucho banjo y armónica, algún caballo y poco más. Realmente tiene que verla desde su perspectiva, porque si las ves desde otras no te satisface lo más mínimo.

§ 3.216. Los piratas del mar caribe (Frank Borzage, 1945)

 

Pues queda a los españoles a la altura del betún. A sus gobernantes, al menos.

Una pareja un poco rara la compuesta por Maureen O'Hara y Paul Henreid. Funciona relativamente, ella tiene más empaque y más fuerza interior que él, que aporta un visión más tranquila y serena de las emociones. No me parece que compongan una pareja bien avenida en la pantalla. No patrocinan ese furor y esa intensidad de otras parejas, esa especie de fuego que salen de las entrañas. Lucen bien, pero no es una pareja para recordar en la historia del cine. Es cierto que a él se le recuerda siempre por su papeles de nazi, de hombre fuerte emocionalmente, de galán sereno y tranquilo, de hombre guapo pero no de pirata 'malote'. Ella, ella es un cañón absolutamente excepcional, una perfección fenenina con una guapura, una figura, una animalidad absolutamente desbordante.

El technicolor funciona a la perfección, llena de colores, con una intensidad maravillosa, unos verdes, unos rojos, unos morados, dorados y azules difíciles de ver antes de esta técnica. Para este tipo de películas casa a la perfección. Las batallas son más intensas, los trajes de las mujeres más bellos y la película luce con todo su esplendor. 

Es una buena película, se deja ver, es interesante y aunque incide en una temática muy trabajada aporta un interés por la trama y queda un resultado muy apetecible.

§ 3.215. Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos (Zhang Yimou, 2009)

 

Tercera película que veo del director. Esta me ha parecido menos interesante, tanto en su propuesta, algo trivial y vulgar, como por la estética, nada que ver con La casa de las dagas... Tiene un tratamiento de comedia, a medio camino entre la risa y las situaciones cómicas que no parece el tono propio de un cine que tengo por solemne, pesado, serio, espeso, dramático, sesudo. Es una apuesta diferente, distinta de su clásico nicho de producción. Y no es que le salga mal, es que no me gusta. Seguro que al director le agrada, y seguro que tiene fieles seguidores, pero no es lo que esperaba, simplemente.

El tratamiento del color es muy sintomático de su interés por impactar visualmente en el espectador. En primer lugar, por el lugar al aire libre en el que transcurre la cinta, unos parajes áridos y desérticos con unas formaciones rocosas amarillas, ocres y naranjas que destacan sobre el cielo azul. En segundo lugar, opr las ropas de los protagonistas, llenas de colores brillantes y texturas sedosas llenas de matices, brillos y pliegues que las hacen especialmente atractivas para el espectador. 

Una propuesta diferente a las otras dos que acabo de ver. Diferente de La casa..., porque no hay batallas, luchas, ni efectos especiales. Y distinta a Regreso... porque se aleja de los temas 'revolucionarios', espesos y dramáticos como pocos. 

Dice la propia cinta, al comienzo, que está basada en Sangre fácil de los Coen. Sé que vi esta cinta, pero no tengo una clara conciencia de ella, no me acuerdo de nada. Seguro que si la comienzo a ver me acordaría.

§ 3.214. Capitán Carey (Mitchell Leisen, 1950)

 

Comienza como una cinta de propaganda de calidad al servicio de los aliados. No puede verse de otra manera. Aunque está rodada en 1950 tiene tintes claramente publicitarios. Peor ya antes de su primer tercio ha virado hacia otra cosa, la consolidación de una venganza, con un formato clásico de revancha e intriga que más o menos puedes calcular cómo va a evolucionar. 

Sirve para apreciar algunos monumentos clásicos de esa Italia del norte, la diferencia entre los caracteres europeos y americanos y contar una historia de amor frustrada y dolorosa.

Una pareja protagonista interesante. El siempre sólido Alan Ladd,  y la muy guapa Wanda Hendrix, con un cierto aire a Tierney y que he visto en otras cintas de los años cuarenta.

Una trama convencional con algunos problemas de continuidad y de guión. Circunstancias inverosímiles pero que sólo son creíbles en el cine.

Viejos tiempo más bellos de lo que en realidad fueron.

§ 3.213. Las minas del Rey Salomón (Andrew Marton y Compton Bennett, 1950)

 

Película canónica de Safaris, tierras inexploradas, aventuras en la selva y amores de expedicionarios con británicas recatadas que esperan una cosa y encuentran animalidad amorosa en estado puro.

