§ 3.672 Hasta donde los pies me lleven (Hardy Martins, 2001)

 

El director sólo dirigió esta película y otra en 1998 titulada "La gruta del ámbar" que en Filmaffinity no tiene ni un solo voto. Ésta tiene bastantes, más de 3000, y aunque eso no significa gran cosa sí es cierto que concreta si la película es muy vista.

De una manera u otra confirmo lo que vengo defendiendo desde hace muchos años, que a las películas le sobra metraje, que son demasiado largas, innecesariamente largas. Es una cinta que se va a las dos horas y media, cuando se podía contar la misma historia en noventa minutos. Quizá en 120. Pero encomendarse a más de 150 es una auténtica temeridad, sólo al alcance de los directores más valientes, más dotados y más capaces. Y no se trata de juzgar la entrega y la competencia de Hardy, que la tiene, sino de entablar un diálogo razonable con el espectador. Se rompe la magia totalmente. La historia parece más de telenovela que de pantalla grande y hubiera podido durar igualmente 180 o 220 minutos. Da igual. 

Al parecerla película tiene como base el libro de Josef Martin Bauer "Tan lejos como los pies me lleven" (1955) que narra las peripecias reales de un soldado alemán, Clemens Forell, que escapó realmente de un Gulag soviético. Supongo que todas las naciones, incluso las derrotadas, quizá especialmente éstas, necesitan héroes a los que encomendarse en tiempos de zozobra moral. Y en el año que se publicó la novela era de necesaria atención en ese sentido.

El actor principal es Benhard Bettermann. El nombre verdadero del héroe alemán es Cornelius Rost. El protagonista tras regresar a su país redactó su historia, pero al estar algo deslavazada el editor de la novela le puso en contacto con un escritor profesional (Bauer) que le dio forma y consiguió que el relato tuviera una estructura lógica y organizada.

Tiene puntos emotivos y una gran fotografía, especialmente en campo abierto, un gran color.

Se deja ver, y no funciona mal, pero mi apreciación iniciales correcta. Me parece muy larga.

§ 3.671. Crepúsculo en Tokio (Yasujiro Ozu, 1957)

Te hacen daño las cosas que cuenta Ozu. Te arañan, te hiere, te horada, te zahiere, te molesta, te culpa, te importuna, te hace sentir profundo y trascendente. Bajo la aparente sencillez de unos

planos que no se mueven, que no hacen espectáculos circenses ni travelling, ni nada parecido, se esconde un profundo dominio del plano, de la imagen, de la centralidad de lo visual en el lenguaje cinematográfico.

Me encanta la cara de Setsuko Hara, una musa de Ozu. Y también me gusta mucho Chishu Ryu, otro habitual. Si no recuerdo mal son los dos protagonistas de Primavera tardía, una de las mejores de Ozu que he visto, por no decir que es la que más me ha gustado suya. Más que ésta quizá. Cuentos de Tokio, siendo buena, no me acabó de llegar.

Intimista, melodramática, pero alejada de la lágrima y la emoción epidérmica. Parece un film maduro. Es difícil cogerle la dinámica. Parece un corte trasversal de la vida de las gentes. Podría haber grabado este episodio en la vida de esta familia u otro anterior. No es el qué, es el cómo. Y ese "cómo" lo domina a la perfección. Un cineasta de los más interesante. 

§ 3.670. Tata mía (José Luis Borau, 1986)

Me ha gustado mucho todo lo que he visto de Borau. El tratamiento del campo y de los "señoritos" es peculiar, desde una perspectiva servicial, de débito. Una visión antigua, de una sociedad ya pasada, caduca, antigua, pero seguramente muy vivida por el director. 

Las relaciones con el pasado no siempre son idílicas. Antes al contrario, suelen ser complicadas. 

El guión está perfectamente organizado. Todo funciona a la perfección. Bien puede ser la mejor película de Borau. Desde luego a la altura de Furtivos, que a mi parecer es la canónica suya.

Me ha gustado mucho Imperio Argentina. Y también Carmen Maura que hace un papel estelar, estelar de verdad. Por supuesto Alfredo Landa y Xabier Elorriaga, que hace mucho que no le veía en alguna película. También Miguel Rellán, claro, aunque no es un actor que nunca me haya hecho mucha gracia. También interviene Marisa Paredes y Enma Suárez. Un reparto estelar.

§ 3.669. Los amigos del novio (Edward Burns, 2006)

Una de esas comedias gamberras con "pretensiones" de obra (algo) mayor. Pero no lo consigue. Es un mero producto de entretenimiento. Con mucho guión, del propio director, muchas estrellas menudas del Hollywood de principios de siglo y un color muy vivo que facilita el visionado. Pero no supera el umbral de lo mediocre. Un montón de líos entre amigos que hace años que no se tratan después de haber vivido una infancia conjunta llega de sueños e ilusiones.

Cansa un poco. No responde del todo a las expectativas que se habían forjado sobre ella.

§ 3.668. El evangelio según San Mateo (Pier Paolo Pasolini, 1964)

Siempre he escuchado, e incluso leído, que esta películas es una de las bíblicas más importantes. En una personalidad -director, actor, crítico, ensayista, dramaturgo, polemista, etc.- tan poliédrica y controvertida se han difícil de creer. Además de ateo y comunista, era profundamente combativo con las tradiciones, con el stratus quo, con la política como institución, y me atrevo a decir que incluso con la iglesia oficial.

