§ 2.743. La gran jornada (Raoul Walsh, 1930)

 

Una epopeya del Oeste. Una verdadera joya que tiene 92 y dos años. Y se ve perfectamente, tanto desde el punto de vista estético como argumental. Preciosa y muy entretenida. He visto películas actuales que no se le acercan ni de broma desde el punto de vista narrativo. Muchos actores, muchos extras, grandes planos, caballos, indios, ríos, agua, ganado. Impresionante. Me parece de una modernidad y de una actualidad fascinante.

Por momentos me recuerda a los dos Cimarrón. La de Anthony Mann de 1960 y la de Wesley Ruggles de 1931, sobre todo en los viajes, en las escenas de caravanas.

Más que revisitar los tópicos del oeste esta película los crea. La mandadas de bisontes, el cruce del río, las caravanas, la animadversión de varios antagonistas, la solidaridad de los colonos, los exploradores indios... Es un canon de cintas del oeste en ese subgénero que constituye la colonización de las tierras del oeste, especialmente en Oregón.

El reconocido primer papel protagonista de John Wayne, que se desenvuelve perfectamente. No le queda grande el papel, ni mucho menos.

Una película espléndida.

§ 2.742. El fuego y la palabra (Richard Brooks, 1960)

 

Vaya carrera la de Brooks, Impresionante.

Esta es una de sus obras cumbre, un clásico del cine. Con muchas pretensiones, 150 minutos es un metraje sólo para los cineastas muy dotados, y él era uno de ellos.

Esta es una película que debe leerse en su propio contexto, una sociedad muy depauperada, sumamente empobrecida, que ha perdido su hegemonía en el mundo y que necesita algo en lo que creer. La novela de Sinclaer Lewis se publicó en 1926 ya presentía la dureza de la Gran Depresión en unos EE.UU. desencantados, sin llegar a abordar el papel estelar que luego, tras la IIGM, acogió con total intensidad.

La película es demoledora con los charlatanes que usan la religión para lucrarse, pero siempre queda la duda tras su visionado de si no se estará refiriendo a todas las religiones. Al final no sabes muy bien si el espectáculo de la religión es más una empresa, que factura y obtiene dividendos, que un planteamiento ideológico.

A medida que transcurre la película se va acentuando más y más el perfil comercial de la religión, aunque no se aprecia el enriquecimiento de los que mueven los hilos. Pero es evidente que detrás de todo esto hay una respuestas muy clara: el dinero es el motor de todo el tinglado.

Jean Simmons está muy metida en el papel, pero no consigue, ni por asomo, ensombrecer el papelón de Burt Lancaster, magistral como siempre y, en este papel, como nunca.

Es un poco larga, no entiendo la necesidad de superar los 120 minutos, que ya parece suficiente para contar lo que pretende exponer.

§ 2.741. Sonata de otoño (Ingmar Bergman, 1978)

 

Una de las más célebres del último Bergman. Y prácticamente el último éxito de Ingrid Bergman.

Duelo interpretativo entre la más volcánica Ingrid Bergman, y la más 'cold' Liv Ullmann, a ver cuál de las dos mantiene mejor el tono. Una película actoral por encima de todo, en el que el peso recae en las actuaciones, no tanto en el guión, aunque sí en los diálogos, que son un verdadero prodigio, probablemente perfectamente leíbles en un ensayo, quizá mejor en una obra de teatro.

Sentimientos de culpa, represión del verdadero yo, celos y amarguras, sucesos daños enterrados en el pasado, recuerdos dolorosos, madre ausente en la infancia y en la juventud. Otra hija discapacitada, y en la pareja más joven un hijo muerto con cuatro años. Seguramente circunstancias de la vida pero que llevadas a la trivialidad del día a día se muestran dolorosas e incapaces de remontar. Todo un cúmulo de sentimientos que se narran de manera suave, desde el corazón. 

La frialdad de las relaciones personales y sentimentales de los suecos, de los nórdicos en general, probablemente sea una forma peculiar de abordar las situaciones de la vida. Algo alejada de nuestra forma de ver las cosas. Y desde esa frialdad es, probablemente, más difícil abordar algunos problemas, aunque, también probablemente, más fácil acometer otros.