Es una cinta preciosa, con dos actores en estado de gracia: Deborah Kerr y Stewart Granger. Guapa y elegante, buena combinación. Insegura que busca la fortaleza y la seguridad frente a macho varonil incapaz de comprender más allá de sus propios intereses qué hacer ante situaciones emocionales que requieran algo más de sutileza que fuerza bruta. Una combinación realmente fructífera desde el punto de vista dramático. 

Un clásico entre los clásicos. Un canon de cinta de aventuras de safaris, del que han bebido los más grandes con cintas como Hatari de Hawks en 1962, o la mismísima Mogambo de Ford en 1953. Indudablemente bebe de estas fuentes. También tiene un punto documentalista e incluso naturista, el retrato de las tribus y de los animales es respetuoso y bondadoso. 

§ 3.212. Rocky Balboa (Sylvester Stallone, 2006)

Edadismo pugilístico. El cine es creer en pocas que no pueden ser, aventuras, combates, boxeo, etc. Se trata precisamente de eso. De creer. 

Además de que el guión es inverosímil, no parece que el argumento emocional se sustente por el recuerdo de lo que fue. Aquí se trata de lo que es, no de lo que pudo ser. 

Pero tiene su gracia, te divierte y te entretiene. No es una obra mayor, ni mucho menos, ni siquiera es comparable con la original, de más calidad y mejor factura. Pero interesa y entretiene. 

Al final tienes que intentar ver de todo. Cine chino, un clásico europeo y esta americanada.

Del reparto original quedan: Sylvester Stallone, Burt Young y Tony Burton. Luego fallecerían los dos últimos.

Se puede ver. No puedes esperar mucho, pero puede verse.

§ 3.211. La mujer del teniente francés (Karel Reisz, 1981).

 

Otra más de Reisz, que es un director más que interesante. Una película de época. Bien tratada, bien narrada, con un diseño de producción elegante, serio, sofisticado, glamuroso por momentos y muy atrayente. Relaciones adultas de hombres y mujeres zaheridos por la vida y por las expectativas no satisfechas.

Buen guión de Harold Pinter sobre una novela de John Fowles.

El prodigioso montaje de dos historias de amor paralelas al mismo tiempo le otorgan un vigor y una intensidad notable. Tiene pulso, un marchamo de calidad y una actuación actoral más que notable. Y, sobre todo, una vivencia del cine dentro del cine que no se nota demasiado. No es realmente una cinta de cine dentro del cine, porque el director no quiere destacar ese aspecto, simplemente es parte del encanto de la historia.

Soberbios Meryl Streep y Jeremy Irons que dan una viveza y una intensidad verdaderamente magistrales.

§ 3.210. Regreso a casa (Zhang Yimou, 2014)

 

Me gustó mucho la Casa de las dagas voladoras (2004), me pareció ingeniosa, muy colorida y con una historia detrás llena de fuerza y emotividad. Esta es otra cosa. Es claramente una historia de la China moderna, de amores en tiempos de revolución cultural, de la dureza de la vida en los años más salvajes de la intensidad represiva. 

Es sensible y delicada, tiene fuerza y expresividad, y cuenta una historia pequeña pero importante. La amnesia sirve de metáfora para apreciar cómo ha evolucionado la China revolucionaria hasta convertirse en modelo de capitalismo centralizado que es ahora mismo. Una amnesia autoimpuesta, forzada, para no reconocer las bestialidades del sistema y para poder pasar página de manera colectiva de la manera más eficiente y rápida. 

Como toda forma de imposición forzada la revolución cultural no sirvió para nada. Para imponer una forma de dominación de las personas y una forma de opresión política, social, personal, y cultural que tenía un solo propósito: domeñar cualquier forma de disidencia y cualquier atisbo de contestación.

La otras perspectiva es la historia amorosa, delicada y sensible, entre dos seres humanos que por encima de todo se quieren y aprecian. Y también de cómo la enfermedad del olvido hace estragos en dicha relación. 

Me ha gustado mucho el papel que hace la actriz Gong Li como Feng Wanyu, la esposa de Lu Yanshi. El profesor Lu Yanshi es interpretado por Chen Daoming. La hija es interpretada por Zhang Huiwen. La actriz es delicada y sabe apreciar los matices, el profesor es más plúmbeo, más plano, menos colorido y tonal.