Y, sin embargo, se desmarca con esta auténtica maravilla. Respetuosa, tradicional, sensible, delicada, fiel -al parecer, no he leído el evangelio y no puedo opinar con criterio propio, aunque me fío de las opiniones de los entendidos que así lo afirman- el texto bíblico y, desde luego, tremendamente vitalista, optimista, moralista y verdaderamente cristiana. 

Los episodios y circunstancias de la vida de Jesús están contados con sencillez, sin artificios, sin recurrir a técnicas complicadas, planos o encuadres artificiosos. Su regocijo en las caras, en los rostros, en la humanidad de los seres nos acerca a una historia personal, individual, de la persona de Jesús, no de su mensaje. No es exactamente así. El mensaje llega desde la humanidad de sus personajes y participantes del discurso.

La música es de Luis Bacalov, con pasajes de la Pasión Según San Mateo de Bach, naturalmente, siempre en los momentos estelares, los que marcan el comienzo de episodios trascendentes.  Aporta, además, algunos cantos de espirituales negros, música de iglesia claramente, que dotan a la parte musical de una intemporalidad misteriosa. No se hace raro oír un órgano de Bach y luego una (de mujer negra) voz salmodiando un canto. 

Mención aparte merece Enrique Irazoqui, el Jesús de la película. Esta era su primera película, y sin duda la más célebre. Sólo hizo cuarto más y un par de documentales. Supongo que no tenía interés por el cine. Él es Jesús. Punto. Es la imagen canónica de quien fue Jesús. Más pequeño, menudo y feo que la imagen idealizada que se representa de él en el arte tradicional.

Tremendamente respetuosa, no se le aprecia una sombre de crítica, una imagen que deteriore el mensaje de Jesús. Es un fiel retrato de la tradición bíblica. Al pie de la letra. Los milagros son incluso prestados como algo natural, normal, lo que la gracia de un ser divino hacía porque lo hacía. Sin más. Sin mérito.

Seguramente Pasolini quería creer y no pudo. O no tuvo la fe, o su razón no le llevó a la dicha de la fe, o sencillamente renegaba de ella por motivos diferentes a los espirituales. Probablemente su pulsión sexual le alejaba del discurso. Pero la cinta puede verse como un ensayo del propio director para querer creer.

Se suele decir que presenta el pasaje bíblico desde un punto de vista Marxista. No me lo ha parecido. Sencillamente, es que el mensaje de Jesús tiene muchas concomitancias con el mensaje que tradicionalmente se ha extraído de la teoría marxista. Pero únicamente cuando se lee a Marx desde el buenísimo bienintencionados. El Marxismo es, antes que otra cosa, un mensaje económico. Y aquí no hay nada de eso.

Cuando Jesús platica en la película no escatima aspectos característicos de la religión católica. Al fin y al cabo, Jesús era un revolucionario. Alguien que se levantó con otra el poder establecido. Todo un líder de la revolución, religiosa y piadosa en su caso, pero revolución al fin y al cabo.

§ 3.667. Colapso (Irving Reis, 1946)

Un buen 'noir' poco conocido, con un Pat O`Brien tan bueno como siempre, al que acompaña Claire Trevor y otro gran actor: Herbert Marshall 

Arte, falsificaciones, intriga, dinero, engaño. Una buena trama que procede de un guión (a cargo de cuatro escritores que no me suenan de nada, Fredric Brown, John Paxton, Ben Bengal, y Ray Spencer) sobre una novela de  Fredric Brown titulada "Madman's Holiday".

Tiene ritmo, un blanco y negro que se ve muy bien, un buen sonido y unos substituíos que se leen muy bien en un color amarillo que destaca y no cansa el seguimiento de la historia, aspecto éste último cada vez más importante para mi, por mis problemas de vista.

Algo enrevesada la trama, que parte de alguna hipótesis no bien tratada, pero funciona como obra de entretenimiento.

Dura lo justo, pero la tengo por obra que no triunfó. No sé por qué, pero estoy convencido que aunque es un nori decente no tuvo éxito comercial. 

Reis tiene cosas interesantes, he visto suyo: La noche plena (1940), El Halcón inicia el vuelo (1942) y Todos eran mis hijos (1948).

§ 3.666. La mansión de los muertos vivientes (Jesús Franco, 1982)

Cinta de zombies, tetas, lesbianismo soft y miedos encapsulados en el subconsciente personal. De esos que te atormentan toda la vida, de joven y de mayor, siempre.

Tengo la teoría de que Franco fue un gran cinéfilo. De esos que veían dos o res películas por día. Cinéfago, si queremos llamarlo así. Seguramente las dos cosas.

Viendo esta película no puedo dejar de acordarme de El resplandor (Stanley Kubrick, 1980), una de las del director británico que más me gustan. La idea no es que esté copiada, ni mucho menos, pero tiene grandes similitudes. Un hotel, la soledad como motor de la historia, personajes frágiles. Hay multitud de diferencias, por supuesto: aquello era un hotel de montaña, éste de playa, los protagonistas allí eran el encargado y su familia, aquí unos huéspedes, la fragilidad mental del cuidador del hotel era la amenaza, y siempre para su familia, siendo aquí externa y únicamente para las mujeres protagonistas. Pero tiene algo de inspiración en aquella.

