§ 3.514. Pan Tadeusz (Andrzej Wajda, 1999)

Cine histórico polaco. Tremendamente trabajado, muy logrado en su ambientación, lo que se llama diseño de producción, con detalles muy cuidados, unos diálogos trabajadísimos y una música épica muy apropiada. 

Una especie de "Romeo y Julieta" polaco. Dos familias, dos visiones de la sociedad y de la política, prorusa y propolaca. Dependiente o autónoma.

Cine delicado, sereno, con ese punto teatral que tanto gusta a los buenos aficionados.

El color es magnífico, y el uso de algunos planos y movimientos de cámara son muy bonitos. El reflejo constante de la cámara en el agua, los decorados naturales sobrecargados de naturaleza, verdosa y boscosa, salvaje e incluso peligrosa. 

El jardín como elemento central de la casa, con su colores, sus olores, sus formas y su espacio.

Los actores funcionan de manera algo teatral , con movimientos algo estereotipados, y emociones impostadas, pero dan con el tono de la cinta. 

No es, aunque la carátula bien pudiera infundir a engaño, una película de guerra clásica del XVIII, sino la historia del enfrentamiento de dos familias, con sus tristezas, sus celos, sus pasiones, sus deseos, sus pretensiones, sus realidades. 

§ 3.513. Horizon: An American Saga - Capítulo 1 (Kevin Costner, 2024)

 

Bueno. Pues tenía muchas ganas y no me arrepiento de ello. Me gustan las películas del Oeste, los Western, es, junto con el cine negro, los géneros que más me gustan. 

Pretende crear una epopeya clásica sobre la conquista del oeste, sobre el expansionismo americano a mediados del siglo XIX, el último tercio más concretamente.

Colonos en Monumet Valley y en Montana, historias que corren paralelas en donde se muestra la brutalidad y las dificultades que conllevaba la colonización. Pero no sé qué me he perdido en el tránsito de los hombres de Montana a Monumet Valley... porque no cazo cuándo ni dónde..., ni por qué. Quizá alguna explicación retrospectiva no hubiera venido del todo mal. 

Los indios, naturalmente, no se dejaban colonizar, luchaban por su identidad y por su territorio. No todo -quiere decirnos el director- es tan bonito como nos lo pintaban. 

Es intensa, por momentos funciona, pero no me parece, en términos generales, una obra mayor. Es buena, muy recordable, atractiva e intensa. Pero algo pesada. No densa, sino pesada. Lo que pretende no es sólo que ya no se lleva, es que, no es el momento para hacer estas cosas. Es una obra mayúscula, pretenciosa, mayor, "epopéyica", "odiséica". Monstruosa en sus pretensiones, inabarcable en su desarrollo, incierta en su resultado. Son dos An American Saga ocupan más de 370 minutos, muchas horas. 

Las imágenes son bellas, monumentales. Muy buena fotografía, colorida, pero no saturada. 

La música acompaña hasta cierto punto. Es de John Debney. No consigue el tono adecuado. Supongo que en una sala de cine, totalmente a oscuras, a todo trapo el sonido puede impactar, pero no me ha llegado mucho. Los momentos líricos están mejor apegados a la pantalla que los épicos. En todo caso es una banda sonora importante, que quiere decirme cosas, que puede oírse por sí misma, que está ideada no sólo para acompañar sino para pertenecer, no sólo sirve a las imágenes, las intensa completar y engrandecer. 

Tiene hechuras más de serie que de película. Los personajes se presentan con cadencia, a veces sin conexión excesiva con la trama central. Esperas su conexión pero no parece llegar. Por momentos las historias no parecen conectarse bien, no estar bien cerradas. 

Está muy bien, pero me parece menos redonda que Open Range (2003), que me parece de largo su mejor película. 

§ 3.512. Bobby (Emilio Estevez, 2006)

 

El propósito es loable, el tratamiento quizá no sea el adecuado, y el resultado final es mejorable. 

La idea de mostrar cómo vivieron el asesinato de Bobby Kennedy  un rosario de personajes de distinta condición y pelaje es interesante, pero más propio de una serie de televisión que de una cinta para pantalla grande. Pierdes el hilo con facilidad, no te centras en la historia y, sobre todo, el asunto principal queda bastante diluido en un mar de datos, planos, personajes, e historias que a nadie importan, o importan poco.

Está bien rodada, la ambientación es perfecta -no es vano era su época- y tanto el color como el sonido es muy bueno. Técnicamente está muy bien, pero le falta algo de punch para impactar con fuerza.

§ 3.511. La clave de la cuestión (Hubert Cornfield, 1962)

Una película muy atrevida para su época. Racismo en estado puro. Tratamiento médico y transferencia de pensamientos entre paciente y médico. 

Me recuerda, además bastante a Un rayo de luz (Joseph L. Mankiewicz, 1950), aunque esta es peor que aquella. Sin duda alguna. Al menos a mi juicio. 