§ 3.209. Adam resucitado (Paul Schrader, 2008)

 

Empieza bastante inquietante, no sabes de qué va, ni para qué se camina, ni qué ocurre. procede de una novela de Yoram Kaniuk quionizada por Noah Stollman, señores que no conozco y no me suenan de nada.

No sé muy bien si tiene algo de verdad el trasfondo de lo que plantea. Si verdaderamente sucedieron sí las cosas o es pura imaginación.

Cuando empiezas a comprender de qué va la cosa dudas de si la locura del protagonista se debe al deterioro que sufre tras años de malos tratos, abusos y miedo, o si es un viaje autoinducido para poder conllevar estos años tan salvajes y duros con la mayor dignidad.

Jeff Goldblum, Willem Dafoe y Derek Jacobi son los protagonistas principales.

Seguramente guste mucho a los judíos sionistas, que entenderán con facilidad los requiebros, las bromas, las chanzas y los dobles sentidos de las bromas y los juegos de palabras. Pero para un profano en la materia se hace difícil seguir el sentido profundo de lo que quiere expresar. Además la mezcla de las vivencias actuales en el hospital psiquiátrico con las imágenes retrospectivas dificulta sobremanera el sentido de lo pretendido.

Tiene momentos interesante, pero se le pierde un poco el sentido ante tanto alarde de referencias psiquiátricas, míticas, mitológicas, judías, oníricas, etc. Por si no fuera suficiente complejidad, el hecho de que el protagonista se comporte como un perro y que anticipe las heridas y lesiones de otros pacientes, oscurece todavía más la película, haciéndola difícil de seguir.

Se transita de un escenario actual al pasado de forma tan vertiginosa que a veces carece de sentido.

La relación con la enfermera también me provoca zozobra, no sabes realmente a qué juegan, si es erotismo sin más, placer sexual, dominación sádica o necesidad individual de conectar con otros seres humanos.

Al igual que hay películas de nazis en las que rápidamente te metes en el horror, en esta te cuesta bastante penetran en el asunto, básicamente porque no sabes qué horror es peor, si el campo nazi y las vejaciones que soportó allí o los acontecimientos que vive en el hospital psiquiátrico con el niño amarrado como un perro.

Los colores también juegan un papel singular, especialmente el blanco, generalmente muy sucio, en el hospital.

Me ha gustado, pero no es de lo mejor de Schrader, ni mucho menos. Experimenta en esta cinta la locura y ensaya las formas de superación del horror.

§ 3.208. King Kong (Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack, 1933)

 

Una obra de arte que vi hace muchos años.

§ 3.207. Madres paralelas (Pedro Almodovar, 2021)

 

Por momentos sí se reconoce la mano del director: los colores de las habitaciones, la decoración minimalista, el tono pausado de las relaciones humanas, lo peculiar de su temática, el aprovechamiento de las circunstancias para hacer pivotar sobre ella determinados acontecimientos, la presentación de los personajes, lo circular de algunos argumentos.

El drama del parto está muy bien narrado. Aunque Rosa dice que no es real, que no se parece. 

El drama de la identidad propia, la identidad pasada, el futuro de los niños y el pasado de todos. Qué es ser padre, qué es ser madre, qué determina la maternidad o la paternidad. El drama de la crianza en soledad.

Interesante, con un muy buen guión del propio Pedro y la música de siempre con Alberto Iglesias. Excelente ambientación, buen desarrollo y un productor manufacturado por la factoría de El Deseo reconocible y apreciable.

Un buen reparto: Penélope Cruz, Milena Smit (que es la que menos conozco), Aitana Sánchez-Gijón, Israel Elejalde, Rossy de Palma y Julieta Serrano, hace el resto.

Me ha gustado, me parece interesante, muy de Almodovar, y muy de ahora.

§ 3.206. Extraño cargamento (Frank Borzage, 1940)

 

Otra de Borzage, que me parece un genio. Un puñetero genio. Con una filmografía verdaderamente impresionante. Entre ellas ésta, que me ha encantado.

Hombres duros encarnados por Cara de Cable, con una Joan Crawford soberbia, tanto en su físico rotundo como en su manera de interpretar, como un animal peligroso, una leona, una tigresa, una fiera. Además trabaja Peter Lorre, tan característico y peculiar como siempre. Siempre haciendo de taimado, de ladronzuelo, de indeseable, de mal bicho. También interviene Eduardo Ciannelli, el dueño del Waldo´s en la serie de Johnny Staccato. También interviene Paul Lucas, y Albert Dekker, lo que significa que el reparto es de alta calidad.

