§ 3.592. Ceremonia sangrienta (Jorge Grau, 1973)

Lucía Bosé y Espartaco Santoni en una película con pretensiones de clásico ortodoxo de misterio y vampirismo. Bien rodada, con un guión ordenado y una trama interesante, pero sin mucha vida. Parece una cinta muerta, que no ha envejecido del todo bien. Se deja ver por momentos, pero en otros es tediosa y sin demasiado interés.

Guapa a rabiar Lucía, y bien ambientada, bien 'amueblada', estéticamente digna, pero algo fría, y por momentos insulsa, aburrida, poco gratificante. Intenta ser morbosa en algunos momentos, cruel en otros y sofisticada en su ambientación, pero algo no funciona del todo bien. Ha quedado un poco 'viejuna', si se me permite la palabra.

Creo que es la película inmediatamente anterior a "No profanar el sueño de los muertos", que es una cinta verdaderamente brillante, novedosa, y muy importante en el cine español.

§ 3.591. Unidos por el crimen (Felix E. Feist, Felix 1951)

 

De Felix E. Feist he visto:  Autostop al infierno (1947) que es una cinta al estilo de Detour, de Ulmer;  Acusado de alta traición (1950) preciosa cinta sobre un sacerdote anticomunista;  La ley de la fuerza (1952) cine negro clásico;  Una mujer peligrosa (1952), con sus problemas oculares y Era el comandante Callicut (1953), una especie de Western marino al estilo Raoul Walsh...

Me parece un director (antes guionista) de lo más decente. De la época, sobrio, seguramente económico, sin pretensiones artísticas más allá de sacar su producto adelante.

Una historia interesante, un amor imposible, crímenes, resentimiento, dinero, venganza y pasión. Un coctel de lo más peculiar. Aunque siempre tratado son temas que no dejan de tener provecho y perspectiva.

§ 3.590. El asesino del círculo (Fernando Cámara y Pedro Costa, 2010)

 

Último episodio de la serie, o capítulo, cómo se prefiera. Uno de los menos interesantes. Uno de los crímenes que menos me suenan. De todos los demás tendí alguna noticia, más o menos difedigna y real. De este ninguna.

Buen guión, bien trabajada y bien narrada. Tiene esa gracia de saber qué va a pasar y cómo van a cazar al asesino, pero nada más. 

Tampoco tiene pretensiones, educativas, sociales o de otro tipo. Cuenta la historia y poco más.

La frustración sexual del personaje principal es la clave del asunto. Pero su deriva misógina no está del todo bien contada. Parece que el personaje es así, sin más, sin explicarnos por qué es así o de qué manera ha llegado a esta situación. Tampoco lo pretende. Es una serie, sin más. Pero sí se aprecia una cierta falta de calidad en los últimos episodios. Al menos comparados con los primeros de 1985. Por ahí se explica que la serie no tuviese continuidad.

§ 3.589. Amor que mata (Curtis Bernhardt, 1947)

 

Un noir diferente. Angustioso, médico, psicológico. Música ruidosa y estridente, acorde a la historia que nos cuenta.

Un trio protagonista de escándalo: una Joan Crawford absolutamente imperial, dominando toda la escena, todo el desarrollo de la historia; el gran Van Heflin con su característico pelo rojo, y el magnífico actor que es Raymond Massey, que haciendo de perverso no tiene rival.

La enfermedad mental, la esquizofrenia, los tratamientos médicos, la evolución de la obsesión amorosa como desencadenante y, a la vez, catalizador de la enfermedad tiene su gracia, su aquel y su sentido. El tránsito de una mera obsesión a una auténtica enfermedad está muy bien subrayado en la historia, quizá algo amanerada, pero sincera. ¿Se puede enfermar de amor? Seguramente sí, como de cualquier otra obsesión humana.

Crawford fue candidata a los Oscar por su actuación, pero, no sé bien por qué, gano Loretta Young en "Un destino de mujer", dirigida por H.C. Potter, que no he visto. Pero tiene que ser un papel magnífico, porque esta cinta es extraordinaria y el papel de ella espléndido.

§ 3.588. Los culpables (José María Forn, 1962)

 

Película española que tengo por importante, seguramente por alguna recomendación de algún tuitero 'cinéfago', o indicación similar.

Cine negro español de calidad, dedicación, esmero y paciencia. 

La tengo por un clásico, más o menos consolidado, pero clásico.

Una trama muy bien trazada, con esa música tan característica y ruidosa que a veces aturde y no aclara, pero con un sustento de lo más consistente en diálogos, giros de lenguaje y guión. 

No sé cómo pasó la censura este guión y esta película. Tiene ese punto sórdido, malvado, malévolo, malsano, pordiosero y ruin de las tramas delictivas.

Me ha gustado mucho.

