§ 4.190. Los caballeros blancos (Joachim Lafosse, 2015)

 Una epopeya moderna, una “aventura” de tintes humanitarios que hace que te preguntes para qué sirven este tipo de organizaciones y si no es intentar vaciar una piscina olímpica con un vaso de cristal.
No creo en la bondad de la gente, nunca he creído en los buenos sentimientos. He sentido verdadera aprensión frente a aquellos que muestran sus sentimientos en público de manera tan obscena como, seguramente, interesada. 
Y siempre sospecho que hay algo oculto, oscuro, maligno en esas muestras espontáneas de bondad, desinterés y humanidad gratuita. Pero vamos, tampoco creo en la política, ni en el sindicalismo. Creo en el egoísmo natural de la gente. 
Y esta película pilota sobre la bondad de una solución que me parece salvaje y desproporcionada: secuestra a niños de menos de cinco años (huérfanos, es cierto) para sacarlos de su país y entregarlos a familias francesas (seguramente riquísimas) para que los tutelen y adopten. Todavía me acuerdo del profunda aprensión que me produjo la lectura de la STEDH sobre la esclavitud de niñas sudanesas a manos de europeos bienpensantes y adinerados. 
La premisa de la película no funciona. Quiere mostrar cómo saludable algo intrínsecamente malvado. Y más que “caballeros” yo los considero “piratas”.
Pero el director acepta una perspectiva diferente. Pretende mostrar el desánimo que experimenta la expedición cuando los planes no salen bien desde el principio, así cómo las consecuencias que para los trabajadores de la ONG tuvo el fracaso de sus planes. No toma partido, pero deja que el espectador se forme una visión del conflicto desde una única perspectiva.
Es una aberración. Pero he visto muchas en el cine. Una más no importaría si la película fuese buena. Pero tampoco es una cinta brillante.

§ 4.189. Mil ojos del asesino (Juan Bosch Palau, 1974)

Propuesta internacional de un director interesante, que hizo cosas divertidas aunque nada personales. Un director más, del montón. De un tiempo concreto y determinado. 
La cinta puede tener un “pase”, pero está acelerada, los personajes se mueven con excesiva determinación, con movimientos impulsivos, con una cierta “neuroticidad”. No son rápidos, no tienen prisa, están desacompasados. Les falta todo aquello que un actor debe tener: pausa, relax, tranquilidad, temple, oportunidad, saber estar.
Anthony Steffen es el reclamo principal. Actor brasileño de mirada de acero azul, muy característico en películas del Oeste españolas e italianas de los años setenta. Algo bruto y desmadejado, pero eficaz en este tipo de películas.
Una trama policíaca interesante, pero con un desarrollo mejorable.

§ 4.188. Cárcel dorada (Jesús Franco y Marius Lesoeur, 1976)