Sólido guión, buenas interpretaciones, solidez argumental, y nada de delirios creativos en la forma de rodar, canónica y ortodoxa, nada de flashes, ni pasajes retrospectivos, nada de alardes con la cámara, efectos especiales o voces en off que aclaran lo que las imágenes no dicen. 

Tengo que profundizar en Borzage. Es un directorazo, de un cine que ya no se lleva y que no gusta, que no 

§ 3.205. Joe Kidd (John Sturges, 1972)

 

No sé cómo no había visto esta película. Un Western de formato clásico pero ya en la década de los setenta. Un director más que solvente, con grandes obras. Perteneciente a esa generación de oro de finales de los sesenta a la que pertenece Wise, Fleischer, Lee Thompson, y tantos otros.

Estructura reconocible, drama social, renegado contratado para poner orden, rebeldía innata y resultado previsible. Un poco lo de siempre, pero contado con orden y concierto. Muy disfrutable. No pretende innovar en su dialéctica, ni pretende marcar nuevas sendas en el género. Pero sí es algo diferente a los Western de los cincuenta y sesenta. Más centrado en los personajes, en la cuestión social, en la problemática circunstancial. No tanto en lo personal, en la venganza o en la ofensa personal.

Entretenida, pero no emotiva ni trascendente.

§ 3.204. Tarantula (Jack Arnold, 1955)

Un clásico de cine de ciencia ficción. Un clásico en toda regla. Un clásico de siempre. De esos seminales que han dado lugar no sólo a copias y sagas, sino que también ha servido de inspiración a autores, guionistas, pintores, grafiteros, dibujantes de comics, etc. Una película que se tiene como referente enla cultura popular.

La trama es sencilla, el guión está bien hecho, todo funciona dentro del planteamiento semicientífico que pretende. Bajo una premisa descerebrada se plantea una derivación. Se emplean determinadas soluciones científicas que finalmente se descontrolan y provocan efectos indeseados. 

El delirio de la fabricación artificial del Covid 19, o de que éste se escapó de un laboratorio, viene del tipo de imaginación que ha sido nutrida por este subgénero de cintas.

Se ve perfectamente, es muy ingeniosa, se ve con agrado y se recuerda. Qué más se puede pedir. 

§ 3.203. La casa de las dagas voladoras (Zhang Yimou, 2004)

 

Célebre producción china que irrumpió con muchísima fuerza. Una película muy atrayente por su colorido y por su plasticidad visual, realmente extraordinarias. Las ropas, los vestidos, las batallas, el uso de las cámaras, los planos. Unos efectos especiales muy bien trabajados y una envoltura emocional dulce y brillante, suave y peligrosa, como los licores muy fuertes.

Muy interesante, bien contada, sugestiva y brillante. Tengo que ver más cosas de este director, que me ha parecido un buen director. Se nota que la película cuenta con medios: extras, decorados, multitud de repeticiones de las escenas. Una virtuosidad que sólo se consigue con poderío económico e ilimitados medios. Tiene algo de esa fastuosidad de las últimas de Kurosawa, de Ran por ejemplo, con esa cantidad de caballos, de carreras, de castillos, de colores, de espacios abiertos. Por momentos es brillantísima, especialmente en los pequeños detalles, los bailes, las sonrisas. 

Me ha encantado. Me ha gustado mucho. 

§ 3.202. El beso del dragón (Chris Nahon, 2001)

 

Una de acción de esas absolutamente acadabrante. Golpes, tiros, rapidez en los movimientos, efectos especiales, guión al servicio de la acción. Una acción que no te deja respirar. 

Realmente la labor de coreografía de las escenas de lucha y acción debe ser un auténtico desafío, tanto para productores como para los diseñadores de las cámaras. Supongo que estarán rodadas varias veces, plano a plano, con varias cámaras y se tardará la intemerata en conseguir las secuencias definitivas. Es otro tipo de cine. Hay que ver de todo y está no está mal hecha, todo lo contrario. Se aprecia la trama, se aprecia el guión, se aprecia el decorado, el diseño de producción, e incluso los actores.

Director desconocido para mi, que ha rodado unas cuantas películas más, no muchas, y alguna para la televisión. No es muy prolífico. Quizá encofrado en un tipo de cine de acción y de consumo.

§ 3.201. El ente (Sidney J. Furie, 1982)

 

Propuesta tantas veces repetida, replicada, anexada, copiada que... ...la verdad, no me parece ni siquiera medio original.

Follar es el mal; copular, un pecado; correrse, un crimen; comerse una polla, algo malo; chupar un coño, inaudito...

