§ 2.410. Las montañas de la luna (Bob Rafelson, 1990)

Interesante cinta de aventuras sobre la amistad, el valor, y las relaciones personales. Muy elegante, bien rodada y con un formato a cine de siempre digno del buen gusto que destila siempre su director. Un cine que pudiéramos catalogar de "ingles". No hace falta verla mucho minutos para saber qué quiero decir. Si me dicen que es de un directo inglés me lo creo, aunque la cinta es americana y está filmada por un americano. No sé qué hubiera sido de esta historia si la hubiera filmado David Lean, por ejemplo. Le falta para ser una grandísima película esa grandiosidad que sólo los grandísimos directores saben darle a las cosas. No sé qué es, pero sé identificarlo, y esta, siendo una película muy meritoria, no tiene ese plus de magnificencia, de grandiosidad, de obra colosal, intemporal, perdurable e inolvidable.

La búsqueda de las fuentes del Nilo es el camino argumental sobre el que se edifica la amistad de los dos protagonistas, sin olvidar el interesante papel de la mujer del protagonista.

Los protagonistas de la historia real son los expedicionarios Richard Francis Burton (Patrick Bergin) y John Hanning Speke (Iain Glen). La mujer de Burton es Isabel Arundell (Fiona Shaw). También actúa Delroy Lindo (como el esclavo Mabruki que es salvado de morir por el ataque de un león.

La intensidad del viaje, sus peligros, la importancia de la misión están muy conseguido. En 1850 no había mapas de África, y la misión tenía unos peligros inimaginables. No sólo por adentrarse en tierras desconocidas y peligrosas, sino porque tiene que transitar por la rutas que se utilizaba para los esclavos.

Historia muy cuidada -ropas, atrezo, diálogos, personajes, detalles, las casas, los carromatos, música, etc.- y seguramente muy cara en su filmación, con un guión muy trabajado pero un poco larga. No merece la pena 135 minutos para contar lo que cuenta. Es cierto que no es exactamente una de aventuras "clásica", de las de Henry King, ni en sus versiones más modernas tipo J. Lee Thompson.

El resultado no es tan prometedor como la historia auguraba, pero es, desde luego, una buena película.

§ 2.409. La hija del médico y la bestia (Edgar G. Ulmer, 1957)

Películas de factoría, en serie, todas de estudio, programadas dentro de la multitud de obras de una gran compañía de cine. Obras breves, rápidas, de no más de hora o hora y cuarto, destinadas a ser la primera cinta de una sesión doble, hechas con retales, decorados de otras películas, actores pluriempleados, directores industriosos, rápidos, que con pocos medios hacían maravillas. No se consideraba un arte, sino una industria, no pretendían crear algo bonito o artístico, sino entretener, divertir. Lo de ganar dinero con esta películas es totalmente secundario: costaban poco, no perdían... Guiones que forman parte del desecho de otros guiones, o meras continuaciones de obras ya hechas, películas que van en el carril seriado de películas que tuvieron un cierto agrado y arraigo.

Y aun así tiene algo de genial, cine en estado puro, de grandes historias contadas con pulso. Muy entretenidas, y siempre recordadas. Me gustan este tipo de películas.

El miedo como canal de comunicación. Siempre he pensado que su éxito se valora porque no se aprecian los fallos: ni de interpretación, ni de guión, ni de encuadre, dirección o diálogos. Simplemente la emocionalidad te contiene y no te deja verlos. Es sencillo: estas películas son pura emotividad básica y ancestral.

§ 2.408. Extraña ilusión (Edgar G. Ulmer, 1945)

 Ulmer tiene algo de Siodmak: los planteamientos, la oscuridad de las intenciones, los planos medios, la música ininterrumpidamente sonando, la capacidad de mostrarnos que el crimen y la depravación no es algo excepcional, sino natural, que puede ocurrir con cualquier familia, en cualquier momento. 

Galería de personajes interesantes sobre un lienzo tópico pero bien construido. La huella de Perdición (Billy Wilder, 1944) es realmente indeleble. No es que sea una copia, que no lo es, pero la idea de un crimen pasional como motor único de la cinta es similar. Aquí se añade el psicoanálisis y los sueños premonitorios, tan de moda a mediados del siglo pasado.

La copia no se veía bien del todo, estaba muy sucia. Y los subtítulos se superponían en lo oscuro de la pantalla y el resultado no era muy satisfactorio.

Un crimen en una familia pudiente. Traición y asesinado. Mujer joven y amante. Todo un clásico. El juez ha muerto. Su mujer pretende casarse con un casi desconocido. El hijo sospecha algo, y estudiando los crímenes que dejó sin resolver su padre, que estaban recopilados en un libro que estaba escribiendo. El muchacho tiene unas horribles pesadillas en las que aparece su padre, el tren que arrolló a su coche, una pulsera con la cabeza de un león. Su tío médico le ayuda a descifrar los sueños. El amante de la madre también tiene un psiquiatra amigo que accede a la casa y a los eventos de la familia nueva que pretende crearse. Entre este psiquiatra y el médico tío del hijo se establece un duelo singular.

§ 2.407. La profundidad del mar (Rudolph Maté, 1958)

El interés por ver a Alan Ladd impulsa una historia varias veces repetida en el cine. Su hieratismo, su falta de expresividad, su cortedad de palabras, su falta de empatía, le hacen candidato al actor menos dotado del Hollywood clásico.

Una Dianne Foster le acompaña, actriz que no tiene muchas películas, algunas con Maté, y que no es muy conocida para mi.

La temática es idéntica a la de "Hasta el último hombre" (Mel Gibson, 2016) y similar también a "Sargento York" (Howard Hawks, 1941).

Rudolpg Maté tiene películas verdaderamente estupendas: Cerco de odio (1948); Con las horas contadas (1950); Cuando los mundos chocan (1951); Coraza negra (1954); Hombres violentos (1955) y otras meramente entretenidas: Estación Unión (1950); El secreto de Paula (1952); Asedio a Río Rojo (1954); Horizontes azules (1955) y El León de Esparta (1962).