No sé por qué, pero creo que todo el mundo puede recocerse, en parte naturalmente, en las relaciones entre las protagonistas. Hay algo intemporal en ello. Pero la forma tan cruda en que se muestra es desgarradora. Por ello inolvidable, pero aterradoramente veraz.

Me ha parecido soberbia. Absolutamente soberbia.

§ 2.740. Fugitivos del desierto (J. Lee Thompson, 1958)

 

Una de las primeras del bueno de J. Lee, antes de convertirse en una sombra de sí mismo haciendo cintas absolutamente prescindibles y casi paródicas.

Tiene ritmo, densidad y profundidad, buen diálogo y plantea un tema más que interesante, la resistencia al estrés de combate mediante la bebida. A través de ese tema construye la historia, bien narrada, sobria y nítida. Me ha gustado. Este J. Lee es otra cosa. No sé qué le ocurrió o cuándo, pero empezó a perder pie y nunca recuperó la claridad expositiva y narrativa.

Interesante John Mills, muy en el papel de militar británico, alcoholizado, Sylvia Syms es la enfermera. Anthony Quayle es el misterioso personaje sudafricano que se encuentran por el camino, misterioso, orgulloso y algo tenebroso. Por último Harry Andrews en un papel que le queda muy bien. 

Hasta "Los cañones de Navarone" (1961) su carrera era muy interesante, tres muy buenas películas. El éxito descomunal de esta última quizá distorsionó sus pretensiones, su camino, su futuro. A partir de hay alterna obras mediocres y prescindibles, con cintas interesantes pero sin excesiva calidad. El cabo del terror (1962)  y  Una llamada a las doce (1965) son sus dos últimas grandes películas.

§ 2.739. El prisionero de Zenda (Richard Thorpe, 1952)

 

Un "capa y espada" algo moderno, pero con verdadero espíritu "espadachín". Nobleza, belleza, impostura, y engaño. Cine, en resumidas cuentas.

El reparto es escandaloso: Stewart Granger, un magnífico actor que se encasilló en este tipo de papeles, que los borda. James Mason, un auténtico todo terreno, capaz de interpretar cualquier papel. Una guapísima Deborah Kerr, algo hierática y poco natural, con falta de expresividad, y una entre atractiva y misteriosa Jane Greer, con un par de secundarios: Lewis Stone, y Louis Calhern.

Me ha gustado. No es la mejor de 'capa y espada' pero se ve con deleite y diversión.

Algo hierática he visto a Deborah Kerr, y también a Jane Greer. No sé si es el tipo de película, o sus propias dotes interpretativas, porque ambas actrices tiene películas soberbias, con una carga actoral tremenda.

§ 2.738 Otra mujer (Woody Allen, 1988)

 

Una de las viajes de Allen a la intimidad. Relaciones adultas, amores sobreentendidos, sentimientos de culpa, mirada hacia atrás de la propia vida, relaciones pasadas y oportunidades perdidas.

A lo mejor lo deseable en esta vida es no engañarse a uno mismo, nunca, bajo ninguna circunstancia. Porque si lo haces, antes o después vas a tener enfrentarte con la realidad.

El reparto es extraordinario: Gena Rowlands, que está soberbia, como siempre, Gene Hackman en sus mejores años, Mia Farrow,  que parece que está de comparsa y el sólido y siempre eficaz Ian Holm. Allen no tiene papel, como suele ser habitual en esa época.

De las de Allen me gustan más estos dramas de aquellos años que las comedias de situación de las que abusa recientemente. Es mejor rodando emociones introspectivas que las comedias vertiginosas y llenas de ritmo que parece ser su sello actual. Es difícil, por otro lado, encontrar un cineasta que sepa combinar con tanta soltura y energía estos dos mundos tan diferentes entre sí.

§ 2.737. Piggy Banks (Morgan J. Freeman, 2005)

 

En la estela de "Asesinos natos" y otras 'obras' de culto a la extrema violencia. No sé muy bien a dónde va, ni tampoco entretiene demasiado. No me parece excesivamente buena. 