Franco derrapa totalmente con la historia. Siempre cuenta lo mismo y siempre lo cuenta igual. Es de esos directores que no tiene gracia, pero sus películas se ven. No me gusta, pero las veo. Tiene un punto personal totalmente desinhibido, descocado, alocado, salvaje. Filma lo que le da la puñetera gana y consigue meter a espectadores en la sala de cine. No tiene ningún tipo de pretensión artística -como otros muchos, Ford mediante- y es plenamente consciente de que está realizando un producto de entretenimiento. Por eso se ven sus películas.

La cinta parece rodada en Canarias, porque aparece el árbol tan característico de las islas en varias tomas y la arena de la playa es de ese color negro volcánica tan característico. Además la estructura hotelera no parece de las clásica de la Costa del Sol.

Me gusta ver las películas de Franco, que no es exactamente lo mismo de que me gusten las películas de él. No están entre mis favoritas y, sin embargo, veo sus cintas. Tiene don. Tiene algo.

Lo singular es que los zombies aparecen cuando sopla el viento. Cualquier excusa nos sirve para montar una historia.

Los zombies son, es descarado, los de Ossorio, los de Armando de Ossorio. Esos zombies templarios que aparecen en determinadas circunstancias. Aquella construcción era más solvente, más sostenida, aquí parecen una anécdota. Además en las películas de Ossorio, que son tres o cuatro nada más (de esta trama) los ropajes estaban raídos y sucios, porque los protagonistas venían del medievo, y aquí están relativamente limpios. Pero la historia es parecida.

§ 3.665. Una libélula para cada muerto (León Klimovsky, 1975)

Una de las últimas de Klimovsky, un director verdadermente prolífico, más de cincuenta películas.

Un policía de una ciudad italiana, Milán o Roma seguramente, se enfrenta a un caso difícil, y con la ayuda de su mujer intenta cerrarle el círculo.

Bien narrada, muy de la época, con un Naschy en plan estelar. Firma el guión, y es el protagonista. Interesante, pero algo insustancial. 

La chica es Erika Blanc, una belleza de la época. Pelo largo y rojo, piel blanca, muy alta. 

La cinta se deja ver, tiene gracia y es entretenida. Si se aprecia en su valía y se pone en contexto -música psicodélica, trajes de campana y hombreras, etc.- entretiene. No tiene dos visionarios, pero divierte.

§ 3.664. Yield to the Night (J. Lee Thompson, 1956)

34 película tengo de J. Lee. Un director irregular. A veces excelente, como en esta película, otras no tanto. A veces lo borda, otras, las últimas, simplemente se deja llevar. Supongo que las cuestiones alimenticias tienen mucho que ver con ese tipo de decisiones. 

Buena película. Un drama carcelario diferente, de mujeres. Hay algo de Quiero vivir (Robert Wise, 1958) que es dos años posterior. No sé si Wise vio la cinta y se le ocurrió la idea. Puede ser. Aquella es mejor película que ésta, no siendo ésta mala.

Es de las "buenas" de J. Lee. 

Diana Dors está espléndida. Sabe manejar el contraste entre la desesperación del amor no correspondido cuando está en libertad, y la pasividad resentida que manifiesta cuando está en prisión. Supongo que esperar a la muerte en el corredor final debe ser una situación emocional durísima, fuera de la humanidad que se le supone a la cárcel como mecanismos de redención de culpas e instrumento de castigo. No lo hace mal. No es Susan Hayward , pero no funciona mal. Ni mucho menos. Aporta, además, el glamour y el morbo del que carece la actriz norteamericana.

Rubia explosiva, curvilinea y (un poco) sofisticada que compitió en la primera liga de las hembras rotundas, sin llegar a abrirse un hueco excesivamente amplio. No he visto muchas cosas suyas, pero esta película será la que más recuerde suya.

§ 3.663. Los impostores (Ridley Scott, 2003)

Me quedaban por ver dos de Scott, ésta, Legent de 1985, la nueva de Napoleón, y de Gladiator II, que es muy reciente. Todas las demás las tengo y las he visto, algunas varias veces. En realidad tres o cuatro varias veces.

Tras un comienzo fulgurante, con verdaderas obras de arte de todos los tiempos. 

Ésta es entretenida, se deja ver, pero está lejos de la buenas de Scott. Tiene su gracia, pero, como casi todas las cintas de este siglo, me parece muy larga. Con 90 minutos hubiera bastado. No sé muy bien cuál es la manía, y por qué, de alargar las películas más allá de los razonable. Supongo que una vez que tienes el material es difícil cortar, una vez rodadas las escenas no es fácil desechar material. 

La idea de someter a un ladrón neurótico a las desavenencias de la vida ordinaria es interesante. Un obsesivo del orden y de la limpieza que roba y estafa para ganarse la vida. Solitario y ordenado hasta la extenuación.

Intenta ser una especie de comedia, de las clásicas modernas que someten a personajes peculiares a las clásicas tensiones de las comedias de situación.

El resultado es desigual. Me ha gustado, pero con algo de esfuerzo. No me provoca la naturalidad de las películas que me gustan. Es cierto que la comedia no es mi género, pero hay que ver de todo. Además si no ves de todo lo que ocurre es que deja de gustarte lo que te gusta. 

La música de Frank Sinatra está muy bien escogida, suena perfecta y verdaderamente continua emocionando. Además murió el año de la película. Es de suponer que cuando se rodaba y montaba seguía vivo.