Carrera más que decente de otro Europeo (Polaco, en este caso) en el cine americano. Wikipedia cine que antes de dedicarse a dirigir fue camarógrafo de estas películas: Dodsworth de William Wyler (1936), Stella Dallas de King Vidor (1937), Blockade de William Dieterle (1938), Love Affair de Leo McCarey (1939), The Real Glory de Henry Hathaway (1939), Foreign Correspondent de Alfred Hitchcock (1940), That Hamilton Woman de Alexander Korda (1941), To Be or Not To Be de Ernst Lubitsch (1942), I Married a Witch de René Clair (1942), Sahara de Zoltan Korda (1943) y Gilda de Charles Vidor (1946). Realmente un currículum espléndido que le permitió adquirir una experiencia tremenda para dirigir.

§ 2.406. Acorazados del aire (Anthony Mann, 1955)

La última del director que me queda por ver, si exceptuamos los cuatro primeras que están descatalogadas: Moonlight in Havana (1942);  Dr. Broadway (1942);  Nobody's Darling (1943) y My Best Gal (1944). Estas cuatro no las encuentro por ninguna parte, ni siquiera en V.O. sin subtitular. Nada de nada.

Es uno de los grandes, sin ninguna duda. Enrome director, que brilló en varios géneros, especialmente en el Western en donde aporta unas cuantas obras de arte absolutas.

Esta en concreto está bien. Es entretenida y le da el aire patriótico que pretende. No recuerdo una película suya tan "patriotera". Sí otras similares de otros directores, pero no de él. Me llama la atención en conjunto de mitos que plantea, los simples que son y lo poco que importan para una película bélica.

Lo que sí creo es que es demasiado larga. Innecesariamente larga. En 90 minutos hubiera valido. Otras suyas he pensado: qué corta se me ha hecho. No es el caso de ésta.

La primera parte es más entretenida que la segunda. Intuyen de qué va la cosas, cómo va a evolucionar, pero la cinta se estanca a los 30 minutos, pretendiendo que te interese la evolución (que ya sabes que va a ocurrir) del jugador protagonista hacia su consideración sobre el ejercito y su permanencia en él. Luego, a la hora, retoma de nuevo. 

Toca todos las fibras de la emocionalidad marcial: el deber, la obligación, la devoción, el infortunio, la familia abnegada y sacrificada por los ideales, la carrera profesional civil truncada, la paternidad cuando se está en misión, etc.

Aunque no es una película de las mejores de Mann, me llama la atención la baja nota que tiene en Filmaffinity: 5.3, algo mejor en IMDB: 6,4 . Para mi es un 7, aunque es evidente que tengo un gran aprecio a Mann y todas sus películas me gustan, unas más que otras, pero en general me agradan mucho.

El héroe es James Stewart, su mujer la peculiar June Allyson, a los que acompañan un buen puñado de secundarios de siempre: Frank Lovejoy, Barry Sullivan, Alex Nicol...

§ 2.405 Barba azul (Edgar G. Ulmer, 1944)

 

Tercera que veo de Ulmer, y, la verdad, todas me han gustado mucho. Ya conocía Detour (1945) desde hace años, que además he visto varias veces y me parece una maravilla. Hace poco vi también Satanas (1934) y también me gustó mucho. Creo que es un autor, aunque ahora ya olvidado, a reivindicar. Salvando las distancias me recuerda a Borzage, en el sentido que de ambos han sido magníficos, aunque Borzga mucho más influyente. Creo ver cosas de Siodmak, incluso de Lang,  en esta película. Los claro oscuros, el machaqueo de la música sin descanso, la manera, prácticamente circular, de presentar la historia y los personajes. Desde el primer minuto se muestra el personaje principal, no hay la menor duda, y todo se reduce, como si de una cuestión estilística se tratase, en el cómo, no en el qué ni en el cuándo.

Le tengo a Detour como un cineasta con mala suerte. No sé por qué, pero creo que quizá le faltó esa oportunidad de engranarse en un gran estudio, de introducirse en el sistema de hacer películas de manera rutinaria, en serie, seguidas, continuas. Me parece que Ulmer es algo más que Detour.

John Carradine, el padre de una de las sagas, mantiene bien el tipo, y Jean Parker muestra esa candidez características de las mujeres isabelinas que representa en la película.

La calidad de la copia que he visto es, cuanto menos, mejorable. Hay películas anteriores a 1944 que se ven muchísimo mejor. Probablemente este autor y esta película en concreto no son del agrado del gran público actual, por eso no se ha restaurado adecuadamente. Se deja ver, se puede ver, pero el blanco y negro es muy deficiente, aunque el sonido sí es limpio y claro.

§ 2.404. Yo soy la justicia II (J. Lee Thompson, 1987)

 

Estertores de J. Lee. Un director que fue a menos. De más a menos. A muy menos. Estas últimos son verdaderamente poco edificante, por decirlo a alguna manera. Son malas, malas.

Esta en concreto, es la cuarta de una serie de cinco de "Yo soy la justicia", tres de ellas de Michael Winner, esta que es la cuarta y la última de un tal Allan A. Goldstein. Todas por el estilo: vengador civil que se toma la justicia por su mano frente a agresiones reales. La policía no sabe qué hacer y el ciudadano medio es capaz de asumir el coste personal de hacer justicia. Todo en un discurso muy neoliberal. Películas de una época muy determinada, al servicio de un consumo instantáneo. Quizá rodadas directamente para el mercado del videoclub, ni siquiera para la televisión.

Charles Bronson nunca ha sido un actor muy expresivo, pero realmente en esta película está hierático. No ha tenido una carrera mediocre, ni mucho menos, pero estas últimas cintas no son sus mejores obras.

Le acompaña Kay Lenz, una actriz no demasiado relevante, que está a la altura de la mediocridad de la cinta, lo cual es lo más que se puede decir de la película.

El planteamiento es "simplista": buenos, malos, todo muy nítido, nada de grises... No hay un verdadero esfuerzo de guión, todo está presentado de forma simple, sin esfuerzo para el consumidor. Cuando acaba la película no la recuerdas; puedes verla varias veces en la vida y no recuerdas que la vista, porque, de un lado, es tan mala que o prestas verdadera atención y, por otro, es tan igual a otras cientos que no significa por nada, por ninguna singularidad.