§ 3.587. La senda tentadora (André de Toth, 1948)

 

Cine negro oscuro. Negro de verdad. Del mejor. Chica guapa, pasiones reprimidas, tensión sexual vigente y potente, paleto ejerciendo y un desfalco de dinero de por medio.

Recuerda vagamente a Perdición (Billy Wilder, 1944), aunque, por supuesto, no es tan buena como el clásico. 

Un Gran De Toth. No un Toth medio, un Toth grande. Con una muy guapa Lizabeth Scott en un papel que le va mucho, un Dick Powell al que no le veo del todo en el papel y el siempre eficaz Raymond Burr cuando hace de 'brutote' pero con corazón. 

Pretende un punto de reflexión sobre la aburrida vida de clase media que no consigue del todo.

Me ha gustado, metraje civibilizado, un buen blanco y negro y unos silencios interesantes. La música, con no excesiva presencia, no parece bien elegida. 

Por momento es de cine negro, por otros pretende una reflexión profunda que no le sale del todo. Mejor pretensión que resultado, porque no satisface del todo lo que pretende.

§ 3.586. La bella y la bestia (Jean Cocteau, 1946)

 

Un cuente fílmico. Me encantó "El águila de dos cabezas" (1948) del mismo director. Bueno, director, cineasta, escritor, poeta, dramaturgo, ensayista, crítico, polemista, personajes, etc. Todo un referentes de la cultura francesa del Siglo XX.

Los trajes, las ropas, los atrezos, el ambiente, todo está cuidado como si se tratase de un cuenta. Un cuento costumbrista, recargado, exagerado, idólatra, iconoclasta, suntuoso, gótico flamígero, encendido, arrogante, y apasionado.

Me ha encantado. Es otro tipo de cine, del que luego Disney bebe sin moderación. 

Director poco prolífico, pero que le tengo por muy influyente, ya no tanto en el cine, sino en la cultura en general.

§ 3.585. Dias del cielo (Terrence Malick, 1978)

La ruralidad norteamericana no me ha agradadonunca. Es evidente que para directores de allí es un valor en alza, una forma de ver la vida y una escuela de aprendizaje. Y hay que respetarlo, naturalmente. Pero sólo conecto con ella desde lo secundario: la visualizad, el color, los planos, los enfoques, los encuadres, etc. La historia en sí no me llega, no me suele llegar, como ésta. Me parece artificial. Un poco sí me recuerda a Las uvas de la ira, de Ford. Hasta cierto punto su mensaje es colectivista, socialista, izquierdista, sindicalista.

Me llama la atención en una sociedad como cinematográfica americana tan poco proclive a dar pábulo a discursos de este género.

Me ha gustado. No me parece una obra de arte, pero tiene una visualizad muy singular, característica. Su gran valor. En ese sentido me recuerda a Victor Erice, algo al Bergman de color, a directores que tiene la imagen como un aliado.

La historia es dura, algo aterradora, real y sufrida. Me ha gustado. Tengo que volver a ver todo Tarkovsky, otro de los 'visuales'.

 

§ 3.584. Gritos en la noche (Jesus Franco, 1962)

 

Insisto. Jesús Franco en sus primeras etapas fue un director prometedor, decente, con ideas, impulso, iniciativa y un punto de sofisticación que hacía sus obras muy agradables. Se podían ver, tenían tino, trama, y estaban impulsadas desde la creatividad, el guión, la música y los códigos cinematográficos.

Sus primeras películas tenían lo que las películas tienen que tiene. Luego, entre la pulsión erótica, los desnudos sin sentido, la necesidad de rodar constantemente, seguramente un punto de egocentrismo desproporcionado, y quizá la necesidad económica  le impulsaron a rodar y rodar perdiendo por completo el sentido fílmico, las ideas, su personalidad y su forma de hacer las cosas. Convirtiendo sus productos en un pastiche insufrible la mayoría de las veces, cuando no en un producto ramplón y vulgar.

Esta cinta está llena de ideas. Un punto de impresionismo alemán en los blancos y negros, la tensión al estilo de las cintas de Hitchcock, un guión que podría estar basado en un cuento de Poe, en algún fotógrafa pueden verse recreaciones de Bergman, inconfundible en "El séptimo sello" (1957)

incluso, por momentos, una recreación de La Torre de los Siete Jorobados (Edgar Neville, 1944). 

Es la primera aparición del Doctor Orloff, creación propia del director y mito del Fantaterror patrio, género de lo más interesante.

Me fallan los actores. Conrado San Martín es el inspector y Howard Vernon, al que no veo fuera de las películas del oeste sin pistola y a caballo, es el doctor Orloff. Las chicas son Diana Lorys, Perla Cristal, y María Silva.

Me parece de lo más interesante.