No es el actor, aunque tiene el mismo nombre. Tiene varias películas y, al parecer, la primera de ellas es bastante célebre, con premios del cine independiente americano.

La psicopatía juvenil ensalzada, aunque sea indirectamente, como vehículo para contar una historia. Hay algo que no cuadra. La belleza de los hermanos, la naturalidad humana con la que se mueven y comportan y los sentimientos humanos que tienen. Quizá sea eso, precisamente, lo que quiere mostrar el director. Que el asesinato puede albergarse en cualquier lugar, anidar en cualquier persona. No me parece ni siquiera interesante.

§ 2.736. 2001: Una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968)

 
 Pues me pasa con esta película como con muchas consideradas obras maestras del cine. Que siendo una gran obra, gustándome mucho no es, para mi, una cinta maravillosa. Es buen cinta, con esas elipsis del mono y el monolito, la máquina que habla en la estación espacial, la iconografía y demás, pero me gustan más las películas de actores, y me aburre esa insistencia en los bucles de luz y sonido que martirizan la trama.

Qué es una obra singular, a qué dudar!!! Que pertenece a las cien mejores películas de la historia del cine, probablemente. Aunque, en mi caso, la pondría de las últimas, y, desde luego, hay mejores películas de Kubrick, casi todas menos las dos últimas que no son propias de un genio, sino de un mediocre, especialmente la última...
   Que me parezcan obras de arte, sin duda: El beso del asesino (1955); Atraco perfecto (1956); Espartaco (1960), Lolita (1962),  Barry Lyndon (1975) y El resplandor (1980)
     Sé que con estas afirmaciones estoy proscrito en el reino de lo políticamente correcto, pero qué le vamos a hacer!!! No digo, entiéndaseme bien, qué no sea una película magnífica, estupenda y de las que crea escuela, que lo es. Digo que a mi me gustan más otro tipo de películas, nada más. Mi gusto no es el de un crítico, sin más, es el de un aficionado al cine, sin pretensiones.

§ 2.735. Tirad sobre el pianista (Francois Truffaut, 1960)

 

Reconocida como una gran película de cine negro europeo la veo desde el escepticismo. De Fruffaut he visto: Los 400 golpes (1959), que me pareció un pestiño, insufrible y excesivamente sobrevalorada, y La noche americana (1973), que me pareció una obra de arte sin ningún género de dudas. 

En el libro de cine negro que manejo es la única película que me falta, tenía ganas de verla, pero no sé muy bien si el neorealismo como técnica se acomoda bien a las tramas y a la estética del cine negro. No sé cómo va a salir el experimento. Pero las pretensiones del cine de la Nouvege vague parecen casar mejor con planteamientos sociales, interesa colectivos y reivindicaciones políticas.

Aunque no lo parezca el cine negro tiene algo de idealista, de lo que nos gustaría ser, de lo que no nos atrevemos a ser. Y en esta película no hay nada que queramos ser, no nos queremos parecer a nadie de ella. Ningún comportamiento puede ser emulado. Los protagonistas están llenos de dudas, de angustias provocadas por su forma de ser. Carecen de seguridad en sí mismos y no tienen ni la presencia ni la compostura de los roles que se defienden en las grandes obras de cine negro.

Me ha gustado mucho Charles Aznavour. Las tres mujeres son: Marie Dubois, Nicole Berger y Michèle Mercier. No las recuerdo con un papel protagónico en ninguna cinta.

No me ha gustado. No es el tipo de cine que me gusta. No estoy diciendo que sea una mala película. Digo que a mi no me gusta. Sin más.