§ 2.403. La fragata infernal (Peter Ustinov, 1962)

Una pinta excelente, formato clásico, puesta en escena casi teatral, dirección sobria, trama bien desarrollada, y un uso de la cámara, una forma de contar las cosas muy "cinematográfica", muy estructurada, canónica. Las películas clásicas tiene que ser así, como es esta.

Director de muy pocas películas, aunque como actor tiene muchas más, cerca de 70. Recordado por su histrionismo como Nerón en "Quo Vadis", una de las superproducciones más importantes del cine de "romanos".

El guión se elabora desde una novela de Herman Melville que se titula Billy Budd, el nombre del marinero joven que es enrolado en la fragata militar.

La música es de Antony Hopkins, supongo que es el actor célebre.

El reparto está encabezado por Robert Ryan, Peter Ustinov, y un Terence Stamp anterior a El coleccionista y el éxito fulgurante de esa película. Siempre he dudado de él, no creo que sea una gran actor: no tiene excesivos registros, y no consigue llegar a expresar la potencialidad que tiene como personaje. Es casi igual en todas sus películas.

La lección de Ryan es digna de mención. Un actor versátil donde los haya, capaz de enfrentarse a cualquier papel, de cualquier fisonomía, en cualquier situación. El desmenuce que hace del sádico por antonomasia es magnífico. La forma de mover los párpados, la vacuidad de la mirada, el mantenimiento del rictus en la cara, su gallardía algo impostada. Realmente magnífico.

La película es de las consideraría muy buena. No es una obra magnífica, pero realmente es muy buena.

§ 2.402. La noche de los cristales rotos (Wolfgang Petersen, 1991)

La vi hace muchísimos años, y siempre la he recordado de manera muy peculiar, como una buena cinta con cosas que no cuadraban, que no encajaban, que la hacían pero película de lo que pudo ser. En una palabra, una cinta mediocre decepcionante.

Siempre me llamó la atención el título, que me recuerda más a los episodios nazis de 1938, que a un acontecimientos acaecidos en San Francisco de los años ochenta. Título muy mal traducido, pues el original es Shattered, algo así como "roto", a secas, sin más. Sin ninguna referencia a "cristales".

Un drama thriller familiar de venganzas, recuerdos, pasiones escondidas y ocultas pulsiones. 

Un matrimonio tienen un grave accidente de coche. La mujer consigue saltar del coche y tiene secuelas pero no excesivamente graves. El marido llevó la peor parte, permaneció en el coche durante la caída y sus secuelas son graves: tiene una permanente amnesia: no recuerda nada de su vida, únicamente recuerda cosas concretas, nada específico. Sin embargo tiene una sospecha, no por ser susceptible, en absoluto, sino porque descubre los negativos de unas fotos de su mujer en la cama con otro hombre. Comienza a sospechar que algo ocurre, que su vida con su mujer con la que ahora parece vivir una vida plena, que su vida pasada no era tan buena como todo parece indicar. La verdad le aterra: quizá su mujer tuvo algo que ver con el accidente, quizá planeó su muerte, quizá el accidente no fue casualidad, quizá lo que "paso en Méjico" es más profundo que una mera discusión familiar. 

La mujer de su amigo le alerta de que le han querido asesinar, de que su mujer y alguien que conocieron en México han planeado su muerte.

Un Tom Berenger que prometía más cosas que a las que llegó, un mal estereotipo de militar rudo curtido en Vietnam; una Greta Scacchi como guapa matahombres, sanguinaria y mantis religiosa que tampoco llegó a nada, y un Bob Hoskins como investigador privado que siempre cumple su papel como secundario de decenas de películas, de todo tipo, una peores y otras no tanto.

Director que venía de hacer cosas mejores: El submarino (1981), y que más tarde repitió la fórmula ensayada aquí de película para el gran público: En la línea de fuego (1993), La tormenta perfecta (2000) y Troya (2004).

§ 2.401. Las aventuras de Quentin Durward (Richard Thorpe, 1955)

Capa y espada, de los más clásico del cine. Con un Robert Taylor en el cenit de su carrera, una Kay Kendall más que admirable en su proceder, unos escenarios naturales y decorados muy bien pertrechados, una música excelente, un guión decente y un resultado muy entretenido.

El enredo también es amoroso. Un príncipe Escocés encarga a su sobrino que lleve su retrato a una joven Condesa de Borgoña con la que pretende contraer matrimonio. Ella no quiere un compromiso de esas características con un señor tan mayor y escapa cuando le van a presentar al sobrino en una fiesta.

Entretenida, sin más. No es una de las mejores del género, en donde hay verdadera obras de arte.

§ 2.400. Mothman: La última profecía (Mark Pellington, 2002)

Mitad terror, mitad ciencia ficción, mitad hechos reales... no sabes, en verdad, hasta dónde llega la ficción y donde empieza la realidad. Generalmente estas películas no me agrandan, pero hay qeu ver de todo, estas también.

Sucesos paranormales, "hombres polilla" que aterrotizan y atacan a las personas. Sucesos que se han producido en varios lugares desde el suceso original en el que se basa esta película.

Director desconocido para mi, mitad trabajador de la televisión, de los videoclips, de los videos musicales, etc. Pocas cintas largas, dirigidas a la gran pantalla.

Reparto de los de la época: Richard Gere y Laura Linney como las principales protagonistas, también participa Will Patton, actor que suele actuar de secundario en gran cantidad de películas, siempre de sureño duro y carcomido por circunstancias de la vida: la bebida, las mujeres, el juego, las adicciones, etc.

No es una gran película. Juega con la música, los efecos especiales y una cierta tensión emocional para provocar instintos profundos de miedo, pánico y terror. 

No me parece una buena cinta, aunque no soy fan de ese tipo de películas. Además la tensión que me provoca no me deja disfrutar de ella con claridad, con naturalidad.

§ 2.399. El rio y la muerte (Luis Buñuel, 1955)

Interesante pelicula, planteada casi como un Western, que narra los odios ancestrales y las venganzas de familiares de bandos rivales en un pueblecito de méxico.