La sensación de racismo en vena e irracional, heredado y atávico está mucho mejor expresado en la de Mankiewicz. Aquí la actuación racista es más gruesa, más grosera, menos sutil. Más dedicada a subrayar los aspectos más sórdidos de la cuestión.

El retrato psicológico del enfermo está bastante bien trazado. Y el recurso a explicar algunas cosas mediante imágenes superpuestas es interesante y efectista. 

Sin embargo cuando se mezclan las épocas del niño cuando ya es mayor no funciona como recurso interpretativo. 

El duelo interpretativo entre un ya muy conocido Sidney Poitier y Bobby Darin, que era más cantante que actor, aunque hizo unas cuantas (pocas) películas. Quizá no llegó a explotar su vena dramática, quizá no funcionó en taquilla, quién lo sabe...

Buena película, bien narrada, interesante y efectista. Me ha gustado.

§ 3.510. Rio arriba (John Ford, 1930)

 

El encanto de ver una John Ford nunca se pierde. Pero ésta no es una obra maestra. Ya había rodado cosas mejores que esta, sin duda. El interés de ver la única cinta que unió a Humphrey Bogart con Ford. Interesante Spencer Tracy, que sí trabajó con Ford en otras películas, alguna muy célebre. Me llama la atención que también está Ward Bond en un papel muy pequeño. Ya en la tribu de Ford, desde el principio prácticamente hasta el final.

La chica se llama Claire Luce, y tiene algo que me recuerda a Silvia Sidney, esas sutileza en los movimientos, el cuerpo menudo, esa forma grávida de moverse con unos ojos enormes que mantiene abiertos como si todo en la vida fuera una sorpresa para ella. Ésa fue su primera película y sólo rodó otras tres más y una serie. Poco bagaje. 

Tiene un tono ligero, prácticamente de comedia, que no se ajusta a la trascendencia que suelen tener los personajes de Ford. Personajes muy hieráticos, inmóviles, espasmódicos por momentos, nada sutiles y poco dados a la singularidad. Son retratos bastante bastos y groseros de 'fenotipos' de comportamiento.

No me parece una gran obra. Un Ford pobre, cuando todavía no era lo que fue, pero cuando ya sí había rodado cosas realmente potentítimas.

§ 3.509. Sansón y el tesoro de los Incas (Piero Pierotti, 1964)

 

Clase media (baja) italiana de los años sesenta. Poco que esperar, más allá de una historia más o menos digna del oeste, con el clásico tratamiento de spaguetti western. Tramas sencillas, identificaciones simples de buenos y malos, tratamiento neutro, color y algo de bondad trasnochada alrededor de una historia de amor que no se sostiene. 

Un poco larga para tan poca sustancia. Como a muchas películas, le sobre metraje. Llena de tópicos, escenarios edulcorados, y escenas simplonas y poco edificantes. El bueno, el malo, la chica, las peleas, el oro naturalmente, y esos saturados escenarios que igual servía por la mañana para rodar una del oeste de Serie B, como esta, y por la tarde una comedia de situación del oeste. 

Mala, mala.

§ 3.508. Asesinato por decreto (Bob Clark, 1979)

 

Clasicismo británico bien engalanado. Buen guión, bien enlazadas las ideas y ese saber hacer tan característico de las películas británicas hechas con clase y estilo. El director, sin embargo, es estadounidense. No he visto nada suyo. Muchas comedia de situación e incluso cintas infantiles y poca sustancia.

Un ambiente muy logrado, en una historia que ha dado lugar a multitud de películas, sagas, series, modelos de comportamiento, seguro que cómics, capítulos para la televisión y un largo sinfín de comedias, obras de teatro, operetas, etc.

En Filmaffinity, que es, sin lugar a dudas, la mejor base de datos en castellano sobre películas sobre Jack el destripador se cifran hasta 82 películas sobre el tema en las que de forma directa se aborda este tema. Probablemente, y descartando las películas de vampiros y zombies, es una de las temáticas más tratadas en el cine. Desde los años treinta hasta la actualidad.

El reparto es de lo mejorcito que se podía recopilar en esa época: Christopher Plummer, que hace Sherlock Holmes y James Mason que juega el rol de Dr. Watson, encabezan el reparto. Pero aparece también Donald Sutherland, Anthony Quayle, Frank Finlay, David Hemmings y John Gielgud.

Los trajes, la ropa, los carruajes, todo muy bien conseguido. Me encanta la capa británica de Holmes, esa que parece a la portuguesa del Alentejo que me compraban de pequeño y que me gustaría adquirir alguna vez de mi talla.

Me ha gustado, pero me ha parecido muy larga, innecesariamente larga. 125 minutos son muchos para una historia tan conocida y que trata de una manera tan clásica el asunto.