§ 3.583. La noche de los brujos (Amando de Ossorio, 1973)

 

Todos los zombies de Ossorio se ven ifuales. O muy parecidos. Director de un momento. Que se explica por las circunstancias y por la personalidad del creador. Tiene mucho mérito, muchísimo, montar películas, idearlas, lanzarlas, financiarlas o buscar financiación, guionizarlas, rodarlas, montarlas, publicitarlas, y hacerlas reales. De las musas al teatro. Y este cineasta, como otros de la época merecen todo mi respeto, todo mi cariño, toda mi consideración. 

Que luego la película sea buena o mala, mejor o peor, casi no tiene importancia. Lo que ocurre con Ossorio es que son todas iguales, o tan parecidas que no se diferencian.

Jack Taylor, Simón Andreu y el resto de la tribu, incluyendo a una Bárbara Rey de los más joven y lozana. 

Prescindible.

§ 3.582. El destino también juega (Fielder Cook, 1966)

 

Un Western del montón. Interesante por el tema del juego, pero poco más. Efectivo, natural, sincero y bien trazado. Impresionante Henry Fonda, él es el cine, y también muy adecuado el resto del reparto, que por otra parte es impresionante: Joanne Woodward, Jason Robards, Paul Ford, Charles Bickford, Burgess Meredith y Kevin McCarthy.

La cinta tiene una cierta fama, al menos así lo creo. Es una recomendación de algún tuitero que apunté.

Interesante, presenta a las diferentes personalidades a través del juego, pasión que consume al protagonista hasta la muerte.

La música que rodea toda la acción es muy conocida.

El papel del jugador es tremendo. Parece un relato de Dostoyevski. Sobre esta pasión que consume al ser humano hay muchas cintas, la que recuerdo especialmente bonita es la Robert Siodkmak "El gran pecador", de 1949.

Fonda suda realmente, tiene taquicardias y escalofríos. Es un papel tremendo, sólo al alcance de muy pocos. Gran papel, gran actor.

§ 3.581. Así es la aurora (Luis Buñuel, 1956)

 

Emparentada, se mire como se mire, con "Stromboli, tierra de Dios" (Roberto Rossellini, 1950), al menos en su comienzo, aborda de una manera muy abierta la contradicción entre la vocación y el amor. Las tensiones personales, sociales y laborales desembocan en un drama existencial y de carácter que hace tambalear los cimientos de la propia identidad.

Drama, crimen y desgarro emocional. Pasiones, tormentos, vivencias, realidad.

La novela tiene indudables pretensiones sociales. Me recuerda vagamente a Cristo se detuvo en Éboli, la novela de Carlo Levi (y película que no encuentro), aunque tienen diferentes pretensiones. Más social la novela, más de denuncia esta película.

Me encanta Buñuel. Probablemente el director español más influyente de todos los tiempos. Digo "influyente", no mejor o más técnico.

§ 3.580. El pasajero de la lluvia (René Clément, 1970)

 

Interesante. Un actor muy "americano", una temáticamente "inglesa", por un director francés, con barroquismos italianos... Un thriller de los de toda la vida en la quietud de la campiña francesa

Pocos diálogos, mucha tensión argumental, bien organizada la trama y estructura con peso específico.

Dos partes muy diferenciadas, incluso con ritmos diferentes. Una, la primera, pausada, introspectiva, retraída. Otra, la segunda, más enérgica, brusca, tradicional, ortodoxa, clásica.

Me ha gustado. No es exactamente un "Polar", es como un "neopolar". La diferencia la marca -la marco yo- el contexto marginal y delincuencial en el que esta no se desarrolla. Tengo asociado el Polar a Melville y sus historia siempre relacionadas con la criminalidad, los atracos, las pistolas y las organizaciones mafiosas. Clousot, Melville, Corneau, y unos cuantos más.

La intriga se mantiene y los papales actorales están bien elegidos.

Me ha encantado Marlène Jobert, y sobre todo, Charles Bronson, que realmente hace un papel difícil y rocoso, con exigencias.

§ 3.579. Amanecer rojo (John Milius, 1984)

Una distopía histérica, producto de la Guerra Fría (en sus estertores), la imaginación truculenta de un director un tanto descocado y unos productores que sabían lo que funcionaba en taquilla.

Una música del autor de la excelente "Conan el bárbaro", Basil Poledouris, aunque no tan buena como aquella.

Era la época del esplendor de Rocky, Rambo, Robocop, Top Gun, los superheroes americanos, etc. Toda una cultura que ya acabó. Sólo se explica pro el momento en que se produjo y el impulso de una juventud que ya había olvidado el miedo a la guerra pero recordaba dónde habían ido sus hermanos, sus padres, etc.

Desde luego es un alegato conservador de primer orden. Incluso es reaccionaria, sobre todo porque la violencia forma parte del ideario vital de los adolescentes, que aprenden a 'defenderse' antes que a pensar.