El rio sirve de vehículo de conexión con la muerte. O se cruza para matar a los rivales, o se cruza para volver a la tribu, al pueblo de donde se partía para matar a los rivales. Los Anguianos y los Menchacas.

Tiene algo de Capuletos y Montescos, de West Side Story...

Buñuel cuenta una historia pretendidamente costrumbrista con aíres de Far West, aunque solamente se detiene en los aspectos conflictivos de la violencia entre familias. Es una auténtica película del Oeste, ambientada en otro lugar, y en otro tiempo, más cercano a mediados del XX, pero casi con la misms dinámica expositiva. La estética sí es diferente, naturalmente.

La muerte paseando las calles, las procesiones detrás del féretro, las mujeres escondidas y depositarias de la trasmisión del odio entre las familias. El féretro y la comitiva también visitan la casa del asesino, costumbre macabra y, probablemente, muy mexicana.

El reparto para mi es absolutamente desconocido: Columba Domínguez, Miguel Torruco, Joaquin Cordero, Víctor Alcocer y Jaime Fernández.

§ 2.398. Sed de Triunfo (Sidney Lumet, 1958)

Segundo largometraje tras el fulgurante éxito de 12 hombres sin piedad (1957). En medio hizo cosas para la televisión, cosa que compaginó durante años.

No es lo que esperaba, sobre todo porque después hizo cosas más dramáticas: Piel de serpiente (1960), Punto límite (1964), El prestamista (1964) y La colina de los hombre perdidos (1965)... No es exactamente una comedia, pero ese es su ambiente, aunque es cierto que la película, como el romance, se va ensuciando hacia un drama... Un drama en el mundo del teatro. Una chica joven y angelical pretende triunfar en Broadway y es capaz de sacrificar sus vida por conseguirlo. Un productor se enamora de ella y ella de él.  La cosa se va enguarrando: él tiene su amante oficial, que es una actriz mediocre, un carrera de productor absolutamente consolidades,  y una vida de ensueño. Pero todo cambia...
Tiene algo de Eva al desnudo (Joseph L. Mankiewicz, 1950), sobre todo en la idea de que la recien llega se hace imprescindible, consigue ganarse la confianza y la presencia de todos los del mundillo del teatro.
El reparto es muy bueno: Henry Fonda, Susan Strasberg, Joan Greenwood, Herbert Marshall, Christopher Plummer, y Daniel Ocko.
Director más que solvente, uno de los más característicos de los 70 y 80. Siempre me ha gustado mucho, todas sus películas tienen algo, también ésta.

§ 2397. Amistad (Steven Spielberg, 1997)

La vi hace mucho años y me gustó mucho. La recuerdo con gran intensidad. Vamos a ver qué tal esta segunda vez.
Realmente interesante, muy bonita... Muy didáctica.
Una puesta en escena magnífica, en un par de escenas, sobre el minuto 25 sabes cuál es el meollo de la historia, de qué va la película. Lo jurídico está muy bien presentado, las influencias políticas también. Y el resultado de esta polémica como antecedente de la guerra de secesión es un descubrimiento de la cinta... Creo que es de lo mejor del director.
Un reparto espectacular: Matthew McConaughey, Djimon Hounsou, Morgan Freeman, Anthony Hopkins, Pete Postlethwaite, Chiwetel Ejiofor, Stellan Skarsgard, Nigel Hawthorne, David Paymer, Anna Paquin, Jeremy Northam, Arliss Howard, Peter Firth, Daniel Von Bargen, y Tomas Milian.
Me parece una película absolutamente fundamental. Digna de verse y de echarle un revisionado con el tiempo.

§ 2.396. La isla de las almas perdidas (Erle C Kenton, E1932)

1932. Impresionante, oiga...!!!

La primer versión del Dr. Moreau...

§ 2.395. Las minas del rey Salomón (J. Lee Thompson, 1985)

Una versión más de una novela de aventuras muy conocida que ha tenido varias versiones cinematográficas, algunas mejores que otras, que admiten diferentes tonos y estilos: puede ser una película de amor, puede ser de aventuras, con tonos satíricos, mordaces, con dosis de humor, etc. 

Ésta la veo por terminar con la filmografía de J. Lee Thompson, que es un director de "clase media" que tiene cosas interesantes y otras muy malas. Ésta es de tipo medio, muy en la estela del personaje de Spielberg, de mucho mayor octanaje y creatividad.

Alemanes, ambición, dinero, amor, bromas y gag divertidos, con un guión trabajado pero poco original y una música que acompaña toda la cinta de un grande de verdad: Jerry Goldsmith.

Se deja ver si no se pretende encontrar más cosas que las que permite la trama, los personajes y los actores, limitadillos...!!!

Aquí el reparto viene mediatizado por los actores de moda del momento del rodaje: Richard Chamberlain, Sharon Stone, Herbert Lom, Bernard Archard, Ken Gampu, John Rhys-Davies, Sam Williams, June Buthelezi, y Shaike Ophir.

§ 2.394. Los chicos de Scottsboro (Terry Green, 2006)

Una historia real. Nueve chicos negros son acusados de violar a dos chicas blancas en un tren de mercancías en Alababa en 1931. Al parecer el testimonio de las víctimas fue el argumento principal de la condena. Un abogado un tanto idealista se hace cargo del caso. Errores judiciales, condenas revocadas, odio de la población al abogado, racismo en estado puro.

El caso es importante porque crea jurisprudencia sobre la necesidad de que los jurados se integren con jurados de color.

No es mala cinta, pero no consigue elevarse como película judicial, ni entre las de ficción ni entre las que cuentan un asunto real.

Director desconocido para mi: Terry Green y un reparto encabezado por Timothy Hutton como abogado, y David Strathairn como juez, a quienes acompañan: Leelee Sobieski, Anthony Mackie, Bill Sage, y Azura Skye.

§ 2.393. Billy Bathgate (Robert Benton, 1991)

Una de ganster más. Toda una moda a la que se apuntaron decenas de cineastas, algunos buenos y otros no tanto.

Años 30, joven aprendiz de mafioso, con corazón y más escrúpulos que la media de los chicos de su generación. Algo muy trillado. No consigue nada singular, es una película ya hecha, que nada aporta, ni en el fondo ni en la estética. Es una cinta ya vista.