No sé si puede tener otras explicaciones, pero la primaria, la intuitiva, la más propia es que el sexo, el orgasmo, la penetración es el ente, lo extraño, lo feo y lo ignoto es algo distinto. 

No me parece ni brillante, ni meritoria, ni inteligente, ni siquiera 'sabrosona'. Plana, algo obtusa, simple, poco edificante.

§ 3.200. El jugador (Karel Reisz, 1974)

 

Seguimos con Reisz, que me parece un director muy interesante.

Un drama con el juego como telón de fondo, con un gran James Caan, Paul Sorvino, Lauren Hutton y Burt Young. También interviene James Wood y Carmine Caridi. Me he reconciliado con Caan, que siempre me ha parecido un actor limitado y algo amanerado, el que siempre se presenta jugando el mismo papel, el suyo propio. Parece ser que en esa época el actor estaba luchando con su adicción a la cocaína, por lo que probablemente pudo proyectar en el personajes sus propias emociones y vivencias, miedos, angustias y escapes de la realidad.

El guión es de James Toback, director y guionista, que proyecta en el guión sus propias experiencias autobiográficas. También fue un jugador con serios problemas y un profesor de literatura.

El drama está bien trazado, bien tirado. Entretiene pero no te deja el poso melodramático de obras mayores, de películas con mayor profundidad emocional y afectiva.

La brutalidad está mostrada con naturalidad y los personajes representan estereotipos muy reconocibles. Aunque alguno de los personajes parecen más amables de lo que realmente serían en el realidad. Hombres más duros y brutales, con total seguridad.

Buena película, bien rodada, bien interpretada y bien producida. Una muy buena película.

§ 3.199. El canibal de Rotemburgo (Martin Weisz, 2006)

Es una singular biografía fílmica, un biopic, sobre Armin Meiwes, un caníbal que se comió a una víctima que quiso voluntariamente ser devorado.

Es el debut cinematográfico de un director de videoclip musicales. Si l oque pretendía era que nos introdujéramos en el personales, intentado pulsar sus sensaciones, revivir sus vivencias o comprender parte de su funcionamiento mental, no lo ha conseguido. La cinta tiene pulso, y la idea de contar las cosas de manera retrospectiva desde la visión de una chica que está haciendo su tesis doctoral sobre el caníbal y sus acontecimientos es interesante. La utilización de dos texturas para contar lo que la chica vive y lo que la chica cree que pasó en la vida del protagonista es verdaderamente brillante. En algún sitio leí hace muchos años que para la lectura de obras difíciles que se escriben desde el sujeto omnisciente y la voz interior hubiera sido interesante escribir en dos tintas, o en dos tipos de letras separadas, con el objetivo de facilitar su lectura. Pues algo así ha pretendido el director. Y en ese punto de vista funciona, es operativo y útil al objetivo pretendido.

Pero la cinta no consigue, en casi ningún momento, que entres en la dinámica narrativa. Sí en la estética, pero poco más. Es algo pesada, pretenciosa y espesa. La música subraya con demasiado énfasis los momentos culminantes de la historia y lo que pudiera ser un camino de exploración interesante: la mutación de la protagonista, no está del todo bien trazada. Su evolución se aprecia desde la voz en off que reverbera en su cerebro contándonos lo que piensa y lo que cree.

Estéticamente y narrativamente tiene un mérito incuestionable. Pero una película es algo más que una mera enunciación estética de una idea, o de un acontecimiento. Es algo difícil de concretar, pero básicamente, se trata de emocionar, de influir en el estado de ánimo y de que sea capaz de proyectar un poso en uno mismo: un aprendizaje, una imagen, una idea, una aspiración, etc. Y esta no lo consigue. No narra un retrato psicológico sobre un caníbal. Juega a los miedos que puede infundirnos, pero no proyecta esa potencia. Me acuerdo de la cinta de Wyler: El coleccionista, de 1965 y, la verdad, aquella desde su simpleza y su color, desde el amor que pretendía el protagonista, y sin verdaderas escenas de violencia conseguía una perturbación en el espectador mucho mayor.

La lógica enfermiza por un fetichismo sexual depravado y criminal no me atrae nada. Pero entiendo que determinadas películas toquen el tema. 

Bien me metraje, supongo que no daba para más. Y bien interpretado por la protagonistas, Keri Russell, aunque a veces, en los momentos más tenebrosos, está excesivamente pintada, y de colores negros que la afean.