§ 2.734. Escuadrón de combate (Raoul Walsh, 1948)

 Interesante propuesta, con esos tintes propagandísticas que inevitablemente tiene que compararse con las de aviones de Howard Hawks: Águilas heroicas (1936), Sólo los ángeles tienen alas (1939) y El bombardero heroico (1943). Todas estas cintas me recuerdan a Almas en la hoguera (Henry King, 1949), que me ha encantado las dos o tres veces que la he visto.
Esta tiene menos fuerza, menos drama. Siendo interesante no tiene la lucidez dramática de aquellas, ni mucho menos. Las imágenes documentales le dan credibilidad y cercanía. Y los actores no funcionan mal, pero esperaba algo mejor. Edmond O'Brien está como siempre, cumpliendo. Robert Stack también está decente y potable. Los créditos acreditan a Rock Hudson en la cinta. 
Creía que era mejor película. Es entretenida, se deja ver y es "disfrutona", pero no entra de lleno entre las mejores 25 películas de Walsh, que le veo fuera de lugar en este tipo de películas. El oeste es su territorio más prolífico y el que mejor se expresa.

§ 2.733. Cheyenne (Raoul Walsh, 1947)

 

Simpática película del oeste. Carruajes, pistoleros, jugadores de cartas, viajes, tiros, malos y buenos... Una trama como las de siempre con gran ambientación, con un resultado mejorable. No es de las mejores de Walsh, ni mucho menos. Es, por así decirlo, una obra menor en la excelente filmografía de Walsh.

Dos actores muy conocidos le sirven al director para montar la obra: Dennis Morgan y Jane Wyman, con un conjunto de secundarios, probablemente a sueldo del estudio (Arthur Kennedy es quizá el más conocido), le sirven para montar una película. Es un genio, un absoluto genio.

Para mi este es el año Walsh, me quedan por ver 5 ó 6 suyas de todas aquellas que se pueden comprar y no están descatalogadas.

Por mis cuentas Walsh rodó a su nombre 85 películas de 1915 a 1964, de las cuales tengo 32 solamente, pero las primeras 38 no he conseguido encontrarlas, desde el 1915 hasta 1938, a excepción de tres o cuatro. No está bien editada la filmografía de Walsh, ni mucho menos. En España quiero decir, seguro que en EE.UU. sí lo está.

§ 2.732. El desconocido del tercer piso (Boris Ingster, 1940)

 

Me ha encantado. Me parece una joya escondida. La hubiera podido firmar Lang, sin ninguna duda. Si en vez de John McGuire, para el protagonista lo hubiera filmado un actor más consagrado, estaríamos hablando de una verdadera obra de arte del cine 

negro. En las voces en off se nota que no tiene el registro adecuado. 

Al parecer es una de las primeras películas de cine negro, empleando los claroscuros, los contrapicados en los planos, las voces en off, las sombras de las rejas en las paredes, la sordidez del ambiente, el alcohol y las timbas de poker de los periodistas, etc.

También interviene Margaret Tallichet, luego mujer de William Wyler, en una de sus últimas películas en la carrera cinematográfica, más tarde dedicada a su marido, y el absolutamente reconocible por el público Peter Lorre, en uno de esos papeles entre marginado y delincuente.

Tiene un punto Kafka muy interesante. Si te dicen que esta película está firmada por Fritz Lang no detectas que no es así.

§ 2.731. La centinela (Michael Winner, 1977)

 

Me ha sorprendido. Gratamente además. Pertenece a esa moda de películas de miedo con gran empaque, reparto estelar, bien trabajadas y con un fondo religioso que le proporciona la cobertura necesaria para ambientarla en una realidad cotidiana, principalmente la trilogía compuesta por: La profecía (Richard Donner, 1976), La maldición de Damien (Don Taylor y Mike Hodges, 1978), El final de Damien (Graham Baker, 1981).

La trama es excelente, el guión está muy trabajador y el reparto es espectacular: Cristina Raines, Chris Sarandon, Burgess Meredith, Arthur Kennedy, Ava Gardner, Eli Wallach, Martin Balsam, John Carradine, José Ferrer, Jeff Goldblum, Christopher Walken, y Tom Berenger entre otros menos conocidos para mi. Algunas de esas estrellas no intervienen en más que un par de escenas. Supongo que con una buena labor de montaje y organización de las tomas puede conseguirse. No es la primera vez que se hace así en películas de gran presupuesto, pero no sé si se hecho antes en una de miedo.

