§ 4.196. Pajaritos y pajarracos (Pier Paolo Pasolini, 1966)

No entiendo nada. Qué pinta Pasolini rodando una comedia. Entre un realismo optimista y una cierta crítica social muestra el día a día de un viaje (¿iniciático?) de un padre y un hijo en una ciudad de provincias de la Italia post IIGM. Pero no se dice, ni puede deducirse, ni a dónde van, ni de dónde vienen. Rodean las ciudades, para seguir caminando. 
Los diálogos pueden tener algún aspecto afilado que no soy capaz de apreciar, pero no me parece nada evidente.
Algunos aspectos de surrealismo, conversaciones sin demasiado sentido desde la lógica de la sensatez cinematográfica. 
Pero claro, Pasolini no es la expresión más ortodoxa de cine clásico.
Venía de rodar El evangelio según San Mateo, que es una obra muy mayor, una obra verdaderamente brillante. ¿Y rueda esto?, ¿Por qué?, ¿Para qué? No es irreverente, tampoco satírica, no es sexual ni erótica. Es una comedia de la que no creo que él estuviera muy contento. No soy especialista en él, pero no tiene absolutamente nada que ver con nada que  haya visto suyo. Cuervos que hablan, Santos que se les aparecen.
¿Qué significa que las calles tengan nombre abstractos?, y cuando hablan con el cuervo, éste les dice que vive en la calle Carlos Marx y que viene en la ciudad de la prosperidad.
El cuervo (podría haber elegido otro animal más cómodo) es un pensador marxista, idealista y bienintencionado que realiza una lectura de la realidad desde el punto de vista patológico que supone la lucha de clase y toda la parafernalia ideológica al uso. 
Los monjes hablan de necesidades más primarias, más tangibles.
Se rodea, por tanto, de dos de sus más queridas y amadas obsesiones intelectuales: la religión y el comunismo.
El tratamiento como si fuera una comedia medieval, pero narrada en un todo de comedia absurda sólo se ve porque es de su director. Esto te lo filma un estudiante mediocre que cualquier escuela de cinematografía del mundo y estoy convencido que lo considera totalmente prescindible.
Sí es cierto, no obstante, que la técnica está my depurada. Los planos, los encuadres, los movimientos de cámara, etc. La fotografía es espléndida y los diálogos se escuchan perfectamente. La producción tiene calidad, se vea cómo se vea. Pero la mezcla de estilos y el acomodo de éstos con el propósito del director no está bien conseguido. No es comedia, pero lo pretende; no es una reflexión introspectiva (tipo Bergman) sobre la vida, el futuro, las relaciones o cualquier otra circunstancia de la vida; no es una sátira, ni una reflexión surrealista. 
Quizá quiera ser demasiadas cosas.
Fracaso mayúsculo en taquilla. Por más que pueda defenderse es una cinta que únicamente se ve por ser de quién es.
Me surge la duda de si el cuervo no es una proyección del propio Pier Paolo y si su papel de intelectual para los demás no es el que jugaba Pasolini en la sociedad.
Pero no deja ser irónico que tanto el cuervo como el director hayan fracasado. El animal en conseguir transmitir su credo ideológico. El director en hacer una película decente.

§ 4.195. Viudas del Jazz (Archie Mayo, 1942)

Una película musical de jazz. Todo ello es jazz, el de las grandes orquestas, la del gran Glenn Miller, que es la base musical de la historias. Pero vamos, no le llamamos swing porque es un ‘tipo’ de Jazz, y porque probablemente es más sonoro y llamativo título.
Pero tampoco hay viudas en sentido estricto. Son mujeres desatendidas por el oficio y el trabajo de sus maridos, pero no son viudas.
Total, que el título debería haber sido “Las mujeres del Swing”, pero vamos, no nos  pongamos quisquillosos.
No deja de sonar música en toda la cinta. En realidad podría considerarse musical.
Una historia de amor recorre la cinta, casi como excusa argumental para que suene la música.
Aunque los créditos no lo especifiquen toda la música es de Miller. 
Las escenas de música están muy bien rodadas, da gusto ver a la trompeta de pistones funcionar y toda la orquesta contestar, a veces al completo, otras sólo los saxos. Es una película para ver la música.
Sobre la vida de Glenn Miller hay que ver Risas y lágrimas (Anthony Mann, 1953) con el gran Jimmy Steward a los mandos. Una película mejor que esta, aunque la recuerdo demasiado acaramelada.
Una más, sin más.

§ 4.194. Vivir un instante (Tulio Demicheli, 1951)

 

Segunda cinta de Demicheli. Rodada en Argentina, su tierra natal.

Dramática, trágica, con esa fatalidad del cine negro argentino, que sirva más que para contar alegrías para contar negruras, tristezas, amarguras. Basada en sentimientos malsanos, la venganza, el rencor, los desplantes amorosos, la posesión de la mujer, el dinero ganado ilícitamente, el contrabando, el valor escaso de la vida.
Todo envuelto en una estética “americana negra”, influjo indudable del clásico de Hollywood.
Tita Merello, Alberto Closas y Eduardo Cuitiño son los actores principales.
Temática muy avanzada para la época, comprometida y difícil. 
 Rodar una historia de amor en medio de una trama clandestina de tráfico de personas no es sencillo.
La copia se ve regular, y la música es sumamente intrusiva, no permite un minuto de descanso, incluso en los diálogos mantiene un tono acusado de histrionismo.
Me ha gustado. Menos que “Arrabalera” que era su primera película, pero hay algo interesante en ella.
El personaje femenino de Tita Merello es todo un torrente emocional, una bestia contenida por las costuras de la convención social. Estoy convencido que era todo un personaje, toda una mujer de raza, libre y salvaje. Además tiene esa guapura de las mujeres altas, huesudas, bien formas, bien comidas en la infancia, bien tratadas por la vida. Además tiene un tono de voz de lo más característico. Toda una racionalidad.