§ 3.662. Killers (Robert Luketic, 2010)

No siempre puedes ver una de Bergman o de Rossellini. A veces necesitas, sin más, ver algo para evadirme. Algo simple, sin más. Y para estas cosas esta tipo de cintas funciona a la perfección. Con una estética de las películas de 007 descarada, se desarrolla la historia a la perfección. Pero a medida que avanza de va diluyendo, poco a poco. Tiene paisajes, algunos planos, algunos diálogos. La historia de amor se sostiene. Pero el interés se va perdiendo a medida que avanza. Incluso se hace un poco larga.

Es colorida y ello ayuda a pasar el rato y las escenas peculiares son interesantes. Tiene gracia y garbo, pero se agota en lugares comunes y tópicos de las comedias de situación que en un director bien armado funcionaría quizá mejor. Se diluye poco a poco. 

Muy guapa la chica, que se llama Katherine Heigl. El chico es Ashton Kutcher. Muy divertido es el papel que hace Tom Selleck, que hace del padre de la novia. También muy bien Catherine O'Hara, que hace de su madre.

§ 3.661. Cuerno de cabra (Metodi Andonov, 1972)

No sé si he visto muchas más películas búlgaras, tomadas por directores búlgaros. No es, desde luego, un cine que visite mucho. Sí creo haber visto varias cosas polacas, y alguna checa, pero búlgaras no muchas. 

Un drama en toda regla, pero con pretensiones de cine clásico y una cierta perspectiva de historia intemporal, de siempre, para cualquier tipo de cine, para cualquier cultura. Tiene algo de El manantial de la doncella (Ingmar Bergman, 1960), y sin ningún tipo de exageración, tiene también algo que se puede ver en las decenas de películas actuales de acción que mezclan el entrenamiento físico con el espíritu de venganza. Algo de "Nikita, dura de matar" (Luc Besson, 1990) tiene el personaje femenino. La verdad es que la escenas de lucha, así como la violación son verdaderamente crudas.

No está exenta de elaborar una crónica y una crítica política. Tanto la violación como el fuego de la venganza se alimentan de la diferencia racial, política y nacional de los integrantes de la trama.

Es, por supuesto la primera película que veo de su director, que por otra parte no filmó mucho, sólo ésta y otras tres películas.

"El mundo no es para mujeres" dice el padre de la niña, en lo que puede verse como un intento no sólo de que la chica sirva como instrumento de venganza, sino de protección de la chica. Al vivir como un hombre y hacer las cosas que ellos hacen se encuentra protegida de sufrir los mismos episodios que la madre. Tiene, por tanto, dos lecturas.

También se expone un tema muy duro y problemático: la utilización de violencia sexual, especialmente contra mujeres, como instrumento de guerra y dominación bélica, política y social.

Tiene muchas cosas que anticipan situaciones.

Sirve también para apreciar tradiciones búlgaras y sus paisajes. Hay una fiesta parecida a nuestro "Jaramplas", con disfraces de animales y cencerros que espantan las pesadillas, los malos espíritus y la maldad.

El sufrimiento al que se somete a la protagonista se refleja bien en la pantalla. De eso se trata. La actriz es buena, quizá el actor principal, sudare en la pantalla, no tanto.

No es una cinta muda, pero podría haberlo sido perfectamente. Los diálogos no son necesarios, no aportan información, ni siquiera complementan la que aprecias con las imágenes.

En general me ha parecida una película verdaderamente estupenda.

§ 3.660. Al morir la noche (Alverto Cavalcanti, Basil Dearden, Charles Crichton, y Robert Hamer, 1945)

Una película de cuatro directores. Y no es una de esas de "por capítulos"., Sion una película normal y corriente, ni siquiera muy larga, 103 minutos. Un metraje normal. Si es cierto que la narrativa expone las vivencias de varios personajes, todas ellas independientes y con escasa conexión entre ellas, más que los personajes pasan un fin de semana juntos en una casa de campo y cuentas historias de misterio, fantasmas y circunstancias sobrenaturales.

Interesante, bien narrada, por momentos cuesta intentar averiguar a dónde va, hacía dónde se dirige. Las piezas se unen más tarde (se supone).

Historias de terror, de adivinación, de sucesos paranormales, extraños, diferentes. Cada personaje cuenta el suyo.

Buen blanco y negro, buen sonido. Tiene todas las hechuras para ser un clásico, y seguramente lo sea. 

§ 3.659. El último gran mago (Gillian Armstrong, 2007)