Caballos, América rural, armas, el modo de vida americano, la propiedad, la lucha por la supervivencia en un ambiente hostil

Pero todo muy tosco, muy burdo. Sin gracia. Fácil y blando. Buenos y malos, sin matices. 

¿Se puede ver? Indudablemente, sí. Pero sabiendo lo que ves, sin más. ¿Interesante? También. ¿Revisable? No lo creo. Una vez, no más.

Vi una película con temática muy similar: "Operación soldados de juguete" (Daniel Petrie Jr., 1991)

Los actores, pues eso: hacen lo que pueden. Patrick Swayze, Charlie Sheen, y... Ben Johnson. No sé por qué Ben hace este tipo de cosas. Seguramente por dinero, indudablemente.

§ 3.578. Un grito en la noche (Fran Tuttle, 1956)

 

Un buen "noir". Corto, directo, seco, al gano. Un poco como "Detour" (Edgar G. Ulmer, 1945) o como "Autostop al infierno" (Felix E. Feist, 1947). Películas muy directas, con tintes de Serie B., bien rodada y con todo el material Hollywood a su servicio.

El resultado es bien conocido. Excelentes películas que puedes ver una y otra vez porque siempre tienen nuevos matices, nuevos tonos, nuevos sabores. 

Ésta es muy buena, sin ser excelente, sin ser las citadas.

Con un Raimond Burr que da verdadero miedo, una Natalie Wood guapísima y dos de mis actores favoritos: Brian Donlevy y Edmond O´Brien.

Tiene tintes del héroe fundacional del nuevo tipo de policía, ese forma de tomarse las cosas a las bravas, como si fuese algo personal -aunque, en este caso, efectivamente sí lo es- y esas maneras brutales, a veces efectivas a veces no, de abordar la resolución de los asuntos. Un poco el tipo de policía de siempre, pero adaptado a los nuevos tiempos.

§ 3.577. Policía Python 357 (Alain Corneau, 1976)

Un thriller policíaco francés. No es un polar exactamente. Es parecido, o Neo-polar, si se prefiere la terminología. Una de policías de todas la vida, pero con hechuras nuevas, distintas, más al gusto de la época, del tiempo que les toca vivir.

Muy en la estela de "Harry, el sucio" (Don Siegel, 1971) al personaje de la historia le da vida un siempre magnífico Yves Montand, en ese papel de hombre mayor con experiencia que sabe de la vida y tiene una último amor de madurez con una chica veinte años más joven.

Se acompaña de la solvente y excelente Simone Signoret en un papel un poco raro para una dama del cine europeo, de François Périer, otro clásico del cine francés, y de la Stefania Sandrelli, que es la joven enamorada.

La cinta es una especie de enredo amoroso a tres pistas de varios policías con la misma chica... y los policías llevan un arma, una Python 357, que es uno de los revólveres más lujosos, caros y potentes del mundo. El mismo revolver que el inspector Harry Callahan.

Buena película, bien rodada, quizá un poco larga, que se deja ver y mantiene el interés.

Buen director. Ya me gustó la anterior suya que vi, "Serie negra", de 1979. 

§ 3.576. La muerte de un quinqui (León Klimovsky, 1975)

 

Cine negro a la española. Una verdadera joya. No tiene la potencia, la presencia o el empaque de las obra americanas, pero tiene su gracia estilo propio, su personalidad. Una mezcla de 'fantaterror' y cine 'quinqui'. No es "Deprisa, deprisa" (Carlos Saura, 1981), tampoco "Distrito quinto" (José Luis Coll, 1957), ni tampoco es el estilo de De la Loma, con sus Toretes y sus atracos por tirones a bolsos.

Aquí se narra las desventuras de un psicópata delincuente que se queda con el botín de un atraco.

Por la estructura de la película me recuerda a "Fuga sin fin" (Richard Fleischer, 1971). No me extrañaría que, como en tantas ocasiones, la idea creativa naciese viendo una película de otro.

Me ha gustado, no es lo mejor que he visto, pero es bastante decente pare el lugar y el momento en que se rodó. Interesante este Klomovsky.

§ 3.575. Las garras de Lorelei (Amando De Ossorio, 1874)

 

El típico producto del cine de "fantateror", todo un género que se alimentaba de la taquilla, de las ilusiones de sus cineastas (no sólo directores, también guionistas, productores, y demás personal) que terminaron haciendo un tipo de cine de lo más peculiar. Interesante, algo encasillado en su momento, y sin lugar a dudas, valioso, dependiendo de para qué y cómo, naturalmente.

Lorelei o la sirena errante...!!!

Interesante, aunque por momento se desliza por la senda del destape (aunque hay poco, y sí mucha carne) sin pertenecer a ese género.

En la línea de las de Fantaterror de aquella época.