§ 3.507. La carne de la orquídea (Patrice Chéreau, 1975)

 

Oscura y difícil. Con pretensiones de gran obra, algo en la línea de Clouzot... bien ambientada, con juegos con los sonidos y la música. No es truculenta, ni mucho menos, pero tiene un punto desasosegante, insatisfactorio, mórbido, malsano, enfermizo. Es una historia como común, nada creíble, pero esto es cine. 

Interesante la combinación de Charlotte Rampling, con Simone Signoret, y el bruto de Bruno Cremer, inolvidable por su papel de policía psicópata en Fanny Pelopaja (Vicente Aranda, 1984).

Tiene escenas brutales, de una violencia salvaje, inusitada, desproporcionada. Que no casan bien con la sutileza de la trama. 

Si me dicen que la novela es de George Simeón me lo creo perfectamente, pero no es de él. La segunda trama subyacente complica el asunto demasiado. La historia primera ya de por sí era suficientemente sabrosa como para incorporar nuevas historias, que naturalmente se cruzan pero que, a mi juicio, oscurecen la claridad de la primera historia.

Interesante, pero no me ha parecida una obra excelente. Primera película que veo de su director, para mi hasta este momento, un perfecto desconocido.

Me ha parecido innecesariamente larga. Lo que cuenta el director se puede contar con veinte minutos menos.

§ 3.506. Aberraciones sexuales de una rubia caliente (1977)

 

Mi propósito de ver todas de las Franco es, naturalmente, a largo plazo. No pueden verse 157, que son las que tengo de él, seguidas una detrás de la otra. Es inviable.  Además es tremendamente deformaste, por dos razones. En primer lugar, porque todas son iguales, o muy parecidas. Y, en segundo lugar, porque son todas muy malas. Pueden tener su gracia las vampíricas, incluso las futuristas, pero la mayoría son de un porno blanco mal hecho, sin gracias y que sólo sobrevivía porque era barato de hacer (seguramente Franco no ganó dinero de verdad, no desde luego el que podía preverse para filmar más de doscientas películas) y por la época en la que se exhibían, la transición y los primeros años de libertad, que favorecía el visitando de estas cintas.

Ésta en concreto es tan mala o tan buena como cualquier otra. Tiene la particularidad, que junto con las otras tres que he visto estos días y Cartas de amor a una monja portuguesa (que es un título precioso) componen un pack de películas originales en VOSE, porque éstas se rodaron en suiza, en alemán y no se exhibieron en España dobladas.

Además, aquí se hace llamar Jess, no Jesús, probablemente para no saturar el mercado y poder seguir sacando producto. 

§ 3.505. Las diosas del porno (Jesus Franco, 1977)

 

Su título original -Voodoo Passion- es bastante más elocuente que la traducción, que oscurece el sentido de la cinta. En este caso la titulación al castellano es peor que su cita original, porque, la verdad, Voodoo Passion es un titulado. 

De Franco he visto cosas interesantes (pocas), malas pero con sentido (las más de las veces), malas sin sentido (la mayoría de las que rodó), pésimas, ínfimas, infames y despreciables. Ésta se encuentra a medio camino entre las dos últimas categorías enunciadas. No tiene dónde agarrar. Pero hay una particularidad que sí me gustaría comentar. Ésta cinta, no se lo he leído a nadie, está inspirada en la misma historia que Bajo el volcán (John Huston, 1984), solo que es anterior a la mediocre obra del americano, aunque, sin duda, muy superior a esta. La de Huston pivota sobre el alcohol, y ésta sobre el sexo desenfrenado y un poco sádico: la protagonista es, claramente además, una ninfómana.

La cinta es mala de solemnidad. No sé cuántas rodó Franco ese año, pero supongo que muchas. Seguramente ésta sea la peor. Además no está Lina Romay, lo cual se me hace raro. 

No hay un plano, una toma, una escena, dos minutos aprovechables. Me encante ver este tipo de 'basurilla'. Es mi firme propósito ver todas las de Franco en tres o cuatro años.

No tiene más que metraje de bailes de gente desnuda. No lo he minutado, pero ocupan no menos de 25 minutos. Y son todos iguales. Esto es rodar como churros. Una especie de Marcial Lafuente Estefanía del cine. Ademas de un cine 

§ 3.504. Le Mans '66 (James Mangold, 2019)

 

Adrenalina en vena, coches, carreras, pilotos, triunfo, fracaso, peligro, vida.

Me ha gustado mucho. Una historia muy bien trazada, muy bien narrada, por momentos épica y muy intensa.

¿Cuál es la fórmula del éxito? Probablemente, nadie lo sabe, pero una serie de reglas que te acercan a él. Una de ellas es la autenticidad. Ser uno mismo no garantiza nada, pero te acerca a ello. Y eso es el Mustang, un coche mítico.

Me encantaría poder tener ese coche. 

Gran trabajo de dirección. Un guión aceptable y dos actores magníficos. Me ha encantado. 

Una historia muy americana. Una historia muy de hombres hechos a sí mismo, de retos emotivos y de superación de dificultades.