Interesante, atractiva y entrenida. Una directora de la que no había visto nada. Australiana. Es su última película. 
La pareja Guy Pearce y Catherine Zeta-Jones funciona. No lo creía al ver el cartel. Ni siquiera creía que me podía interesar la película, pero es entretenida. 
Las mejores películas Zeta-Jones ya estaban rodada. Tras ésta hizo pocas obra para la gran pantalla, y sí mucha televisión y series. En realidad una ha sido una gran actriz.
Pearce tiene más carrera. La tenía antes de la cinta y la tuvo después. De hecho es una actor con mucho recorrido.
Catherine tiene fuerza, pero ha perdido la gracia que tendí. Sin ninguna duda. Guy es otra cosa. En los actores siempre se valora de otra manera. Pero no da el papel. Adrien Brody hubiera ido mejor. Quizá también Adam Driver. Actores más finos, más delgados. Aunque Guy lo está, no le veo.
El guión es de lo más interesante, al mezclar espiritismo, fraude y falsificación con la magia y el ilusionismo. 
El mago no creía en la parasitología ni en los médium o espiritistas, y la película se enreda en una historia paralela: el pretendido engaño que le hicieron una madre y una niña al afirmar que podían contactar con la madre muerta años antes. Al parecer no es una acontecimiento real, sino que se apoya en la aversión personal del mago a ese tipo de farsantes y embaucadores. No es una historia real, pero sí se basa en una circunstancia del mago. Al parecer, con el propósito de desenmascarar a los embaucadores espiritistas ideó una prueba: dejar escritas diez palabras seguidas, una especie de código, que eran las que empleaba para comunicarse con su madre cuando vivía. Si alguien quería comunicarse con la madre fallecida mediante ese tipo de técnicas necesitaba emplear esas palabras. Nunca ningún médium consiguió descifrar cuáles eran esas palabras.
Es entretenida, tiene un metraje muy civilizado y se deja ver. La historia, aunque no real, tiene interés, y muestra con interés una historia peculiar. 
El color de la cinta, la fotografía, es un poco pálida. No sé si será la copia de la cinta o un efecto pretendido por la directora.

§ 3.658. El jorobado (André Hunebelle, 1960)

Capa y espada europea. Francesa, más concretamente. Vi hace tiempo una película de su director, "El hampa de París" (1962), que me pareció una película verdaderamente interesante. 

Ésta no me lo ha parecido tanto. Una trama más entretenida, pero menos densa, menos problemática, más lineal, con más capa y espada, pero tratando temas menos interesantes. 

Sí es cierto que está muy bien hecha, perfectamente ambientada, con un atrezzo y estructura ornamental verdaderamente estupenda. Los paisajes, las peleas, los duelos, los trajes, los caballos. Una gran producción. 

Un metraje verdaderamente civilizado, aunque en el límite de los tolerable. En 105 minutos hay que sabe qué contar. 

§ 3.657. Regresa un desconocido (Joan Bosch Palau, 1961)

Tercera cinta que veo de Bosch, y no puedo tener mejor crédito de él. De su tiempo pero firme, con trascendencia, muy técnico, capaz de hilar perfectamente sus historias, con recursos. Un cine muy intemporal, de siempre, con claro oscuros, buen blanco y negro, una fotografía que no ha pasado de moda, empleando recursos fílmicos con determinación. Me gusta.

Arturo Fernández en su línea de gran galán, con limitaciones pero sincero. Es preciosa la chica, que se llama Edith Elmay. Austríaca de nacimiento, hizo muy pocas películas, siendo ésta la última. George Rigaud era un actor argentino que trabajó muchísimo, conocido, sobrio, sereno. Muy buen actor.

La historia es interesante, con análisis de las cuestiones morales que atenazan al hombre toda la vida. El chantaje, la ambición, la culpa. Se presenta extraordinariamente bien, pero a medida que avanza va perdiendo fuerza y vigor. Nada que ver con "A sangre fría" (1959), un policiaco español de Serie B que se eleva a una altura importante en la filmografía española. 

A veces los problemas de continuidad de la película no se resuelven del todo bien, y por momentos se desparrama y se pierde. Pero funciona. No tiene el `punch` de otras obra similares o parecidas, pero tiene su gracia. Se puede ver, entretiene y siempre se bueno ver cine español.

§ 3.656. Mulholland Drive (David Lynch, 2001)

Es la segunda vez que la veo, y me ha parecido mucho más interesante que la primera. Sin ser el tipo de cine que más me gusta, es evidente su creatividad, la plasticidad de su propuesta, lo imaginativo de su proposición y el colorido resultado de su técnica. 

No es raro, o diferente, o oscuro, o obtuso, o cerrado. Es él. Tiene que gustarte. Me gusta, porque me gusta cualquier cine creativo, pero no es lo que más me gusta. Es reconocible, tiene su sello, funciona para los seguidores y para los neófitos. Lo importante es saber que no vas a ir a ningún sitio. 

Lo más difícil es la sensación de abatimiento que en algunos momentos se produce. Realmente no puedes seguirle en su hilo conductor, porque quizá carece de él, o sencillamente porque tiene varios, seguramente esto segundo.

Merece la pena la cinta por muchas razones, entre ellas por ver juntas a Naomi Watts y Laura Harring, verdaderas bellezas, raciales, intensas, guapísimas.

§ 3.655.Martyrs (Pascal Laugier, 2008)

Qué susto. De eso va la película de sustos. De miedo irracional, o quizá racional. 

No es el cine que más me gusta, ni mucho menos. Pero no se puede estar siempre viendo películas del Oeste, que es mi genero favorito.

Todo género tiene un punto de fantástico. El cine es fantástico por pura definición, pero esta perspectiva se acrecienta en las películas de terror. Mucho más, como es el caso, si mezclas el género con alguna perspectiva fantástica, onírica y cruenta. Ya no es que sea de miedo, es que es gore y fantasiosa. 

Sabes qué ha ocurrido, pero desconoces el por qué, la motivación, el trasfondo personal y social del asunto e incluso el modo de hacer las cosas. Qué ha conducido a la niña a hacer lo que hace es la clave del asunto, convirtiéndose en un thriller, más o menos brillante. 