Resulta que Loretai era una guapa entre las guapas, pelirroja para más señas.

§ 3.574. Infierno en la bahía de San Francisco (Frank Tuttle, 1955)

Me gustan este tipo de películas, cine negro en estado puro. Tuttle es un buen ejemplo de directores de este género.

Duro, seco, al grano. Directo al corazón. 

Llama la atención el color super "arrebatado" con el que está rodada la cinta. Muy subido la tintada de los rojos, los azules, incluso los blancos. Es probable que en Cinemascope, en una pantalla de quince metros cuadrados, se viera mejor, mucho mejor, pero en una televisión normal y corriente cómo la mía se ve raro. Es como si los píxeles del color no estuvieran suficientemente coloreados. Como si faltara textura y densidad en el calor.

Además una trama de cine negro a todo color es una rareza.

La trama es inteligente, los diálogos característicos de este tipo de cine suenan bien, los personajes están muy bien caracterizados y el resultado es bueno, bueno de verdad.

Inteligente, trabajada, y verdaderamente del género.

Las tramas y subtramas funcionan de manera complementarias de manera suave, la música acompaña, y Edwards G. Robinson es un verdadero monstruo del cine. Alan Ladd hace lo que puede a su lado, bien sin más, muy en el papel de hombre seco, amargado, cautivo de su sed de venganza, rudo pero con fondo tierno. 

Joanne Dru tan guapa como siempre y Paul Stewart sereno, serio y formal.

Un muy buen resultado, que se une a Contratado para matar (1942) y a Suspense (1946), que son las otras dos que he visto del director.

§ 3.573. El caminante (Paul Naschy, 1979)

 

Me ha gustado mucho esta cinta de Jacinto Molina como director, y Paul Naschy como actor. Curioso. Como si quisiera diferenciar esta película de otras que filma con su seudónimo.

Es un retrato picaresco al estilo de las coplas del Siglo de Oro español con un enfoque singular, pues el caminante parece un trasunto del diablo, que ha venido a la tierra con algún propósito que no se muestra del todo.

Inteligente propuesta, metraje medido, diálogos muy construidos y una gran imaginación. Desde luego una gran propuesta.

Se deja ver, no cansa, tiene interés y pretensiones, propósito y trabajo. 

Me gusta este cine nuestro que se construyó en la transición, que fecunda en tantas cosas, también en el arte, y en el cine.

§ 3.572. Reverendo Colt (León Klimovsky, 1971)

 

No es exactamente un producto de serie Z, pero se le parece, pero con calidad, con un guión bien trabajado, una trama bien desarrollada, un un metraje civilizado.

Me ha gustado. Con un equipo voluntarioso, cuatro ideas bien organizadas, unos actores que lo dan todo, una ilusión desbordante y una necesidad de agradar y satisfacer al publico hacen un producto de lo más decente.

§ 3.571. Abismos de pasión (Luis Buñuel, 1953)

Necesariamente tenía que ser una película muy querida por Buñuel. Siempre dijo, al menos así lo he leído, que su película favorita era la versión de Cumbres Borrascosas de William Wyler, de 1939.

Supongo que habrá varias versiones y comentarios sobre esa asunto, sobre la película favorita del director. Pero no sé por qué, pero creo que el comentario puede ser cierto.

Llama la atención la fortaleza emocional de las mujeres, la lucha enconada por "el macho", por el hombre dominante y despiadado, brutal y salvaje. No luchan por el hombre culto, refinado, sofisticado e intelectual. La racialidad del amor, la brutalidad del sexo, las pasiones, los celos y los instintos. 

Es de una despiadada y salvaje animalidad.

Es durísima, intensa, racial, personal, instintiva, rocosa, berroqueña, sulfurosa, identitaria, y sumamente personal.

Me encanta.

§ 3.570. Kramer contra Kramer (Robert Benton, 1979)

 

Celebérrima película que marcó a toda una generación. La edición que tengo la editó El País hace por lo menos veinte años. Nunca la había visto. Es la primera vez. Interesante, brutal, realista, adulta, madura, pero algo "sensiblera".

Me ha gustado, pero no me parece esa obra maestra que parece ser que era. Sí es cierto que modifica el paradigma de la maternidad y la paternidad, interpretando los nuevos roles y anunciando el cambio que se implementaría en los años ochenta.

Es una película muy premiada en los Oscar. Fue ganadora a: Mejor película, Mejor director, Mejor actor, Mejor actriz de reparto, y Mejor guion adaptado. Pero es que fue candidata a: Mejor actor de reparto (Justin Henry), también a la Mejor actriz de reparto (Jane Alexander), Mejor fotografía (Néstor Almendros) y Mejor montaje (Gerald B. Greenberg).