§ 3.503. Ilsa (Jesús Franco, 1977)

 

Después de Ilsa, la loba de la SS (1974), y Ilsa, la hiena del harén (1976), ambas de Don Edmonds, llegó Ilsa, la tigresa de Siberia (1977), de Jean Lafleur, para terminar la serie con la de Franco.

Siempre con Dyanne Thorne como musa. En este serie también con Lina Romay, la musa de Franco.

Desde luego el género Sexploitation no es el más fructífero de todos y no es el que más me gusta, pero me agradecer un poco de todo.

La idea de introducirse en un psiquiátrico para averiguar quién ha cometido un asesinado no resuelto es una temática que llevó a la excelencia Samuel Fuller en Corredor sin retorno de 1963. No es lo mismo que esta historia, pero es evidente que se inspira en ella, añadiéndole el morbo, las escenas de chicas ligeras de ropa y demás.

Parecer ser que la cinta nunca se estreno en España con doblaje. Se proyectó pero en VOSE. Esas cosas que hacía Franco, que no debería tener suficiente metraje en España para estrenar que tenía que irse fuera, en este caso a Suiza.

§ 3.502. - Mujeres en el campo de concentración del amor (Jesús Franco, 1977)

 

Un poco lo de siempre, lo que se espera de Franco. Un cineasta mayúsculo encerrado en sus perversiones y en sus bajos presupuestos. Obligado, quizá por sí mismo, a rodar y rodar hasta no tener nada que decir, más que una repetición obsesiva de sus idea y miedos. Coleccionar todas sus películas es un esfuerzo más ímprobo que conseguir todas las de John Ford, que ya es decir. 

La cinta es de producción suiza, y la veo en VOSE, es decir: en alemán con subtítulos en castellano, casi nada.

La temática es la de siempre, mujer ligeras de ropa, en este caso ligerísimas, que sirven de recurso temático a la historia, que es como otra cualquier de Jess. 

§ 3.501. Cuentos de Tokio (Yasujiro Ozu, 1953)

 

Lenta, melodiosa, cadenciosa, pausada, invitando a la reflexión, a la introspección, siempre con sus planos a ras de suelo tan característico. Una obra mayor, muy mayor. Ceremoniosa, galante. Irremisiblemente merecería a Dejad paso al mañana, de Leo McCarey (1937), una película verdaderamente prodigiosa.

Pero esta no le va a la zaga. Es delicada, sensible, tierna, sentida, sincera, verdaderamente humana y muy adecuada para ver por aquellos que tienen la obligación o necesidad de cuidar a sus mayores. 

Me ha gustado menos que Primavera tardía, queme pareció mucho mejor. Una temática más cercana. La atención de los mayores es un tema que no me agrada demasiado. Quizá porque veo las obligaciones inherentes a tal condición acercarse, mis padres son mayores y van a ir hacia más mayores, claro.

Más allá de Chishu Ryu me ha gustado mucho Setsuko Hara. Los dos son los inolvidables padre e hija de Primavera tardía, pero ella es que es literalmente brillante, preciosa, sonora, inteligente. suave y rotunda.

§ 3.500. El gato conoce al asesino (Robert Benton, 1977)

 

Los carteles de las películas a veces engañan. En este caso engañan porque la cinta es mucho mejor película que lo que la carátula anuncia. Parece una comedia y es, en realidad, una película policíaca, de investigadores privados de los setenta. Una "neo policiaca" si puede denominarse así. Con hechuras de gran negro, el guión podría haber sido firmado por Chandler o Hammett. Perfectamente. Es del propio director. 

Es interesante, porque se narran aventuras detectivescas de los años setenta con técnicas y modos de un detective de los años 40 ó 50. Y esa contradicción suena fantástico.

Un guión muy bien trabajado, una música que acompaña y un desarrollo muy logrado.

Me ha parecido muy interesante. A mitad de la cinta parece que no sabe a dónde va, y las escenas de violencia saturan un poco la dosis de comicidad que parece ser el tono principal de la cinta, pero es una muy buena película.

Sobre todo porque no se sabe muy bien qué pinta la nueva mujer en la cinta. Me sobra. Quizá la historia podía haber caminado sin ella. 

§ 3.499. Así acaba nuestra noche (John Cromwell, 1941)

 

Una cinta casi propagandística muy en la línea del Hollywood de aquellos años en los que el cine se puso de parte del bien y contra el mal. 

Es la adaptación de una novela de Erich Maria Remarque, guionizada por Talbot Jennings. Tengo una ligera idea de que esta misma historia ya la he visto en otra ocasión. La película es la primera vez que la veo, pero la historia ya la he visto, quizá haya otra versión de la misma novela. La novela se titula "Flotsam", y, al parecer, no ha sido llevada al cine más que esta vez. De todas formas las líneas matrices de la historia se repiten a menudo.