Director que consiguió sus mejores cotas con Kramer contra Kramer (1979) con un reparto medio alto: Dustin Hoffman, Loren Dean, Nicole Kidman, Steven Hill, Bruce Willis, Steve Buscemi, John Costelloe, Stanley Tucci, Mike Starr, Moira Kelly, Frances Conroy, Timothy Jerome, y Stephen Joyce.

§ 2.392. Betty Anne Waters (Tony Goldwyn, 2010)

Bueno, tenía ganas de ver a Hilary Swank después de sus éxitos fulgurantes. Siempre he entendido que su falta de papeles no es tanto una cuestión de mala baba de ella, de encabronamiento, de mal humor o mala leche, sino de mala elección de las películas tras su éxito. Sus Oscars son de 1999 y 2004, luego hizo cosas para De Palma, Soderberg, etc, pero nada comparable al éxito que tuvo. 

Un drama familiar y judicial, un fallo en el sistema, una hermana coraje, un caso complicado... 

Acompañan en el reparto Sam Rockwell, Juliette Lewis, Ari Graynor, Minnie Driver, Clea Duvall, Melissa Leo, Peter Gallagher, Bailee Madison, Loren Dean, John Pyper-Ferguson, Karen Young, Marc Macaulay, y Conor Donovan.

§ 2.391. Satanas (Edgar G Ulmer, 1934)

Magnífica. Tiene casi noventa años, y una frescura y modernidad que ya le gustarían a mucha cintas actuales. Sin ir más lejos la de anoche. Entre las dos suman, en mi criterio, más de un 10, una obra maestra, pero esta se lleva un 8 y la otra un 3. 

La música es excelente, de Heinz Roemheld, probablemente no son composiciones originales, sino piezas clásicas aprovechadas para la película. 

La trama es el desarrollo de un cuento de Edgar Alan Poe, El Gato Negro. Un pareja de americanos viaja por Hungría en tren. Allí conocen a un médico, a un psiquiatra, que va en su misma dirección. Tras arribar en destino los tres cogen un autobús a la ciudad que van a visitar, pero llueve mucho y sufren un accidente. Bajo la lluvia llegan a la casa del amigo que va a visitar el psiquiatra, un extraño arquitecto que tiene una cuenta pendiente con el médico. Hace años tuvieron un incidente en una guerra y durante el tiempo que el psiquiatra ha estado en prisión el arquitecto le robó su mujer, de la que siempre estuvo enamorado, y su hija... Ambos tienen un conducirse extraño, como si ocultaran algo. La presencia de un gato negro desencadena un episodio de confusión mental en el médico. Se narra la leyenda de que Satanás se reencarna en un gato negro, por eso tienen siete vidas.

La mujer y la hija están conservados en formol.

Del director sólo he visto Detour (1945), que siempre me ha parecido una brillantísima obra de arte.

El reparto es de lo mejor del género para la época: Boris Karloff, Bela Lugosi, David Manners, Julie Bishop, Egon Brecher, Harry Cording, y Lucille Lund.

§ 2.390. Mente criminal (Gregory J. Read, J.2006)

Única película de un director desconocido para mi, no me suena de nada. Quiero decir que no le recuerdo como actor, ni me suena de haber participado en algunas películas, etc.

Una especie de drama juvenil: un joven de 17 asesina a un compañero de internado. Le acusan a él en realidad. La película trata de esclarecer el crimen narrando las vicisitudes de la investigación policial, con importante participación de una psicóloga forense. Ella entiende que no hay pruebas que incriminen al joven, pero la policía parece estar convencida de la culpabilidad del chico. El director del internado es el padre del asesino. 

Parece un chico muy inteligente, de gran coeficiente intelectual, y por momentos parece que se divierte confundiendo a la policía. El asesino y el asesinado comparten habitación en el internado y el luego fallecido que acaba de llegar es algo "raro": le gusta diseccionar animales, habla poco, y es oscuro y silencioso. 

La película es australiana, y el directo también. El reparto es desconocido para mi. Parece más un telefilm que una película de gran formato.

§ 2.389. El malvado Zaroff (Irving Pichel, y Ernest B. Schoedsack)

 

Tiene casi 90 años la película, 89 para ser exactos. Y es una maravilla, una cinta magnífica.

Un naufragio en el océano Pacífico, una isla abandonada, un conde malvado que tiene una fortaleza por casa, y que recoge en ella a todos los que naufragan por la zona. Amante de la caza, como el último naufrago, comenta que ha creado un juego para sobrevivir... Es un despiadado cazador de hombres, lo que naufragan en su isla. La emoción de la caza, el cazador cazado, la presa que no se deja cazar, la supervivencia en la jungla como metáfora de la vida, la selección natural de los mejores para procrear, para aparearse. La chica después de la batalla.

Película de culto, rotunda y absolutamente magnífica. De una novedad y naturalidad que crean escuela. Una maravilla.

Director del que ya he visto varias cosas, junto con Ernest B. Schoedsack, que también codirigió, junto con Merian C. Cooper en 1933 King Kong (en el que también interviene la chica, Fay Wray).

Un reparto muy interesante, con el poco valorado Joel McCrea, junto con la exótica Fay Wray, la chica de King Kong, Leslie Banks,  junto con Robert Armstrong, Noble Johnson, Steve Clemente, James Flavin, y William B. Davidson.

§ 2.388. El templo del oro (J. Lee Thompson, 1986)

Comedia, aventuras, parodia... una especie de Indiana Jones en básico. No es el primer actor de películas de acción que intenta el desembarco en la comedia. Pero no creo que a Norris le haya salido bien, desde luego no con esta película.

No me ha parecido una gran cosa, pero se puede ver perfectamente. Tiene la gracias de ser una comedia, al menos en alguna de sus partes, y eso siempre agrada.

Un reparto que combina actores peculiares: Chuck Norris, Louis Gossett Jr., y Melody Anderson, que es una muy peculiar actriz, en sus papeles principales.

§ 2.387. El diablo sobre ruedas (Steven Spielberg, 1971)

Cinta de culto, de esas que marcan toda una carrera y a toda una generación, que crean por sí mismas un canon de género, que crean un bub-género.