Sin embargo no tiene la fuerza de "La profecía", que es realmente una película estupenda.

A medida que pasa el metraje vas descubriendo que tiene algo que no cuadra, que no encaja, que hace que no sea mejor cinta. El desarrollo de la historia camina por el camino previsible, pero el terror o el miedo no se desarrolla acompasándose con la trama. Parece impostado, pegado. Además las visiones retrospectivas no están demasiado bien explicadas, no se sabe si sufre por miedo al sexo, por padecimientos infantiles, por experiencias traumáticas de la infancia. 

Tiene mejor pretensión que desarrollo. Una buena presentación que va derivado, poco a poco, en una cinta algo convencional y un poco aburrida. Quizá le sobra algo de metraje, o le falta desarrollo contextual. No lo sé. Pero la primera media hora sí me ha gustado y luego se ha ido diluyendo poco a poco, sin llegar a saber cuál es el fondo de la trama, qué anida en la protagonista, por qué le ocurren las cosas que le ocurren.

§ 2.730. - Historia de un condenado (Raoul Walsh, 1953)

 

La película tiene una épica absolutamente magnífica, rodeada de una guión y una música que acompaña toda la historia con una fuerza y una pasión realmente estupenda. Me ha encantado. pero no tiene mucho mérito. Walsh es una de mis debilidades.

No veo a Rock Hudson en el papel de un vaquero. En realidad sólo le veo en su papel en las cintas de Douglas Sirk, con quien fue, verdaderamente, una auténtica estrella.

La cinta se ve perfectamente, con un color estupendo. El sonido es magnífico, y el resultado final muy apetecible. 

§ 2.729. Beau Geste (William A. Wellman, 1939)

Qué cosa más bonita de película, por favor. Todavía hay cintas que emocionan nada más verlas, de principio a fin, recordándose por mucho tiempo. 
Aventuras, amores, paisajes evocadores, juventud y madurez, honor...

Reparto de auténtico lujo: Gary Cooper, Ray Milland, Robert Preston, Susan Hayward, Broderick Crawford, y Brian Donlevy. Cualquiera de ellos por sí mismo podría llevar todo el reparto de cualquier película del cine clásico de Hollywood. Pocas veces hay tanto talento reunido alrededor de una idea.

El guión es de Robert Carson, sobre una novela de P. C. Wren, que, al parecer, ha tenido hasta tres versiones diferentes, una de 1926, ésta, y otra de 1966.

Es una película redonda, redonda de verdad. Da gusto verla. Ya no se hacen películas así, tiene razón José Luis Garci cuando mantiene y razona esa teoría.

§ 2.728. Ciudad de ladrones (Ben Affleck, 2010)

 

Convencional película de robos bajo la dirección de un Ben Affleck que todavía daría lo mejor de sí mismo en otras cintas. Bien planteada, bien desarrollada, pero algo plana. 

No es demasiado creíble la historia de amor que pretende el protagonista con la chica. Es demasiado artificial, algo empalagosa y excesivamente ficticia. La chica se llama Rebecca Hall

Dos horas son muchos minutos de cine que hay que rellenar con inteligencia y capacidad. Y Affleck en esta película todavía no tenía ese genio.

Las escenas de acción funcionan bien, pero no son excesivamente originales. Es entretenida, sierva para pasar el rato, pero poco más. Quizá es la peor película de él como director.

§ 2.727. Tenet (Christopher Nolan, 2020)

Viajes en el tiempo, espionaje, balas invertidas, Tenet y la confusión tradicional en Nolan, que a veces se aclara durante la película y otras veces no.

Es entretenida en su complejidad. Pero abrumadora. Creo que Nolan siempre pretenden hacer una película gigante, sin dejarse nada, "a por todas", dejando en cada cinta todo lo que sabe.  Supongo que con los años mesurará sus pretensiones e intentará hacer películas más modestas, pequeñas y serenas.

John David Washington, el hijo de Denzel, hace bien su papel, aunque quizá le quede un poco grande el papel, demasiada acción. Robert Pattinson también funciona bien. Elizabeth Debicki es la chica y su fragilidad se aprecia claramente, siendo ésta su mayor baza. Kenneth Branagh es un gran actor, con recursos propios y una carrera  llena de grandes actuaciones, dirección mediante en algunas.