La idea de mezclar varios relatos de varios personajes tampoco es nueva.

La cinta es algo lenta, se detiene en pasajes no demasiado importantes y por momentos no sabes a dónde va. Pero es buena, interesante, y emotiva.

Lo de Fredric March es un escándalo. Sirve para todo. Tiene porte, presencia, inteligencia, emotividad. Me encanta. Margaret Sullavan quizá haya vivido ya sus mejores años. Se acompañan de una Frances Dee (no conocida por mi) y por otro intérprete de esos de tono mayor: Glenn Ford.

Tiene gracia, se deja ver pero es un poco larga. Como si tuviera muchas cosas que decir y no las dijera. No creo que fuese una cinta muy celebrada en su momento. No encaja en el canon de los gustos de la época y como película de propaganda no funciona.

Me recuerda a Borzage, Tres Camaradas y Tormenta Mortal, principalmente, porque está en los dos fantástica. Una actriz muy reconocible que se casó con Henry Fonda y William Wyler, además, luego de éstos, con otros dos hombres.

§ 3.498. Apocalypse Now [Final Cut] (Francis Ford Coppola, 2019)

 

Estoy viendo la versión Final Cut, de 2019. Con menos minutos que la redux. La original de 1979 de unos 153 minutos, la redux de 2001 (más o menos) con una duración de 203 minutos, y ahora tenemos la final cut, de 181 minutos. Esta última es de 2019. Parece claro qué quiere decir el director. Ya no vamos a discutir más sobre cuál era la versión del director.

§ 3.497. Los placeres ocultos (Eloy de la Iglesia, 1977)

 

Cine que sólo se explica por la transición. Una ola de libertad inundaba el país y temas que hasta entonces estaban soterrados aparecen, entre ellos el que narra esta historia, que tiene su continuidad con El Diputado, que es mejor que ésta, se mire como se mire. Eloy era un director abiertamente homosexual, él mismo hacía profesión de fe sobre este tema. Es natural que tratase estos temas.

Impresionante Simón Andreu, como siempre. Bien Charo López. Un buen guión, y un cineasta descomunal, con un dominio soberbio de la cámara, de los recursos fílmicos y de todo lo que tiene que ver con una película. Uno de los cineastas más importantes de este país, que no sé si tiene el reconocimiento que merece, que es mucho.

§ 3.496. Nuestra casa en Indiana (Henry Hathaway, 1944)

 

Una cinta "blanca", familiar, tierna, casi juvenil o infantil. Lejos d los temas negros y del oeste en los que tan bien se desenvolvía el maestro. Bien narrada, con tino, suave, de aprendizaje, de enamoramiento, vitalista y emotiva. Un poco sosa, lejos de sus mejores obras. Pero entretiene. No sé a qué cinta me recuerda, Las verdes praderas de Wyoming, creo recordar.

Adoro a Henry Hathaway. Es uno de mis ídolos. Me encantaría tener toda su filmografía. La verdad es que tengo bastantes películas suyas, más de 40, exactamente 49. Me faltan unas 15 para completarlas todas, pero es muy probable que no pueda conseguirlo. Básicamente porque una se han editado en CD en España. Las que me faltan las he buscado veinte veces y nunca he tenido suerte. Ni en Amazon, ni de segunda mano, ni en Ebay, ni Fnac, ni otras similares.

§ 3.495. Los reyes del mambo tocan canciones de amor (Arne Glimcher, 1992)

 

La vi hace más de treinta años en el cine. Me encantó. Me pareció brillante, fresca, distinta, verdaderamente espectacular. Y, la verdad, no ha perdido nada de frescura, sigue teniendo esa chispa que sólo tienen las cintas intemporales. 

La música es de escándalo. Me ha encantado. Es lo que consideraría una película redonda, muy bien hecha. Es la tercera vez que la veo completa y las tres veces me ha gustado mucho.

Los Reyes es una cinta verdaderamente bonita. Me encanta. La música, el ambiente, el ritmo las pausas, la escenografía, todo. 

Debut internacional de Antonio Banderas y consolidación de Armand Assante. El contraste de personalidades entre ambos es lo mejor de la película, un torbellino, un volcán y huracán frente a un hombre reflexivo, tranquilo, sereno, pausado.

No sé muy bien qué le puso pasar a este director, que tiene otra cinta interesante, Causa Justa (1995). No son dos grandes cosas, pero se pueden ver, tienen su tiempo y se dejan ver. Sólo todo otra película completa más.

§ 3.494. Grandes esperanzas (Mike Newell, 2012)

 

La otra versión que vi hace muchos años era la de Cuarón, de 1998, con el mismo título. Y me encantó. Ésta tamébn ime ha parecido fabulosa, incluso mejor. Con un diseño de producción verdaderamente brillante, perfectamente trabajado: ropas, casas, escenarios naturales, pelo, muebles, etc.