Cine antes del desparrame. Creo que la vastísima filmografía de Franco pueden dátese varias etapas. Al menos tres. La primera, hasta mediados de los 70, quizá principios de los 70 en los que tuvo cosas verdaderamente interesantes. Algo de Fantaterror, sus personajes clave (Doctor Orlott, y sus primeras obsesiones sexuales, Monjas portuguesas y Justine…), luego viene la época del desparrame, que para él son desde finales de los 70 a comienzos de los 90. Aquí rodó más de 5 películas al año de media, una auténtica barbaridad. Porque aunque sólo cuento de él 164 cintas, en aquellos años rodó bajo los seudónimos más insólitos muchas más, muchísimas más. A veces abiertamente pornográficas y con títulos verdaderamente infames. No es que fueran eróticas baratas o malas, es que eran pornográficas, sin contenido, guión o estructura. Y no estamos para eso, sencillamente. Además supongo que no sería un buen director en ese ámbito, porque cada uno sabe hacer aquello que sabe hacer.
La última etapa, desde mediados de los 90 experimenta dificultades para rodar, seguramente también estrecheces de financiación y su creatividad estaba agotada, maltrecha y nada quedaba de lo que fue.
Esta cinta se sitúa en el centro de la segunda fase. Abusa de las escenas largas de baile y desnudo para llenar metraje. Como una mal universitario cuando rellena papel para hacer méritos en su Serie B.
Firma la película con un tal Marius Lesoeur, que sólo tiene acreditada esta cinta como director. Seguramente era un hombre de cine y tuvo algún contacto con Franco y la rodaron a medias. Esa técnica ya la utilizó en otras películas. Seguramente era una forma de seguir produciendo a toda máquina.
La historia no tiene un pase. Es caótica y desangelada. Además no tiene estructura y está llena de planos innecesario y superfluos. Se demora minutos y minutos en escenas que carecen del más mínimo interés, y los planos interesantes: la ciudad, los coches por las calles, la ciudad de Honk Kong en sí misma reúne pocos minutos, cuando debería ser una protagónista más de la historia.
Mala, mala. No de solemnidad, como otras tantas suyas, pero no tiene nada brillantes dónde agarrarse. Siempre el mismo todo de tragedia porno, de suave sexualidad aderezada de un elemento clásico del cine de siempre: un policía, un espía, un mercenario… alguien que tiene que hacer algo y ve cómo se interrumpen sus obligaciones por el sexo, (más o menos, descontrolado, desaforado, kitsch, o sin sentido) que inunda la cinta haciéndolo protagonista cuando únicamente quería se secundario. Mala, mala.

§ 4.187. Lilian, la virgen pervertida (Jesús Franco, 1984)

Otro de los múltiples subproductos que rodó Franco bajo seudónimo, supongo que porque saturaba el mercado con tanto cinta. Incluso los muy fan tienen un nivel de saturación.
Es una cinta con escenas abiertamente pornográficas,  muy del gusto de la época y de su director. 
Se ve muy bien, el color es perfecto y tiene la gracia de estar rodada con la cámara en mano, a pulso (al menos algunas escenas).
No vale nada. Tan poco como otras decenas de sus obras de esos años, verdaderamente prescindible.
Por los escenarios naturales podría decir que se rodó en Málaga o en cualquier otro sitio de la Costa del Sol. La cantidad de luz que tienen las escenas a cielo abierto son interesantes. 
No es tan mala como la de ayer, pero no tiene nada a dónde agarrarse.

§ 4.186. Confesiones íntimas de una exhibicionista (Jesún Franco y Lina Romay, 1983)

 

 Mi pretensión de (intentar) ver toda la filmografía de Franco se choca con una realidad y con una dificultad. No es posible ver todas las películas de él, porque, sencillamente, muchas de ellas ni están comercializadas ni siquiera pueden verse en otros formatos o canales. Además, algunas son verdaderamente infames, como esta, que no debería tener cabida en la filmografía de un cineasta más que interesante y que tuvo cosas potables.

§ 4.185. El batallón de las sombras (Manuel Mur Oti, 1957)