Al final queda como una película de super acción, un block, un éxito de las taquillas.

Me parece normalita. En realidad todo Nolan me parece un poco sobrevalorado. Un director que está por encima, según él cree de sí mismo, por encima de la media, rozando la genialidad. Pero a mi me parece que está excesivamente arrogante y, como he dicho ya, un poco pretencioso.

§ 2.726. El señor de la guerra (Franklin. J. Schaffner, 1965)

Interesante, como todas las de Schaffner, un director que tienes obras espléndidas: El planeta de los simios (1968), Patton (1970), Papillon (1973) y Los niños del Brasil (1978) pueden considerarse películas muy míticas de los setenta, su década prodigiosa.

Ésta quizá no sea tan potente como las citadas, pero desde luego es muy buena. El ambiente medieval está muy bien conseguido, las supersticiones, la brujería, el catolicismo, los castillos, etc. El romanticismo no tiene lugar en esta historia, sobra a mi juicio, pues no tiene la fuerza suficiente para construir por sí misma la trama y sin embargo, de alguna manera, da corporeidad a la historia.

Me ha gustado mucho la música, que es de Jerome Moross.

Charlton Heston está en ese punto entre hierático e histrionico, pero en su papel. Siempre en su papel. Me ha gustado mucho Richard Boone, realmente magnífico. La chica es Rosemary Forsyth, para mi desconocida.

Interesante, bien rodad y digna de verse. Me ha gustado.

 

§ 2.725. El diabólico señor Benton (Andrew L. Stone, 1956)

 

Drama personal de una mujer adulta que pasa de ser una mera sospecha a una realidad palpable. Un thriller claustrofóbico, bien llevado y basado sobre todo en el drama y la angustia. 
Es la segunda película reciente que veo de Doris Day de tono dramático. Y, la verdad, me parece una actriz magnífica. Con energía, fuerza y potencia. No le van nada mal el drama. Parece moverse con soltura, con suficiencia. Se desenvuelve bien. 

Algún hueco tremendo en el guión hacen que la película parezca una sucesión de anécdotas. 

A Louis Jourdan parece quedarle grande el papel. Sin embargo  Barry Sullivan hace muy bien su papel. El policía es Frank Lovejoy, un clásico en estos papeles.

La temática general de la cinta es de una modernidad sorprendente. No se ha avanzado tanto en la protección de las mujeres víctimas de violencia conyugal.

§ 2.724. El resplandor (Stanley Kubrick, 1980)

Es la quinta, o quizá sexta vez que la veo. Y siempre me sorprende, cada vez más. Es un terror muy profundo, no es de esos 'gore' de sustos y episodios peculiares. Tiene algo que otras de su género no tienen: contenido, profundidad, análisis, desarrollo, empaque.

No causa tanto miedo como la primera vez que la ves, pero, sin lugar a dudas, sigue aterrando.

Magnífica cinta, que tiene muchas más lecturas de las que parece.

§ 2.723. América, América (Elia Kazan, 1963)

 
Retrato autobiográfico del propio Kazan, nacido turco, con sangre griega, emigrado a América y lleno de contradicciones, como probablemente le ocurre a todos los grandes creadores, y de tensiones interiores. Siempre me han gustado mucho sus películas, algunas verdaderas obras maestras del cine, especialmente la trilogía compuesta por: Un tranvía llamado deseo (1951), Viva Zapata (1952) y La ley del silencio (1954), tres verdaderas cumbres del cine, cada una por un motivo.
Los actores son desconocidos, al parecer empleó como guión su propia obra literaria, y pretende ser una explicación a su propia condición de emigrante.
Es una película larga, demasiado, y sin demasiadas concesiones a la taquilla o al cine comercial. 160 minutos son demasiados, sobre todo para este tipo de cine, semi experimental. Se hace larga.
Que sea en blanco y negro, con actores no profesionales, con planos largos y con un sentido abandono de la espectacularidad la alejan naturalmente del cine comercial. Es, probablemente, su película más dura de ver, también, supongo, la que más le costó rodar. No hay ni una sola concesión, todo es como quiso el director que fuese, dura, seca, real y muy amarga.
Me ha gustado por momentos, pero en términos generales, considerándola una gran película, me ha defraudado un poco. Últimamente me sobra metraje en todas las películas que veo, pero en esta es una auténtica evidencia.