También puede verse una cierta influencia del cine japonés, que en esas temáticas es verdaderamente magistral. Ese gusto por la sangre roja, esa perspectiva subjetiva, y el concepto de mal irracional, mal absoluto, mal sin motivación, sin apellidos, sin nombre, sin sentido. Con su orden propio, pero sin sentido. La perspectiva subjetiva que convierte al espectador en protagonista y los planos muy cercanos aporta un punto más elevado de dramatismo. Puro efectismo, claro. Pero de eso se trata. De impresionar, hacer pasar el rato y entretener, que no divertir. 

La protagonista provoca verdadero miedo y pánico en el espectador, erigiéndose en una figura oscura en sí misma. Oscura por lo que ve y oscura por lo que es. 

No me queda claro si la torturada sólo la ve una protagonista, y por tanto es una alucinación y un delirio, o si, por el contrario, es real porque la ven las dos chicas y es verdadera. Parece, es la explicación más plausible, que únicamente la ve una de la chicas, que sufre, verdaderamente, una esquizofrenia homicida y autolítica aberrante y perversa.

Un comentarista de Filmaffínity, la mejor base de datos y red social sobre cine en español, afirma que "No debe verse", aunque él sí ha haya visto. Y estoy con él, no debe verse, pero yo sí la he visto.

Me recuerda a otras cintas que he visto que pueden situarse en un mismo estilo: "The Ring" (Gore Verbinski, 2002) y, sobre todo, a "A serien Film" (Srdjan Spasojevic,  2010). 

§ 3.654. Galveston (Mélanie Laurent, 2018)

Me dice pocas cosas. Ya he visto esta historia varias veces. La redención por el amor, el despiadado y brutal asesino a sueldo consigue encontrarle un sentido a la vida con una joven prostituta alcohólica con la que tiene que huir para no ser asesinado. La vuelta a lo básico, a las esencias, a lo que importa, en una espiral de tensión violenta en e medio oeste americano.

Tiene rango, recorrido y seguramente muchas fans, pero me ha parecido algo plana y poco interesante. Bien rodada, se nota el esfuerzo porque este dato quede claro, y con una fotografía muy bien acompañada. Tiene la tensión propia de una obra de estas características y un cierto propósito redentor, pero me ha decepcionado un poco. 

Directora para mi desconocida, tiene varias películas domo directora y varias también como actriz. 

§ 3.653. Roma criminal (Stefano Sollima, 2008)

Serie muy célebre, muy valorada y tremendamente citada y apoyada en las redes sociales. Muy en la línea de Milán Calibre 9 (Fernando Di Leo, 1972), que es una película verdaderamente magnífica, una verdadera joya por descubrir.

Dos temporadas, pocos capítulos, de menos de una hora.á Fcil de ver, destacando algunos aspectos sociales y mostrando una Roma decadente, violentísima enredada en guerras de bandas, tráfico de heroína y marginalidad y delincuencia.

Es una serie producida por la Televisión por satélite Sky Italia, y fue muy exitosa en su momento.

§ 3.652. Un domingo en el campo (Bertrand Tavernier, 1984)

 

No es un director que haya visitado mucho. Sólo he visto suyo: El relojero de Saint-Paul (1973), 1280 almas (1981), Alrededor de la medianoche (1986), Capitán Conan (1996) y En el centro de la tormenta (2009). Y ninguna de ellas me ha parecido verdaderamente genial. Es un director 'oficioso', sabe hacer su trabajo, rueda con cánones clásicos, con un gran trabajo de producción, buenos guiones y música, e incluso contando historias interesantes. Pero no me ha llegado nunca al centro del corazón. 

Seguramente sea un clásico de la modernidad, un referente del cine francés de los últimos años, pero no es un director que me fascine. Ni siquiera en las películas más atrevidas, de acción o de emociones desatadas, que no son frecuentes en él. Con todo no he visto sus mejores cosas, según la crítica, no he visto las que han cosechado más premios.

Esta es una historia tranquila, pausada, una reflexión sobre la vejez, el olvido, las costumbres y la necesidad de afecto de las personas. También sobre el arte, su trascendencia y la influencia de éste en la vida diaria. Tangencialmente puede verse como una reflexión de las relaciones entre padre e hijo.

No me ha gustado especialmente. Pero es que este tipo de películas no me agradan. 

Sí me han gustado las reflexiones en off que realiza el personaje principal, verdaderamente corrosivas, aunque envueltas en una corrección formal y un dulce embálale que intenta hacer olvidar la profundidad de la crítica emocional.

§ 3.651. Una historia de violencia (David Cronenberg, 2005)

La vi hace muchos años, y me pareció interesante, bien narrada y sugestiva. Sólo la he visto una vez antes de ésta. 

La segunda vez la he apreciado más. Es una buena película, hasta cierto punto anticlimática en la dinámica fílmica de su director. Antes de otra anticlimática: Promesas del este (2007), que he visto hace poco, pero antes de aquellas que componía su trayectoria natural: Vinieron de dentro de… (1975), Rabia (1977), la excelente Videodrome (1983), La zona muerta (1983) y La mosca (1986). Parece que ahora vuelve a su género habitual con Crímenes del futuro (2022).

Esta muy bien hecha, muy bien estructurada, perfectamente narrada, con un dominio cinematográfico absoluto, un tempo de los más adecuado y actores en estado de gracia.