Me ha encantado el color, el tratamiento de la fotografía y los planos que compone la acción. Un color muy realista, sin llegar a ser chillón, con rojos muy rojos, verdes muy verdes, etc.

No aprecio variaciones sobre la historia que conozco. Básicamente es la misma, en todas las tramas centrales. El reo, la niña, la sociedad británica, la educación, etc. Ésta tiene aspectos más fantásticos, en la madre y sus trajes, el mismo vecindario y el castillo, etc.  Es el mismo cuando pero contado de otra manera. Más maduro, menos edulcorado, más adulto, más trascendente. Más real incluso. El de Cuarón era más infantil, un cuando más "cuento". Esta versión por momentos es trascendente, con mensaje, más profunda. Pero a medida que avanza la cinta la historia va disipándose poco a poco. A mitad de la película has perdido el hilo principal, parece carecer de continuidad, de propósito. Es como si contasen dos historias diferentes, distintas.  Un desarrollo quizá más propio de una serie que de una película. Supongo que sobre esta historia se habrán rodado varias series. Da para ello. La historia del reo, de la casa con la niña, el caballero, la del abogado que ejerce de tutor. Seguro que hay varias series sobre el asunto. Me ha gustado pero quizá sea más redonda la de Cuarón. 

De Newell he visto solamente tres películas más. El despertar (1980) y Donnie Brasco (1997), la primera no me subyugó especialmente, pero sí la segunda que la tengo por gran estima. Además es el director de Cuatro bodas y un funeral (1994) que fue un éxito mayúsculo.

§ 3.493. Serie negra (Alain Corneau, 1979)

 

Director totalmente desconocido para mí. Esta parecer ser una película célebre, interesante, mítica. Una especie de "postpolar", una policíaca francesa después de la moda de los "polares".

La película es muy pretenciosa. Basada en una novela de Jim Thompson y  el guión de Georges Perec, nada menos. 

Presentación más que notable. Pero su desarrollo es algo lento, lo que lastra la organización del relato, que no deja de ser turbio, sucio, malsano, podrido y sórdido. Más que policíaca, negra, como su título dice.

Un personaje de lo más ramplón, un don nadie que escarmienta de la vida que lleva y pretende redimirse de sí mismo... y claro, lo hace de la única manera que sea hacerlo, mediante el delito. Todo un clásico de los más revisado. Y no funciona mal, pero no era lo que esperaba.

Navega en un mar de dudas y zozobra en lo más importante, la trama interesa pero el desarrollo expositivo no tanto.

Me recuerda un poco, salvando todo lo que hay que salvar, a Malas Calles y a Taxi Driver de Scorsese. La chica, la protección falsa y viciada que le profesa el protagonista, lo mal encaminados que van todos los planes, el desastre que se avecina. 

A medida que avanza vas perdiendo el interés por ella, por la historia, y por cómo se va a resolver el asunto.

§ 3.492. Isadora (Karel Reisz, 1968)

 

Me encanta Reisz, todo lo que he visto suyo me parece notable. Películas bien construidas, serenas, perfectamente armonizadas, con guión punzante y bien redactado, y abordando asuntos singulares que escapan de la normalidad. Todo lo que hace tiene sentido, la organización de las tomas, los planos retrospectivos, el presentación de personajes, el clímax de la tensión emocional, los colores, ropas y atrezo. Me parece un director muy completo.

Me ha gustado bastenta la película. Quizá, pero esto es una obsesión mía que supongo perdida de antemano, le sobran algunos pasajes, aunque es natural que se vaya más allá de las dos horas, pues hay mucho número musical, danza incluida, naturalmente.

La idea de estructurar la película desde el final hacia el principio, introduciendo retrospectivamente las escenas más brillantes de la película, como si fuese la memoria de la bailarina funciona a la perfección. Me ha gustado mucho Vanessa Redgrave, pero eso no creo que tenga mérito, porque siempre la he tenido como una pedazo de actriz impresionante. Lo de James Fox tampoco tiene mérito para mi, porque es uno de mis actores favoritos de siempre, junto con su hermano Edward, con el que a veces lo confundo. Aunque sé que lo tengo idealizado, lo asumo y aun así defiendo sus películas.

No tenía ni idea de quién era y qué hizo Isadora Duncan. Un personaje a recuperar, especialmente ahora que esta tan de moda los arquetipos femeninos. Me acuerdo mucho de la editorial Circe, que tenía una colección de biografía de mujeres que si se recuperaran ahora sería todo un éxito.

§ 3.491. La golfa (Jean Renoir, 1931)

 

Estoy seguro que Lang vio está cinta para "Perversidad" y "Para la mujer del cuadro". Además el protagonista también es pintor. La primera de ellas puede considerarse, incluso, un remake canónico, oficial.

Evidentemente es una historia muy vieja, conocida y trillada, pero seguro que hacerla en 1931 se consideraba tremendamente avanzado. Le supongo, no lo sé porque no he leído nada al respecto, incluso problemas en su exhibición, judiciales, manifestaciones, etc. Sin embargo no hay excusas escabrosas, ni muchos menos de sexo explícito.