Un guión prodigioso, una forma de rodar realmente estupenda, una puesta en escena única y un mensaje nítido y claro, aterrador pero nítido. Además no hay motivo ni razón que justifique el comportamiento homicida del conductor del camión.

Ser capaz como es de tener al espectador, plano tras plano, pendiente de las desventuras de un conductor al que le persigue un camión es un asunto notable. Consigue transmitirte el miedo, la angustia y la zozobra, con un planteamiento casi filosófico: la soledad, la preocupación, lo inexplicable, el terror. 

La película, al menos a mi me lo parece, está rodada de una forma prodigiosa, magistral.

§ 2.386. Mensajero de la muerte (J. Lee. Thompson, 1988)

Pues los primeros diez minutos no es que sean una maravilla pero sí tienen su gracia... desde luego algo mejor que todas las que son parecidas, de este subgénero...

Me parece que está bien trabajada, con un buen guión, un tema interesante, y un desarrollo  aunque quizá mejorable razonablemente adecuado. Una película que se puede ver. Una familia mormona es asesinada, las mujeres y no niños del hijo de un fundamentalista religioso. El padre y su hermano, que se odian a muerte, viven en diferentes zonas del país, pero se cumplan mutuamente de la matanza. Cada uno tiene sus motivos, pero ambos se relacionan con la expiación por la sangre, es decir, con la capacidad para salvarse del pecado muriendo a manos de uno de los correligionarios.

Obviamente tras la hostilidad de los hermanos se esconden otro tipo de intereses, naturalmente económicos.

Rodada en paisajes naturales singularmente bonitos, Montana, Colorado, Utah  o similar... El medio oeste americano.

Director que estoy ya acabando. Me agrandan cosas suyas y otras no tanto. Esta sí tiene algo, por más que la nota de Filmaffinity no llega al 5. La de IMDb es algo superior, pero tampoco tanto.

Da gusto ver a Charles Bronson en un papel de cine, volverle a ver en un papel quiero decir. Es un actor que envejeció mal. Mal desde el punto de vista del cine/arte, quizá mejor desde el punto de vista de la billetera, de la cartera, del dinero. Una estrella bien pagada que hace películas de manera regular pensaría él. En este caso no es una película horrenda. No es mala. Tampoco es buena pero es interesante, el buen guión la salva y no me extrañaría que hubiera creado escuela, que otras hubieran seguido sus dictados. 

De una manera u otra me ha recordado a Único testigo (Peter Weir, 1985), aunque esta es en una comunidad de mormones y aquella, mucho mejor película, de cuáqueros.

§ 2.385. La mujer de blanco (Peter Godfrey, 1948)

Un drama gótico de enamoramiento y fantasmas. Tiene un aire a El fantasma y la señora Muir (Joseph L. Mankiewicz, 1947) que se rodó un año antes.

Un profesor de dibujo llega a una mansión y se encuentra en el camino a una mujer vestida de blanco. Luego, al llegar a la mansión descubre que una de las alumnas que va a tener, que son hermanas, es la misma mujer que ha visto la noche anterior en el bosque perdida. Hay varios malos que pretenden hacerla pasar por enferma psiquiátrica.

El reparto: Eleanor Parker tan guapa pero aquí con un punto de enigmática, Alexis Smith como hermana de Eleanor, Sydney Greenstreet en los papeles de gordo enigmático que le van tan bien, Gig Young, como actor de siempre y Agnes Moorehead, John Abbott, John Emery, y Curt Bois en los papeles secundarios.

§ 2.384. El mundo en sus manos (Thomas Carter, 2009)

Historia vital muy emocionante, de un niño negro en un hogar desestructurado que fracasa irremisiblemente en el escuela pero que consigue a fuerza de voluntad hacerse médico. Un médico célebre, famoso. Realmente un médico muy importante, cirujano pediatra que se enfrentó a la separación de niños siameses unidos por la cabeza con éxito. El primero que lo conseguía.

Luego participó en política y formó parte del Gabinete del presidente Trump. 

Estas cintas emocionales por encima de todo o te gustan o las repeles. Está muy bien narrada, tiene un metraje muy civilizado y hoy tengo ganas de ver algo suave y que te levante el ánimo. 

Realmente no me encuentro bien, me pesa mucho lo del ojo. Es una faena y no me sobrepongo. No sé cómo hacerlo. La verdad es que estoy asustado y acojonado...

El reparto: Cuba Gooding Jr., Ele Bardha, Loren Bass, Geoffrey Beauchamp, Tajh Bellow, Ron Coden, Lesley Bevan, Jesse Christian, Wayne David Parker, Angela Dawe, Gregory Dockery II, Zac Douglass, Kimberly Elise, Aunjanue Ellis, y Ithamar Enriquez.

§ 2.383. Los reyes del sol (J. Lee Thompson, 1963)

Pues de las pocas de J. Lee que me quedan por ver. De entre las editadas, que son muchas, pero no todas. Es una cinta menor de las suyas, nada que ver con las más celebradas, las "inglesas" sobre todo... He leído que esta película constituye un rotundo fracaso de público y crítica, y que eso hace que su estrella emergente se apague un poco... Parecía llamado a algo más y quedó en un director más mediocre de lo que en principio apuntaba. Superproducciones anteriores parecían augurar cosas mayores. No era David Lean, por supuesto, ni nada parecido, pero al final su carrera fue de más a menos, con escandalosas cintas al final de su carrera, totalmente prescindibles. 

Obviamente no se espera una película histórica, ni nada parecido. Sí una de aventuras, sin más. Entretenimiento parecido a la "capa y espada" o el "oeste" más básico. Y eso es lo que tienes: entretenimiento, una música decente, unas interpretaciones mejorables y una película entretenida, sin más... No es lo peor que he visto de J. Lee, todavía por aquellas épocas mantenía un canon de decencia digna e imaginativa.

Unas guerras entre reyes aztecas obliga a una huída del reino de un rey, con todo su séquito. En su marcha encuentran una tribu de la ribera al que obliga a salir al mar con sus barcos para huir a un futuro incierto. Encuentran un nuevo territorio. Lógicamente allí donde llegan también se encuentra habitado por otras tribus, otros guerreros, otros lugareños... La tierra a la que llegan es EE.UU. y allí moran indios americanos.