Funciona perfectamente, y no ha envejecido nada mal. Además dura exactamente lo que tiene que durar, 90 minutos exactos. Incluso se hace corta. 

Tiene algo de "Retorno al pasado" (Jacques Tournier, 1947), incluso algo de "Forajidos" (Robert Siodmak, 1946) con un toque de película mafiosa de Serie B. Es un Neo-noir de nuevo siglo. Una mezcla interesante que da buenos réditos escénicos y dramáticos.

Una película muy redonda.

§ 3.650. El precio de un hombre (Eugenio Martín, 1966)

Película más que interesante, de un director muy interesante, con obras verdaderamente magníficas, especialmente tres: El hombre de Río Malo (1971), Una vela para el diablo (1973) y Pánico en el Transiberiano (1973), especialmente las dos últimas.

Esta película es también muy buena. Buen montaje, una más que correcta narración y un desarrollo algo estandarizado pero "resultón". Estos narradores españoles con oficio, con ideas y con medios son brillantes, lo cual muestra una realidad a veces no siempre bien apreciada: que el cine español es bueno, muy bueno. 

La música es muy apropiada, a cargo de Stelvio Cipriani.

El guión se organiza desde una novela de Marvin H. Albert, que también es guionista, de cintas bastante decentes: El Don ha muerto (Richard Fleischer, 1973), La mujer de cemento (Gordon Douglas, 1968), Hampa dorada (Gordon Douglas, 1966) y Desafío en la ciudad muerta (John Sturges, 1958), entre otras.

§ 3.649. A hierro muere (Manuel Mur Oti, 1962)

Todo un clásico del cine negro español que nada tiene que aprender del cine negro norteamericano. Excelentemente rodada, perfectamente engarzada, con un guión absolutamente magnífico, un blanco y negro nítido y sobrio, una música que acompaña sin atosigar, y un metraje civilizado que hace que sepa a apoco la cinta.

Me ha encantado. En verdad me ha parecido fascinante. Desde el inicio hasta el final. Toda ella. No tiene valles de atención, lapsus de guión o giros argumentales impropios. Desde el comienzo se sabe de qué va, y qué es lo que va a ocurrir. Y, naturalmente, sabes que todo va a ir mal, muy mal. Un Thriller en toda regla.

Me encantó Cielo Negro (1951) con unos planos de nubes y cielos verdaderamente brillantes.

Desde luego no tiene nada que envidiar a las clásicas obras negras americanas o francesas, o incluso británicas.

Me ha gustado el escenario, la casa de la sierra, la decoración interior con muebles clásicos castellanos, la vestimenta y los peinados y decorados. 

Es una obra verdaderamente interesante, sobria y serena en el planteamiento, desnuda en su emotividad, fina y delicada en su ejecución. Y con unas interpretaciones acertadas, ajustadas a la temática, con presencia, garbo, entidad y presencia. Incluso con empaque.

§ 3.648. Sendas marcadas (Juan Bosch, 1957)

Me encantó "A sangre fría" (1959) y tengo el propósito de ver más cine español este año 2025. 

La montaña (¿Está grabada en Fuente De?), los nuevos propósitos, la sinceridad del amor, la escalada y el crimen por amor. Me hubiera encantado ser montañero, hay algo en la montaña, en la Alta Montaña que atrae, atrapa y repele a partes iguales. El peligro y el placer, todo unido en un mismo acto, hecho y verdad.

Me ha gustado mucho.  Dos verdades, dos formas de atacar los problemas, dos realidades.

Un blanco y negro muy bonito, una escenografía muy teatral, como si fuese una de esos "Estudios" de televisión, tan preparados y organizados, tan bien planificados que el paso del tiempo no los ha ajado. 

La sucesión de cuentos, o de pequeñas historias, que narra no tienen nada en común más que una pregunta, si la vida y los acaeceres de la misma son producto de la casualidad, del azar o de la predestinación y la organización detallada de sus circunstancias.

En la vida no todos los hechos tienen una explicación racional y lógica.

Interesante cinta, que el debut de Boshc.

§ 3.647. Pasiones en Kenia (Michael Radford, 1987)

Interesante, pero algo impostada, tanto en relación con la trama, se mire como se mire copiada de Memorias de África, en todos los aspectos mejore película. Aunque esta historia es verdadera, cierta, distinta de la película de Pollack, que es mejor en todos los sentidos.

Tiene interés conocer el sentido de toda aquella época en aquel lugar, y cuáles eran sus maneras de comportarse frente a la vida, al dolor de la guerra, a la realidad de su propio país. 

El hedonismo no se ha inventado hoy ni ahora. Es algo que siempre ha existido. Una buena prueba de ello es esta villa felicidad que existió de verdad y que es revisada en esta historia peculiar.

Interesante, pero poco bien desarrollada, con un reparto de lo más razonable (Una muy guapa Greta Scacchi, un razonablemente interesante Joss Ackland, con Sarah Miles y Geraldine Chaplin, y la presencia de dos brillantes actores británicos: John Hurt, y Trevor Howard) pero sin la chispa y la intensidad necesaria para considerarse una gran obra.  Es plana y poco profunda en algunos momentos, y tienes que imaginar que la cortes británica es verdaderamente tan fría y tan distante como pretende aparentar, aunque sabes perfectamente que no es así, ni mucho menos.