§ 2.722. Puro vicio (Paul Thomas Anderson, 2014)

 

Una película rara, como todas las de Anderson. Ninguna de las tres que he visto me han acabado de agradar del todo, ni siquiera "Pozos de ambición", probablemente la mejor de ellas. Esta es de una complejidad innecesaria, completamente innecesaria, hasta el punto de que por momentos no camina en ninguna dirección. No es que tenga varias lecturas, o que pueda jugarse con la interpretación del espectador. Tiene colorido, gracias, pero poco más... Sencillamente no es mi cine. El guión es insufrible, con intervenciones de personajes que complican muchísimo tanto el seguimiento de la trama como el resultado final de la historia.

Me ha gustado mucho Joaquin Phoenix, me parece un actor extremadamente versátil, pero este tipo de papeles le van que ni pintado. Ese punto de histeria, de adrenalina y desquicie mental propio de las drogas y el abuso del alcohol. 

§ 2.721. Hermanos ante el peligro (Budd Boetticher, 1952)

Me gusta Boetticher, es sencillo pero efectivo. Narra lo que quiere, sin complicaciones y de forma directa, rápida y sincera. 

Una historia llena de dramatismo, ardor guerrero, control sobre uno mismo y generosidad heroica. Al parecer es una historia bastante real, relacionada con la necesidad de contactar con el General Patton en el centro de Francia para hacerle llegar material de logística, provisiones, gasolina, etc. El éxito del avance dependía de la capacidad de este contingente de hacer cumplir su tarea, nada fácil.

Un blanco y negro que se ve muy bien y unos subtítulos muy claro, en un color amarillo que no destaca demasiado del fondo pero que se aprecian perfectamente. Demasiados diálogos, hay VOSE que se siguen mejor al tener menos diálogos, no es el caso de esta.

Me ha gustado mucho Jeff Chandler, ya gran estrella del cine. ES una de las primeras intervenciones de Sidney Poitier.

§ 2.720. La vida de los otros (Florian Henckel Von Donnersmark, 2006)

 

Pues la tenía en cartera desde hace años. Y siempre he postergado su visionado, porque le tenía verdadera manía. Me parecía un tema pueril, algo alejado de mis intereses. Y, la verdad, me ha parecido magnífica, perfectamente rodada, con tensión, ritmo y, sobre todo, descubriendo un mundo fascinante que aunque sí teníamos algo intuitivo de conocimiento sobre él no podíamos imaginar cómo se hacían esas cosas. 

Es demoledora, absolutamente atrayente, y muy instructiva. 

Tiene varias lectura, la obvia del control policial y militar, la historia de depravación del ministro con la novia del dramaturgo,  la sospecha de este sobre el comportamiento de la novia, el comportamiento absolutamente salvaje del ministro, tanto hacia la chica como hacia sus propios compañeros de partido y conciudadano, y, sobre todo, la transformación del vigilante, que va experimentando, poco a poco, un malestar por lo que hace y una liberación al jugar con la idea de una traición.

Me ha gustado muchísimo, la verdad.

§ 2.719. La dama de Trinidad (Vincent Sherman, 1952)

 

Intentar repetir el éxito de Gilda (Charles Vidor, 1946) con la pareja de artistas que hicieron aquella obra de arte no es ni fácil ni siquiera posible.

Tiene algo la cinta, esa belleza racial de Rita y la elegancia varonil de Ford hacen el camino de la cinta.

Un artesano de la industria, Sherman tiene películas interesantes de profundidad y hondura, entretenidas y apetecibles.