§ 4.193. Una canción por Berlín (Jesús Franco, 1989)

Me ha sorprendido. Y mucho. Pensaba que Franco a estas alturas de su filmografía ya estaría totalmente descocado. Y no. Esta cinta se aleja bastante de lo que se supone que era esa etapa suya de desparrame, desnudos y sexo casposo por doquier.
Tiene un guión más que razonable, a cargo del propio Franco en colaboración con Georges Friedland, cineasta para mi desconocido que entre dirección guión y montaje está acreditado en trece producciones.
Un reparto encabezado por el celebérrimo Christoper Lee, al que acompaña Ramón Estevez (hijo de Martin Sheen, y hermano de Emilio y “Sky Walker”, el actor Mark Hamill, un actor al que jamás me hubiera imaginado en una película de Franco. Qué cosas.
La chica es Alexandra Ehrlich, que sólo hizo dos películas. Y actúa Teresa Gimpera, una grande del cine español, una grande del cine.
La trama se plantea con energía, con sabiduría, con tino. Pero la cinta naufraga un tanto en su tramo medio. Repite la estructura argumental, innova poco e intenta sostenerse en el encanto inexistente de la chica.
Pero mantiene su dignidad, su calidad y presencia. 
Me ha gustado mucho. Especialmente la evolución del personajes femenino. Cándida al principio, mujer empoderada luego, ¿Nazi convencida más tarde?
La tensión dramática entre los antagonistas ante el amor de la chica nunca está del todo bien desarrollado. Se plante bien en el lenguaje cinematográfico: el baile, la llegada del militar con su traje, las diferentes conversaciones que tienen por separado con la chica, etc. 
La cinta emplea metraje de otras producciones (¿documentales?) para organizar las escenas de guerra.
Las escenas de Lee con Gimpera son muy interesantes. Hay una especie de amor entre ellos imposible de llevarse a cabo, por muchas razones, entre ellas la “racial”, pues ella es judía. Pero es el fiel dramático que hace que Lee empiece a dudar de su fidelidad a la causa Nazi.
Buen guión, bien trazada, bien narrada. No parece pertenecer a esta última etapa de Franco, caracterizada por el cine de explotación.

§ 4.192. La mirada del silencio (Joshua Oppenheimer, 2014)

 Durísimo documental, que me gustaría más ver en una clase de Derecho que en mi casa por la noche para relajarme. 

 

§ 4.191. Jack el destripador (Jesús Franco, 1976)

Pues estamos en presencia de una buena película de Jess Franco. Una de su s últimas buenas películas. Bien rodada, con tino, con un guión bien estructurado a cargo de él mismo, una música que acompaña sin entrometerse (de Walter Baumgartner), en escenario cuidado y trabajado, una producción inteligente y una actores bien elegidos y dirigidos. Con un Klaus Kinski en estado de gracias, contento y firme, al que acompaña Josephine Chaplin (hija del celebérrimo actor y Oona O’Neill y hermana de Geraldine). Interviene Lina Romay, y no sé si sería su primera película con él, a lo mejor no es la primera, pero, desde luego, es una de las primeras.
Escenas potentes, buenos colores, bien trazada la trama e interesante el desempeño policial. Una cinta verdaderamente buena. 
Es interesante la perspectiva que aporta sobre la posible identidad del destripador: un médico atormentado por el recuerdo de su madre prostituta que le maltrataba, de ahí sus obsesiones con las mujeres y singularmente con las prostitutas. 

§ 4.190. Los caballeros blancos (Joachim Lafosse, 2015)

 Una epopeya moderna, una “aventura” de tintes humanitarios que hace que te preguntes para qué sirven este tipo de organizaciones y si no es intentar vaciar una piscina olímpica con un vaso de cristal.
No creo en la bondad de la gente, nunca he creído en los buenos sentimientos. He sentido verdadera aprensión frente a aquellos que muestran sus sentimientos en público de manera tan obscena como, seguramente, interesada. 
Y siempre sospecho que hay algo oculto, oscuro, maligno en esas muestras espontáneas de bondad, desinterés y humanidad gratuita. Pero vamos, tampoco creo en la política, ni en el sindicalismo. Creo en el egoísmo natural de la gente. 
Y esta película pilota sobre la bondad de una solución que me parece salvaje y desproporcionada: secuestra a niños de menos de cinco años (huérfanos, es cierto) para sacarlos de su país y entregarlos a familias francesas (seguramente riquísimas) para que los tutelen y adopten. Todavía me acuerdo del profunda aprensión que me produjo la lectura de la STEDH sobre la esclavitud de niñas sudanesas a manos de europeos bienpensantes y adinerados. 
La premisa de la película no funciona. Quiere mostrar cómo saludable algo intrínsecamente malvado. Y más que “caballeros” yo los considero “piratas”.
Pero el director acepta una perspectiva diferente. Pretende mostrar el desánimo que experimenta la expedición cuando los planes no salen bien desde el principio, así cómo las consecuencias que para los trabajadores de la ONG tuvo el fracaso de sus planes. No toma partido, pero deja que el espectador se forme una visión del conflicto desde una única perspectiva.
Es una aberración. Pero he visto muchas en el cine. Una más no importaría si la película fuese buena. Pero tampoco es una cinta brillante.