Está, eso sí, perfectamente ambientada, con diálogos bien trillados, pero pretende una calma del protagonista principal absolutamente inverosímil. 

§ 3.646. 3 padrinos (John Ford, 1948)

 

§ 3.645. El funeral (Abel Ferrara, 1996)

 

Me gusta Ferrara. Es provocador, sugestivo, transgresor, macarra, incendiario, informal, inmoral, a veces delincuencial, nada ortodoxo y siempre interesante. 

No tanto en palos, tomas, o montaje, que no es para nada innovador. Pero sí en lo que importa a la historia, tanto en lo relativo a su contexto como en relación a la cuestión tratada. 

Tiene una obra de lo más sugestiva, con título muy interesantes, entre los que no se encuentra éste. No siendo de las peores suyas. La última que vi suya "Killer, el asesino del taladro" (1979) me aburrió soberanamente, porque sólo tenía provocación y no mostraba interés en construir una historia. Ésta es una película totalmente madura, con un cineasta que sabe lo que hace y lo que quiere. Y lo cuenta como quiere. Desde este punto de vista me parece un verdadero hombre de cine. 

Una película que empieza con una canción de Billie Holiday no puede funcionar mal, sobre todo si, además, sospechas que la mafia va a tener mucho que decir en la película.

Un reparto absolutamente de escándalo: Christopher Walken, Chris Penn, Annabella Sciorra, Isabella Rossellini, Vincent Gallo, Benicio del Torno y Gretchen Mol.

En una trama que retrospectivamente va explicando cómo se comportaron en el pasado los hermanos del mafioso reciéntenlo fallecido. Atormentados por un pasado violento muestra las culpas y las penas que sienten de manera primaria, epidérmica, cutánea, absolutamente deshumanizada y pedestre. 

No llegan a la culpa tras un proceso de pena y duelo. Sino desde el atajo de la sensación de pesadumbre que les persigue. No es, por así decirlo, una culpa cristiana o religiosa, sino laica y cívica. Es una diferencia sustancial, que tiene que ver con cómo se emplea la violencia y para qué sirve. Cuando es le medio de vida es difícil cambiar, o verla desnuda y serena. Se rodea de venganza, de honor, de solemnidad, de forma de hacer, de cualquier excusa que sirva para continuar ejerciéndola deshumanizadamente, desprovista del sentido y la utilidad que para los humanos tiene acudir a las medidas de fuerza. 

Me ha parecido una película muy bien hecha, interesante y lograda. Bien por Ferrara. Gran contador de historias.

§ 3.644. Sin tiempo para morir (Cary Joji Fukunaga, 2021)

 

Tercera vez. Impresionante...

§ 3.643. Las alimañas (Amando De Ossorio, 1977)

Pues se explica por el tiempo y el lugar en que fue rodada. Una cina con pretensiones de modernidad policial con elementos del cine español de los cincuenta. Nada destacable.

Una trama ortodoxa de robo entre ladrones y búsqueda de venganza en un país sudamericano. Bien engarzada aunque falta de lunch, de garbo, de empuje. 

Tiene dinamismo y guión, pero le falta tino, acierto e interés. Poco a poco va perdiendo gancho y la trama empieza a resquebrajarse. Además siempre recurre a soluciones fáciles para dar calidad a las tramas, incurriendo en los tópicos del género, incluyendo emociones lésbicas, sueños de seductor y sexo encapsulado en una mirada, un fotograba o un diálogo.

Los perseguidores son unos patanes, una trasunto mal hecho de otras cintas en las que un gordo se acompaña de un flaco y se dedican a dar mandiles a diestro y siniestro. Poco elegantes pero, sobre todo, poco sofisticados.

Las dos chicas, pues en la línea mediocre de la producción. Vestidos vaporosos, lesbianismo insinuado y alguna que otra tentación perdida. Malas de solemnidad.

El resultado es bastante regular, tirando a malo. Vulgar y poco agraciado. Y muy poco original. Frente a los caballeros templarios que se aparecen en el tiempo presente es un producto infame. Aquellas películas eran interesantes, tenían mucha imaginación y se dejaban ver con gusto. Probablemente porque el director se manejaba mejor en esos cánones estilísticos que en los de una cinta de cine negro de robos y ladrones en donde las americanas son, por lo general, muy superiores.

Hay que ver de todo.

§ 3.642. Fort Saganne (Alain Corneau, 1984)

Larga y por momento insulsa película francesa. Lenta y prolija en detalles que interesan poco. Pretende ser una epopeya en el desierto de militares franceses en el Sahara, cruzada con una (o incluso varias) historias de amor. 

Bonita, colorida, interesante, pero muy larga... demasiado larga. Casi tres horas, para contar una historia que con noventa minutos hubiera sido suficiente. La vida militar en el desierto a principios de siglo con sus caballos y sus camellos y dromedarios es la parte más interesante. Algo simple, no obstante, por momentos fría y artificial.

El protagonismo de los amores del protagonista es la otra pieza de la cinta. Pero como ocurre con la parte militar, por momento se muestran frías y desinteresadas, como si no fuese importante lo que ocurre, como si fuese rutinario o inevitable. No sé. Es un ritmo relajado y falto de emotividad, que mantiene un hilo de interés pero sin apasionamiento.

Me ha gustado, pero me parece muy larga.

No creo que pretendiera hacer algo parecido a Lawrence de Arabia, ni nada parecido, pero tiene una semejanza indudable.