El contexto de cine negro está muy bien tratado, con una narración típica del género. Una justificación, un delito, una actuación fuera de lugar, una venganza y una redención. Guión más que razonable, diálogos bien trazados, un ambiente exótico que colorea toda la cinta y un metraje civilizado.

Me ha gustado, no siendo una obra de arte, ni mucho menos.

§ 2.718. La invasión de los ladrones de cuerpos (Don Siegel, 1956)

Es la tercera, quizá cuarta, vez que la veo. Y me sigue pareciendo una película magnífica. Innovadora, procaz, algo sucia, con un relato incluso político o electoral.

No ha ni una escena gore, todo es tan cual, real y aterrador. Todo el clásico de la Cifi. Me ha encantado. Es mejor que el Remake, de Kaufman, que la vi primero y también me parece una cinta estupenda.

No se explica cuál es la razón de las vainas, ni por qué aparecen, ni qué ocurre con el huésped original, ni cuál es la intención de su formación... Y eso es lo aterrador.

§ 2.717. La horca puede esperar (John Huston, 1969)

Una comedia de calidad. De un director magnífico, del que tengo todas sus cintas. Es la segunda vez que la veo, y, la verdad, me ha gustado muchísimo más en este visionado que en el anterior. Un extraordinario John Hurt. Rodada en exteriores preciosos, la luz es oscura y enigmática, los personajes divertidos y expresivos, el resultado final: gran película minusvalorada en la filmografía de Huston.

§ 2.716. Quiéreme o déjame (Charles Vidor, 1955)

 
Ni por un momento dudaba de la capacidad dramática de James Cagney, es mucho mejor actor de lo que el encasillamiento habitual de Hollywood presagiaba. Se puede considerar uno de los mejores actores del cine. Sin embargo lo que me ha sorprendido gratamente es Doris Day. Manifiesta una fisicidad absolutamente rotunda, mucho más guapa que en esas comedias de mediados de los sesenta y setenta en que representaba el papel de abnegada madre de familia preocupada por cosas triviales en comedias ligeras (inolvidable sus papeles con Rock Hudson). Tiene empaque, cuerpo (al lado de Gagney mucho más, claro) y una cara muy dulce. Me parece que borda el papel, y seguramente canta verdaderamente las canciones ella misma. También baila estupendamente.
Cameron Mitchell es el pianista, siempre en segundo plano pero con creciente importancia a lo largo de la cinta. Presenta el contrapunto al mafioso, un hombre sereno y delicado, verdaderamente enamorado de ella.

Biopic de la cantante Ruth Etting, activa en los años cuarenta que se casó con un mafiosillo dedicado al negocio de las lavanderías llamado Moe Snyder que la encumbró y le dio todas las oportunidades para triunfar en el mundo de la canción, la radio, los bodeviles. ¿Qué podía salir mal? Todo... disparos, juicios, 

Me recuerda ligeramente a "Chicago, años 30" (Nicholas Ray, 1958), aunque la de Ray es infinitamente mejor. De hecho es una de mis películas favoritas.

§ 2.715. Tempestad sobre el Nilo (Zoltan Korda y Terence Young, 1955)

 

Interesante propuesta. No he visto "Las cuatro plumas", que es la original sobre la que se edificó este remake.

Es una de las primeras películas de Laurence Harvey, que tiene est punto teatral tan apreciado en los actores ingleses. Sobrio, elegante, varonil sin ser empalagoso.

La cinta es una mezcla de película de guerra / aventuras, y amor, reflexiones sobre la vida y el amor, sobre la cobardía y el valor, sobre la hombría. Y, sobre todo, de la redención y el perdón en la realización de actos heroicos que no han sido solicitados, ni siquiera por las mentes más calenturientas. Es, se mire como se mire, una forma muy extraña de rendir honor a sí mismo, y que tampoco creo que tenga demasiado sentido para la sociedad o para las personas que supuestamente has agraviado. El honor del Siglo XIX, clasista y ritual, fuera de la lógica actual en todo caso.

Tiene esa perspectiva clásica, de grandes obras, de gran perspectiva, con un guión estupendo, y, sobre todo, con unos diálogos verdaderamente estupendos.