§ 3.569. El viejo y el mar (John Sturges, 1958)

 

Leí la novela de Ernest Hemingway hace muchos años, más de cuarenta. Le leería con 10 ó 12 años. Y me gustó mucho, claro. La derrota, el triunfo, los impostores del éxito y el fracaso, el engaño, el autoengaño, la posición que ocupas en la sociedad, en tu lugar, en el que vives... de todo eso trata esta película, relatando una metáfora de la vida, 

Es una oda a la novela, incluso en algunos momentos -muchos, quizá demasiados- la voz en off narra, probablemente con fidelidad, determinados párrafos de la novela, del cuento largo.

Gran trabajo de Spencer Tracy, actor impresionante, cabal, sereno, fiable y maestro de maestros. Seguramente le motivaba la idea de hacer una película con él como actor único.

El montaje de la película es su éxito. Sin lugar a dudas. Curiosamente, en Wikipedia la autoría de la película se la atribuyen ademas de a Sturges, a Henry King y Fred Zinnemann, a los tres. Desconozco por qué, pero no es esa la atribución que hace Filmaffinity, pues sólo se la atribuye a Sturges. Como Letterboxd, que también considera autor único a Sturges.

Sin embargo IMDb sí considera como coautor a Zinnemann, pero no a King.

No sé. No creo que estos tres monstruos codirigieran una cinta como esta. No es una de gran presupuesto, una cinta epopéyica. Es una cinta 'pequeña' de bajo presupuesto, debida, probablemente, al empeño personal de director o incluso del actor.

El guión es de Peter Viertel, que además de notable guionista fue, creo no equivocarme, marido de Deborah Kerr.

§ 3.568. El banquete de boda (Ang Lee, 1993)

 

He visto varias cosas de Ang Lee: La tormenta de hielo (1997); Cabalga con el diablo (1999); Tigre y dragón (2000), En terreno vedado (2005), y Deseo, peligro (2007). No las vi por ese orden. Me gusta Lee. Es interesante, diferente, fresco, limpio y sin complejos. 

En 2005 propuso una ruptura total con los esquemas clásicos de Western al contar una historia de amor homosexual entre dos vaqueros.

Ésta es de doce años antes, y prácticamente es la misma problemática, con un plus añadido, que uno de los miembros de la pareja es asiático, no se especifica de qué nacionalidad. En algún momento la madre le comenta al chico que su marido, el padre del chico, había sido general en Taiwan. El director es de esa nacionalidad, aunque nacido en china.

Me ha gustado, pero menos que otras suyas. No veo la comicidad de las situaciones, sobre todo porque la temática de fondo la entiendo superada. No aprecio que la homosexualidad sea un problema de ningún tipo.

Es alegre, dinámica y superficial. Cuidada y sencilla. Tiene sus lecturas, por supuesto, pero el planteamiento es bondadoso y sencillo.

§ 3.567. Bill, qué grande eres (John Ford, 1950)

 

Ese todo ligero, incluso de comedia de situación, no le pega a Ford. Me gusta el Ford trascendente, "pesadote", espeso, triste, con el que tienes que pensar... este tono divertido, casi de risa, por mementos intrascendente, nada serio, no me gusta. 

Obviamente está perfectamente bien rodada, mantiene el interés los 82 minutos que dura el metraje, entran y salen personajes con verdadera naturalidad y maestría, la música acompaña perfectamente (¿Cuándo no en Ford?) e interesa ser vista. Pero no es un "gran" Ford.

Tiene un mérito indudable. Te mete en el asunto marcial hasta la emoción. Y, como en tantas películas de Ford, terminas llevándote hasta la lágrima. Es una emoción profunda y sincera, racial y verdadera. Auténtica. 

El soldado, la novia, el honor, la forja del destino, la tragedia inevitable, la superación del hombre común en circunstancias excepcionales. Lo de siempre en Ford. El cineasta por excelencia. El iracundo bebedor mucho más sensible de lo que su coraza dejaba aparentar. Estudioso de cuadros y fotografías, crítico despiadado, incluso de sí mismo, y hombre contradictorio amigo de sus amigos y preocupado en 'pagar las facturas'.

Me encanta Ford. Qué se le va a hacer...!!!

§ 3.566. La conquista de un imperio (Denys De La Patellière, Raoul Lévy y Noël Howard, 1965)

Interesante, colorista, grande, con pretensiones, muy de una época, seguramente con gran presupuesto, estrellas de cine consolidadas (que intervienen muy poco, seguramente por mucho dinero), un guión muy bien trabajado, con una distribución de los tiempos perfecta, grandes escenarios, muchos extras, y una dirección interesante, acompañada de una música preparada al efecto que acompaña toda la cinta. 

Quizá pretendía situarse en el escenario de las grandes epopeyas, pero no lo consigue plenamente. Bueno... se queda muy lejos de estar a la altura de cualquier "peplum" que se precie.