Los actores son: Yul Brynner, George Chakiris, Shirley Anne Field, Richard Basehart, Brad Dexter (reconocible por su intervención en los siete magníficos), Leo Gordon, Barry Morse, y Armando Silvestre. Todo al servicio de la estrella emergente del momento, el gran Yul.

Seguramente no era de las recordadas por él, ni tampoco es de las mejores del director. No creo que pueda considerarse un antecedente de Apocalypto (Mel Gibson, 1995), una cinta muy superior a ésta, se mire como se mire, pero tampoco creo que sea descabellado afirmarlo. Quizá la vio de niño, o simplemente le gustó. También cabe la posibilidad, naturalmente, de que no la conociera, pero lo dudo. Los directores no suelen ser malos cinéfilos.

§ 2.382. El desafío de las águilas (Brian G. Hutton, 1968)

La he visto varias veces, la última hace muchísimo años. Rodrigo no la había visto y creo que le ha gustado mucho.

§ 2.381. Carretera asfaltada en dos direcciones (Monte Hellman, 1971)

Película de culto de un director que acaba de fallecer. Por eso la veo. He visto otras suyas y no me ha parecido una gran cosa, pero vamos a darle una oportunidad a la que se considera una obra maestra. Director de pocas películas, algunas colaboraciones y quizá mucho desarrollo de cine independiente, aunque de esto último no estoy seguro.

Road movie setentera, carreras ilegales, coches trucados, adrenalina y gasolina, combinación más que eficaz, macarrada juvenil, poco diálogo y casi ninguna trama, ausencia de guión y diálogos no especialmente construidos...

Se ve porque hay que ver de todo, pero no es el cine que más me gusta. Es cierto que no está mal para ser lo que es, pero no me deja una sensación especialmente buena, no es una película brillante, aunque seguro que tiene seguidores por doquier. Dentro del subgénero de películas de coches seguro que está muy bien valorada. De hecho en las votaciones de Filmaffinity ocupa el décimo lugar de la lista que encabeza El diablo sobre ruedas de Steven Spielberg, curiosamente también del mismo año, de 1971. Seguramente el éxito incontestable de esta ha ido en perjuicio de la de Monte Hellman.

El reparto es el siguiente: James Taylor, Warren Oates, Laurie Bird, Dennis Wilson, David Brake, Richard Ruth, Harry Dean Stanton.

§ 2.380. La niebla (John Carpenter, 1980)

Interesante película de todo un clásico del cine de terror de lo ochenta: Carpenter.

Un reparto potente y muy de la época: Adrienne Barbeau, Tom Atkins, Jamie Lee Curtis, Hal Holbrook, Janet Leigh, Charles Cyphers, Nancy Loomis, Ty Mitchell, y John Houseman.

Una especie de cinta de terror, sobrenatural, religioso y de miedo... Este tipo de películas te tienen que gustar. O eres un fan o no las tragas. No hay punto medio. No me agradan demasiado, pero hay que ver de todo.

§ 2.379. El Gatopardo (Luchino Visconti, 1963)

Un tiempo de nace y otro que muere... una revolución, una tensión por lo que va a venir, un problema diletante, una realidad que atropella a quiene no se suben al tren de la modernidad. Una sociedad algo más que clasista o conservadora. Una sociedad radicalmente distinta.

El largometraje muestra la vida de Don Fabrizio, Príncipe de Salina y de su familia, que se ve alterada al ser Sicilia invadida por las tropas de Garibaldi en la época del  Risorgimento: en la unificación de Italia a mitad del Siglo XIX.

La revuelta provoca que la familia se refugié en la casa de campo que la familia tiene en Donnafugatta. El sobrino favorito del príncipe es un simpatizante de los rebeldes, pero más por modernidad y juventud que por auténtico convencimiento.

"Qué hermoso país sería este si no hubiera tantos Jesuitas" le dice el aristócrata al cura de pueblo...

"Si queremos que todo quede como está, es preciso que cambie todo", frase mítica que le dice el sobrino al tío al comienzo de la película, cuando decide abandonar la familia para irse a las montañas con los rebeldes.

"Somos seres humanos en plena transformación"  le dice el principe al cura, quizá como apreciación 

Un reparto de escándalo con tres actores absolutamente míticos: Burt Lancaster como el príncipe que aprecia la realidad que viene, que es capaz de comprenderla desde un punto de vista intelectual, que no comparte porque sería renunciar a sus privilegios de clase pero que sí es capaz de valorar y entender: sabe que es inevitable.

La aparición de Claudia Cardinale en la mansión, al minuto 58 de película, lo cambia todo, es otra cinta. Guapa, enigmática, sensual, delicada... impresionante.

Alain Delon como sobrino del príncipe y simpatizante de la revolución en un papel muy celebrado y recordado.

Están acompañados de Paolo Stoppa, Rina Morelli, Romolo Valli, Terence Hill como soldado de Garibaldi, Pierre Clémenti, Lucilla Morlacchi, Giuliano Gemma, Ida Galli, Ottavia Piccolo, y Serge Reggiani.

El guion es de Suso Cecchi d'Amico, Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa, Enrico Medioli, y Luchino Visconti, sobre una conocidísima novela de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, la única que escribió, de claro trazo autobiográfico.

Me ha gustado mucho la música de Nino Rota, todo un clásico. La fotografía es de Giuseppe Rotunno, limpia y colorista, en tonos tierra y pastel: ocres, trises, negros... un magnífico tratamiento del polvo, que por momentos parece en suspensión.

El director es un grande verdad: Visconti. Todo lo que he visto de él me ha parecido magnífico, en mayor o menor medida. Me podrá haber gustado algo más o algo menos, pero todas las películas me han parecido excelentes. Todo está muy cuidado, la ropa, el atrezzo, la música, la ambientación, los escenarios, los decorados, loa animales -perros, caballos-, las labores de labranza, el cielo de Palermo. Hay planos que son una auténtica composición pictórica, particularmente en del picnic en el campo, con los personajes agrupados alrededor de un mantel -sábana más bien- enorme y de color blanco posado en el suelo y sobre el que se han depositado las viandas y los vinos, los platos y los enseres.