A pesar de los años pasados, más de noventa, la temática sigue siendo muy perfectamente actual.

Los actores manejan los registros de manera algo amanerada, con movimientos bruscos, excesivos, poco naturales, algo artificiosos. Sin embargo la composición de los planos es técnicamente perfecta, la cámara no se mueve, los zoom son precisos, y por momentos pueden parecerse a las composiciones de cuadros. 

A diferencia de las de Lang, aquí la sordidez no se muestra, simplemente se insinúa. Se da por supuesto. Se requiere algo de imaginación para detectar las humillaciones, las servicias y las maldades de 'la golfa' hacia el pintor. Lo interesante de la propuesta es el drama moral que surge de la tensión de la chica con las opciones que se le presentan. El mito de que a las chicas guapas les gustan los chicos 'palotes' se arraiga en historias como éstas. En ningún momento pretende dejar a su chulo y encariñarse verdaderamente con el amante al que engaña.  Y eso es algo que es más vidrioso en la propuesta de Lang. 

El arquetipo de mujer malvada y sórdida está mejor planteado en las de Lang. Joan Bennett tiene más cuerpo, emoción y guapura que Janie Marèse.

Me ha gustado, pero menos que otras del director, que tiene verdaderas obras de arte.

§ 3.490. Baby Doll (Elia Kazan, 1956)

 

'Dramón' sureño de la pluma de Tennessee Williams, que también se hizo cargo del guión. Como todos los suyos es duro, seco, totalmente insensible y obsesionado con las pasiones humanas, el sexo especialmente. 

Controvertida, provocadora, avanzada a su época quizá, y sumamente polémica. Prohibida en algunos países, protestada ante los tribunales. Puede verse como un claro antecedente de Lolita (Stanley Kubrick, 1962), aunque ésta tiene menos carga de profundidad, menos morbo. Vista desde los cánones sexuales actuales es incluso una bobada, pero en su época tuvo que se una verdadera provocación. El tema se toca de manera abierta, aunque no es lo principal de la película. Lo principal, el asunto central, es más convencional de lo que augura su principio, netamente sexualizado.

No es una obra cumbre de Kazán. De hecho es la me menos me ha gustado de él.

§ 3.489. Una mujer en la playa (Joseph Pevney, 1955)

 

Interesante película. Con una temática un tanto forzada pero que funciona. Los personajes están muy bien presentaos, aunque carecen de verosimilitud. El cine es lo que tiene.

Brillante Joan Crawford y también muy brillante Jeff Chandler. Ella en un papel introspectivo, reflexivo y alejado, aunque no tanto, de las mujeres fatal que ha frecuentado. Pero siempre jugando con el blanco y negro, con esos claroscuros que gobierna como nadie. Es una actriz capaz de incorporar a su rostro miradas y sensaciones de infelicidad como nadie en el cine.

Él, como casi siempre, hace de galán fuerte y sereno, dominador de las situaciones difíciles y pilar en el que apoyarse si fuese necesario. 

Aparecen las tramas poco a poco, a ritmo de música melódica y jazz cariñoso. Sabes qué va a pasar, pero quieres averiguar cómo ha a suceder. Es interesante, tiene aspecto y trama de cine negro, de engaño, suposición, embuste, burla, dinero y gente con el alma negra. Me ha gustado mucho.

§ 3.488. Ave del paraíso (King Vidor, 1932)

 

En esta película, no así en otras, noto mucho que el tránsito del cine siente al sonar tuvo más dificultades de las que provoca únicamente la incorporación de la voz. Y se nota en dos aspectos. En primer lugar, en la cantidad de música, prácticamente durante toda la cinta, también cuando se habla o se articulan diálogos. Y, en segundo lugar, por la estructura de los planos, siempre fijos, con poco movimiento y en un plano medio que no juega con cambios de orientación o de zoom. Una estructura fílmica más primitiva, menos desarrollada, más primaria. Pero lo que importa, en el cine y en la vida, es si es bello o no. Y el resultado sí lo consigue. Es bello. Tiene gracia, es interesante y, en definitiva, se deja ver y es agradable. El blanco y negro es muy poco consistente, pero no está deteriorado, aunque tiene por momentos granulaciones blancas.

La pareja Dolores del Río y Joel McCrea tiene química, especialmente debajo del agua. Escena my atrevida que quizá no hubiera salvado el Código Hays que se implantó el siguiente año. 

Me ha gustado mucho y me gusta mucho King Vidor, un director claramente a reivindicar. Maestro de maestros.