La presentación está bien, pero a medida que la película avanza se va diluyendo en naderías, anécdotas y tonterías. Además los personajes no son demasiado creíbles, empezando por el propio Marco, que no tiene ningún momento de reflexión, sosiego o pretensión conceptual o intelectual. 

Mal Horst Buchholz, muy poca intervención de Orson Welles, que quizá no llegue a un minuto, Akim Tamiroff haciendo de pérfido maligno, Omar Sharif algo sobreactuado y Anthony Quinn como siempre, profesional, práctico y directo.

Pero como pretensión es de lo más interesante. Un Biopic sobre Marco Polo es, de hecho, muy interesante. Quizá incluso como serie funcionara mejor que como película. No sé, pretende meter demasiadas cosas en 110 minutos. 

Además dudo bastante que alguno de los acontecimientos que narran sean verdaderamente episodios de la vida y las aventuras de Marco Polo. Además, las aventuras no están bien conectadas, por eso comentaba que quizá no hubiera sido mala ideas hacer una serie de episodios sobre las diferentes aventuras del personaje.

§ 3.565. August (Anthony Hopkins, 1996)

 

Delicada, colorista, sensible, intimista, trabajada, inglesa, guionizada, laureada, apocada, sencilla, compleja, no para cualquier aficionado al cine. 

No "pasan cosas" en sentido estricto. Es la manera de contarlas, la figura en el tratamiento de las imágenes, los diálogos y los propios diálogos lo que convierte a la cinta en notíciale. Fina y, a la vez, difícil. 

Intimista, retraída, dulce pero, insisto, no para cualquiera. Tiene ese regusto de obra británica de toda la vida, detención en los colores, las formas, las flores, la ropa, lo pequeño que hace grande a la obra. 

Me ha gustado mucho.

§ 3.564. El hombre que cayó a la tierra (Nicolás Roeg, 1976)

 

Experimento fílmico, poesía abstracta, sensibilidad postmoderna, sueños metálicos y sensacionalismo capitalista abusivo y sin sentido. Diseño semi-apocalíptico, simpleza estructural y nula capacidad de emocionar de una manera clásica u ortodoxa, como las películas que me gustan. 

Una formadle contar diferente, tiene que gustarte o no. Si es que sí, te agradará verla, si es que no, desearías no haberla visto porque te hizo perder el tiempo. 

Un hombre sin tiempo, sin lugar, sin pasado, sin futuro, no se sabe de dónde viene y tampoco a dónde va. Qué quieres hacer o qué le motiva a hacer. Ese velo de oscuridad, a veces compleja a veces simple no funciona.

La cinta es demasiado larga, por momentos aburrida, tediosa y difícil de seguir. Juega mucho con la imaginación del espectador, que puede componer el fresco del cuadro completo conociendo solamente una parte. 

El hombre es como si fuese capaz de ver en el momento presente todo lo que ha pasado en ese lugar en el pasado.

No me ha gustado especialmente. Pertenece a ese género entre futurista y abstracto que no sabes muy bien cómo funciona y cuál es su pretensión. 

Me gusta más el cine clásico, ortodoxo, con desarrollos lineales, sencillos o complejos, pero lineales. Inteligentes y difíciles, pero lineales, aunque en su composición se alteren las líneas de tiempo. Pero en esta nueva moda todo juega con reglas nuevas, diferentes, no lineales. Y para ver alguna cosa está bien, pero no como fuente principal de mi dieta. 

§ 3.563. Marea nocturna (Curtis Harrington, 1961)

 

Pasa por ser un clásico existencial, una película que marcó cánones y atrajo miradas y marcó sendas y caminos novedosos y no trillados ya por la industria. Una especie de cuento gótico marino, con guión del propio director.

Propuesta interesante, en la que el miedo procede de lo inverosímil, de lo increíble, del engaño y del embuste. El miedo procede de creer lo eu no se puede creer, de lo increíble, del proceso por el cual comienzas a creer, a vislumbrar que es posible lo que crees, que puede ocurrir lo que nunca ocurre.

Me ha gustado. Metraje contenido, blanco y negro de lo más interesante, algo diluido, no tan diáfano y con tantos contraste como otros blancos y negros, una música de fondo -a veces incluso Jazz- y un guión bien trabajado.

Me ha gustado mucho.

§ 3.562. Hacia la felicidad (Ingmar Bergman, 1950)

 

La incomunicación, la vida en pareja, la soledad, el amor, la pasión, la sociedad represiva, la tendencia "hacia la felicidad", el peso dela culpa, del deseo, de la muerte, de la angustia de vivir, de la angustia por morir, de la angustia. 

- ¿De qué va la película? 

- Es sencillo, de todo esto y algo más. 