Retrato de un piso de vecinos de los años cincuenta. Una visión demasiado idílica de una realidad inexistente y, por momentos, desagradable. 
La vida no era así, las angustias por sobrevivir eran muy superiores a lo que la película plantea, y la perspectiva vital era más recortada. 
No es exactamente un cine político, pero sí (creo que) el que le gustaba al régimen. Exangüe de críticas al poder, al sistema social o a los poderosos. Ni la más remota crítica. Ni un obre respondón, ni un sindicalista, ni una queja a la vida, ni a la autoridad, a la policía o al poder.
Pretende ser una visión feminista de la sociedad y de la realidad. Y desde el punto de vista del reconocimiento a las mujeres de su época es interesante. Incluso comprometida, pero políticamente inaceptable. Además de mentirosa. No creo que las mujeres de la época fuesen así. 
Los singular es que la perspectiva femenina de la vida es siempre agarrarse a situaciones reales. La casa, los niños, la comida, las cosas reales. 
Y, sin embargo, los hombres son una especie de soñadores que se dedican a cosas ilusas, nada operativas, nada funcionales. Inventores que no inventan, músicos que tocan fatal, actores de teatro que no tienen trabajo, obreros sin trabajo que no tienen oficio ni beneficio. Pintores que en vez de lienzos pintan tonterías y no son capaces de vender un solo cuadro.
Los hombres son seres ilusos, necios, incapaces de organizar la vida práctica. Y las mujeres estructuran la vida de toda la familia. Desde ese punto de vista sí es un canto a la potencia femenina. Porque frente a la necesidad de gloria de los hombres, se confronta la solidez familiar que patrocina la mujer. 
Lo más interesante de la historia es que esas mujeres no necesidad adquirir conciencia de sí mismas. Ellas son. Sin más. El hombre necesita el aplauso, el reconocimiento, el público, la platea, el escenario. La mujer no necesita nada de eso. Con ser quien es funciona. 
Ellos tienen embustes, ellas realidad. 
Y la pregunta que surge en todo esto. ¿Quién juega el papel más importante en la sociedad?
El de las mujeres, que son invisibles. No es el de los hombres, que es visible. 
Además ellas son un “batallón” un conjunto de individuas que cultivan la solidaridad entre ellas y de esa solidaridad se nutren y se alimentan. 
El mensaje es profundamente “feminista”.
Es un mensaje verdaderamente revolucionario. Se mire como se mire. Estamos en 1957, no en 1967 ni en 1977.
Es el franquismo más duro, arrumbado ya los sinsabores de la guerra, y con una sociedad ya acostumbrada a la vida dura y con únicas perspectivas de supervivencia.

§ 4.184. El presidio (Edgar Neville y Ward Wing, 1930)

 Debutar con un tema carcelario no parece lo más conveniente para un director. Edgar Neville, en este caso codirigiendo con Ward Wing (para mi un absoluto desconocido, que sólo rodó esta cinta) se erige en un cineasta imprescindible en la escena española de los años cuarenta y cincuenta. Un hombre peculiar con un cine reconocible y películas verdaderamente imprescindibles. 
Un grande. En todo, en su cine, en su persona, en su amante (Conchita Montes, siempre espectacularmente guapa) en su mito, en su legado, en su historia, en su influencia.
Es un ejemplo claro de cómo se rodaba en los años 30. Esta es la versión española de una cinta americana titulada The Big House (George W. Hill, 1930). A la vez que se rodaba esta se rodaba la española, aprovechando escenarios, decorados, etc.
La versión española está a cargo de Ward Wing y Neville actualiza diálogos, prepara escenas, etc. Pero todos coinciden que es algo más que un mero acompañante o asistente. 
A la vez que se rodaba The Big House y ésta también se rodaban otras dos versiones: Menschen hinter Gittern (Paul Fejos, 1931), y Révolte dans la prison (también Paul Fejos, 1930).
Hay incluso una versión italiana pero que es la versión española traducida al italiano.
Era como se rodaba antes. Supongo que la industria necesitaba expandirse y se pensaba que esta forma de rodar era más sencilla y fácil que traducir la cinta a otro idioma. Era auténticamente los comienzos del cine hablado, por lo que no sé si en aquella época era sencilla la traducción de los diálogos y su incorporación al metraje de la copia de la cinta. Probablemente no, por lo que esta era la única posibilidad de adaptar cintas americanas a otros idiomas.
No me extrañaría, incluso, que algunas escenas y planos generales (los de la fábrica, los del patio de la cárcel, etc.) se utilizaran indistintamente en varias de las versiones. 
La película en sí no da para mucho.
La historia es fría y desangelada, triste y poco edificante. Los actores se mueven de manera muy amanerada, los escenarios se encuentran poco trabajados. No es una excelente película, ni parece que puedan apreciarse los cánones del cine de Neville.