§ 2.378. El pibe Cabeza (Leopoldo Torre Nilsson, 1975)

Vida, carrera y muerte del gánster Rogelio Gordillo, alias "El Pibe Cabeza" que ejerció de maleante en la Argentina de los años 30.

Cruda, seca, directa. Con pocas concesiones a lo superfluo. Un poco larga pero interesante, me gustó menos que La Maffia, del mismo director. 

Me gusta el actor, Alfredo Alcón, protagonistas en ambas cintas.

§ 2.377. La ley de Murphy (J. Lee Thompson, 1986)

Un subproducto del cine de policías muy típico y tópico de los ochenta. Un policía es acusado del asesinato de su mujer, aunque, en realidad, el crimen lo ha cometido un delincuente que fue detenido por el policía y que acaba de salir de prisión después de una condena de diez años.

Muchas de este tipo. Una más, sin más. No es especialmente buena. Los últimos coletazos de J. Lee y de Bronson, actor más importante para el cine de lo que su final parece indicar.

§ 2.376. Embajador en Oriente Medio (J. Lee Thompson, 1984)

Última película de rodada por Rock Hudson, en la que ya se le apreciaban los síntomas de la enfermedad que le mataría. Acompaña al siempre solvente Robert Mitchum, y un elenco de actores entre los que destacan: Donald Pleasence y Ellen Burstyn, junto con el poco dotado Fabio Testi, probablemente impuesto por la productora de la película para su mejor venta en Europa. 

Conflicto Árabe-Israelí, mediación del embajador Americano, lío amoroso paralelo -de la mujer del emabajador- para un resultado mediocre y previsible.

El simplismo del embajador es absolutamente insultantes, ridículo e impropio de una película de este género.

El juicio crítico que me merece el director no es especialmente bueno. Tiene tres película o cuatro muy interesantes: La bahía del tigre (1959), Los cañones de Navarone (1961), El cabo del terror (1962) y Una llamada a las doce (1965).

Me hizo gracia, se puede ver: La sombre del zar amarillo (1969), por seguir la senda de Las sandalias del pescador (Michael Anderson, 1968); El oro de Mackenna (1969), El griego de oro (1978) -poco, sólo por Quinn y por narrarme, más o menos fielmente, la vida y el noviazgo de uno de los hombre más ricos del mundo-  y El Pasaje (1979) -también por Quinn y por tratar de un problema, el Vasco, que siempre me ha atraído-, pero poco más. 

A medida que han ido pasado sus películas ha ido perdiendo fuelle, empuje, vitalidad, vigor... Hasta convertirse en un director mediocre, ni siquiera digno de revisitar, más allá de las que he nombrado, y no todas. Seguramente se conformaba con engranarse en el sistema de los estudios, las películas, el cheque al final del trabajo y hasta la próxima cinta... Les ha pasado a muchos, incluso a los más grandes, no es de extrañar que le pasara a algunos menos dotados.

§ 2.375. La bahía del tigre (J. Lee Thompson, 1959)

Las películas "británicas" de J. Lee son interesantes... Bien filmadas, con una cierta conciencia social, un desarrollo muy dramático e intensidad emocional.

Esta en concreto me ha gustado mucho. Es una película interesante, desarrollada y gozosa.

Un marinero polaco recién desembarcado asesina por celos a su novia, a la que ha estado mandándole dinero durante meses, al enterarse que se entiende con otro hombre. Una niña de unos 11 años presencia toda la escena: el asesinato, la ocultación de la pistola, la llegada del hombre con el que se entendía, las investigaciones de la policía, etc.

Un drama "infantil" interesante de verdad. La amistad con el marinero, al comienzo claramente interesada por él es el punto fuerte de la cinta. El sentimiento de culpa de él se va disipando a medida que interrelaciona con la niña, cuando juega con ella, cuando le cuenta historias -inventadas- que ha vivido...

El reparto es muy interesante: John Mills hace de superintendente, Horst Buchholz es el marinero polaco que comente el asesinato, la niña es Hayley Mills, hija de John Mills., El resto del reparto es menos conocido: Yvonne Mitchell, Megs Jenkins, Anthony Dawson, George Selway, Shari, George Pastell, Paul Stassino, y Marne Maitland.

§ 2.374. La letra escarlata (Roland Joffé, 1995)

No me ha gustado. La historia de un adulterio, sin más... de una mujer casada en Inglaterra que acude a las nuevas tierras de América. Allí mientras llega su marido se encama con el sacerdote de las nuevas tierras, su amante y padre del niño que espera.

Esperaba otra cosa, la verdad. Una historia menos de amor, más del conocimiento de la tierra americana...

§ 2.373. La gran estafa americana (David O Russell, 2013)

Muy característica película, de un director del que vi otra hace un par de años y me gustó bastante, aunque no le di mucha nota: The Fighter (2010).

Unos estafadores singulares se ven atrapados por el FBI y se ven obligados a trabajar para la agencia. Intentan trincar a un político. La motivación de los estafadores es para librarse de policía, que les tiene pillados por un asunto; la del policía no es tan diáfana... en principio parece que es para coger a un político, pero hay algún motivo oculto, o bien quiere quedarse con el dinero, o con la chica, o pretende algún tipo de ascenso...

El reparto es muy bueno: Christian Bale, que se está convirtiendo en un actor estupendo, Amy Adams tan guapa como siempre, Bradley Cooper en un look que no le reconozco, con el pelo rizado y algo más delgado de lo que ahora está. También participa Jennifer Lawrence, y el resto de los papeles son: Jeremy Renner, Louis C.K., Michael Peña, Jack Huston, Alessandro Nivola, Shea Whigham, Elisabeth Röhm, Saïd Taghmaoui, Adrian Martinez,  y con dos intervenciones estrella: Paul Herman, y Robert De Niro, en unos papeles ínfimos.

§ 2.372. Un diamante al rojo vivo (Peter Yates, 1972)

Una especie de comedia de robos... con Robert Redford, y un decente George Segal.  Hipótesis imposibles: atracar un museo, luego un penal y más tarde una comisaría...

Entretenida, sin más.