Envuelto en un blanco y negro precioso, profundo y destacado que evoca el utilizado en las mejores películas de cine negro americanas. 

Siempre he creído que bajo la aparente simplicidad de Bergman se escondía una complejidad artística, estática y existencial de primer orden. Nada es "sólo" lo que parece, siempre hay algo más. Aquí parece que es una historia de amor, y bien puede verse como una historia de represión y sufrimiento.  La pareja como la cárcel.

Los protagonistas son Stig Olin y Maj-Britt Nilsson, apareciendo también Victor Sjöström, en ese papel de 'viejo profesor' que parece hecho para él.

§ 3.561. María Galante (Henry King, 1934)

Noventa años tiene la película. Y sigue siendo actual todavía. Una trama clásica de espías en Centroamérica, con un chico bueno, chica ingenua pero explosiva y una trama en la que hacer el bien reporta perjuicios y hacer el mal demasiados estímulos.

Suavidad, potencia, energía y sexualidad desbordante para ella, y virilidad bien entendida para él. Hombría clásica y feminidad ortodoxa.

Una de las primeras películas de Henry King, uno de los más grandes.

La pareja protagonistas es Spencer Tracy y Ketti Gallian. Él es uno de los grandes, a ella no la conozco tanto. Es una actriz francesa que sólo hizo ocho películas. Éste es la primera.

§ 3.560. Amor, curiosidad, prozak y dudas (Miguel Santesmases, 2001)

Una película que estuvo muy de moda hace años, cuando se lanzó a su exhibición.

Se basa en la novela del mismo título de Lucía Etxebarría.

Interesante propuesta, abordando el asunto principal desde el principio, sin rodeos, pero sin modulaciones estéticas. Todo trama, nada que sobre, nada que sea poco eficaz a la trama principal. Toda la cinta es guión. Y seguramente es guión como la novela. No puedo afirmarlo, porque no he leído la novela, pero es muy posible que sea así.

Tres prototipos de mujeres, distintas entre sí, pero que buscan básicamente lo mismo en la amor. Cada una a su manera, pero las tres con el mismo objetivo y con idénticas pretensiones.

Me ha parecido interesante, curiosa y agradable. no es una película que vaya a ver dos veces, pero me ha gustado.

Es la primera película que veo del director, que no se ha prodigado mucho.

§ 3.559. Catalina de Rusia (Umberto Lenzi, 1963)

Una Rusia muy afrancesada, parece Versalles. Película recargada, no traspasa el umbral de lo interesante, aunque hacer por momentos y naufraga en la idea de tener un hilo conductor épico y de aventuras, que es lo que promete la cartelera de la cinta.

El trasfondo político no está muy trazado. Se subraya con diálogos muy evidentes y con una fisonomía estética poco trabajada. 

La elección de actores no sé si es la más adecuada. Hildegard Knef parece algo mayor para el papel de una mujer tan aguerrida y majestuosamente guapa. Y con Sergio Fantoni me pasa que le veo tan italiano que me parece nada creíble. 

De Lenzi tengo otra película que no recuerdo haberla visto. Una vulgaridad de guerra, supongo.

Director prolífico, de larga carrera y supongo que respetado en su propio país.

§ 3.558. Pinky (Elia Kazan, 1949)

 

Dura y seca. Aspera y amarga. Totalmente comprometida con mostrar una fealdad que en 1949 era mucho más cruda que en estos tiempos actuales.

Por lo que he leído el productor pensó en John Ford para dirigir esta película. Menos mal que se produjo el cambio. Porque no es una temática Ford, no porque él fuera un racista que no lo era, ni mucho menos, sino, sobre todo, porque Kazan si es un cineasta más libre para abordar temas complejos. 

Supongo, como todas las de Kazan, que la polémica cabalgaba con él. Era todo un directorio, pero la delación siempre fue con él. No se desprendió de ella nunca, y creo que ha quedado como un hombre ruin y un apestado del sistema. Fuera de los cánones de lo que debe ser un director de cine ortodoxo. 

§ 3.557. La soledad (Jaime Rosales, 2007)

Cine experimental, distinto. Lento y pausado, contemplativo por momentos. Y social, cine social, no contestatario, ni bronco, ni siquiera reivindicativo. Simplemente cine social. Porque trata de asuntos personales, sociales, un enfoque constructivo sobre las personas y sus inquietudes y dificultades. Historias paralelas, en principio separadas entre sí, pero que confluirán. Dos universos muy distintos, casi antagónicos, pero que muestran intereses similares. 

Me llama la atención, es muy evidente, el tratamiento de la pantalla que hace. difiriendo el plano en dos partes iguales que muestran dos escenarios la vez. Un plano fijo, como si fuera una cámara de Ozu, que no se mueve un milímetro grava lo que ocurre delante de ella.

No es mi tipo de cine, ni mucho menos.