§ 3.487. Sueños de príncipe (Anatole Litvak, 1936)

Un tema bonito, trillado, muy cinematográfico, bien rodado, con ritmo y fondo. Relato histórico más o menos fidedigno del Romana de un Archiduque Austríaco con una mujer, al margen, naturalmente, de su matrimonio oficial.
Queda algo ajada por momentos, no ha envejecido del todo bien. Se deja ver, tiene un metraje muy razonable. Uno de los primeros papeles de Charles Boyer, que apuntaba maneras...
Muy bonito el blanco y negro, aunque algo 'granuloso', se nota que ha habido mejores materiales. Una copia decente, sin más.
Me gusta muchos Litvak, tiene cosas verdaderamente estupendas, obras maestras del cine. Un hombre con una historia personal de los más interesante, digno de estudio.

§ 3.486. Y Dios está con nosotros (Guiliano Montaldo, 1970)

 

Son muchas las películas sobre campos de concentración Nazis. Algunas extraordinarias, otras no tanto. Está va sobre campos de concentración en la IIGM, pero no de campos Nazis, sino de campos regidos por aliados en donde se encerraban presos militares alemanes, capturados o sencillamente desertores.

Al parecer la historia que cuenta es cierta. En un campo de concentración regido por canadienses se hace coincidir a dos desertores con el resto de militares alemanes capturados, provocando enfrentamientos y un juicio sumarísimo por traición, con naturalmente conlleva la muerte. Pero, ¿Cómo va a llevarse a cabo esa resolución en tiempos de paz y dentro de un campo de concentración?

Difícil. Es, desde luego, una problemática la que plantea complicada y extraña a la dinámica lógica del final de una guerra, pero no puede decirse que su responsable escore temas controvertidos. Parece que le encanta la polémica y los temas difíciles.

No he visto mucho más de él. Ésta y Sacho y Vanzeti, que era interesante y noticiadle, aunque no brillante. Sí buena, pero no brillante.

Ésta es dura y seca. El relato está bien filmado, quizá un poco larga. No elude las circunstancias más polémicas, a veces funcionado como un semidocumental.

Me ha gustado, es interesante, se deja ver y sirve como contrapunto al clásico relato más trillado y blandito que suele dividir a los contendientes en buenos (los que ganaron) y malos (los que perdieron).

§ 3.485. Becket (Peter Glenville, 1964)

La tengo en el archivo de cintas por ver desde hace muchos años, no menos de diez. Su metraje desmesurado, dos horas y media, aconsejaban buscar el día perfecto para ello. Un día normal no es el idóneo para ello, amén de que la temática algo espesa y poco dada a frivolidades no aconseja tomarse la cinta a broma.

Debo haber elegido muy bien el día porque la película me ha encantado. Dos actores en estado de gracia, una temática inglesa que sólo un inglés es capaz de comprender en su integridad, y unos recursos estupendos concluyen una obra verdaderamente magnífica. Es estupenda, en su planteamiento, en su desarrollo, en su conclusión. Un trabajo de guión muy logrado -y no es nada fácil- trasmite la idea que sustenta la trama de forma muy fidedigna. El duelo interpretativo entre O`Toole y Barton es prodigioso. Dos personalidades muy diferentes que entienden la política, la vida, las lealtades y los afectos de forma bien diferentes. No sé si hay alguna anécdota del rodaje de esta película, pero me hubiera encantado estar presente mientras estos dos grandes bebedores trasegaban un par de botellas de whisky. Ambos tenían fama de ser unos borrachos excelsos, inagotables, oceánicos. Probablemente de los mejores de la historia del cine.

La historia camina con suavidad, se encamina hacia un desenlace previsible e inevitable.

Primera película que veo del director. Me ha gustado mucho. A la altura de las mejores de este peculiar género a medio camino entre la historia, la ficción, el relato y la leyenda.

§ 3.484. Mi hija Hildegart (Fernando Fernán Gómez, 1977)

 

Siempre me ha gustado esta historia. La he oído en podcat, he leído el libro de Almudena Grandes, y me ha llamado mucho la atención. Es como una especie de muerte oficiosa de la pedagogía de izquierdas, la asunción de la posibilidad de redimir al ser humano a través del estudio, la dedicación y el trabajo constante. Un desquicie. En toda regla, en una sola palabra.

El relato que hace Fernán Gómez es sobrio, sereno, tranquilo, sin estridencias, sin efectos circenses, sin bobadas. Directo al grano, sin pausa pero sin prisa. Nada artificioso, todo muy natural. Pero se hace un poco pesada, densa, clara en su exposición pero oscura en su desarrollo.

Me ha gustado mucho, naturalmente, Amparo Soler Leal, probablemente uno de los papeles de su vida. Carmen Roldán funciona, pero no sé qué le veo que no la encajo del todo. Es un papel difícil, claro. Carece de prototipos y, además, no es sencillo emular el modelo original.

Le sobran veinte minutos. Es una película de hora y media. Punto. Sin más.

Tengo que ver más cosas de Fernán Gómez, un gran cineasta. Mi padre dice que también escribe muy bien, que domina el relato de manera magistral, así como el tiempo y el modo de la novela.