§ 3.690. Dorothy Dandridge: La estrella que se enfrentó a Hollywood (Martha Coolidge, 1999)

Una vida dura en el mundo del cine, en la vida, en toda su existencia. Probablemente porque fue una vida dura en su infancia, en su juventud, en su madurez tuvo una repercusión en la forma conflictiva que tuvo de digerir la fama, el éxito, la repercusión de su exposición pública.

El problema de su hija pequeña, con un grave retraso mental, y la vida de su marido, dedicada a lo profesional y algo disoluta (aunque, tal y como expone la película, no escandalosamente), tampoco ayudaron mucho. 

Que Otto Preminger la tratase como un trapo tampoco ayudo mucho, supongo. 

Me ha gustado mucho Halle Berry como Dorothy Dandridge, al punto que fue su momento de despegue, y Klaus Maria Brandauer como Otto Preminger, uno de mis actores favoritos.

Está bien narrada, aunque ciertamente tiene un aire televisivo. 

Buen color, un metraje un tanto excesivo y un buen sonido completa el conjunto, realmente interesante.  Bien hecha, con gusto, estilo, y honrando la figura de la la estrella.

§ 3.689. Los restos del naufragio (Ricardo Franco, 1978)

Intimista, recogida, diferente, personal, muy personal. Optimista en su pretensión, algo melancólica en su ejecución y nada malagueña. El director es también el guionista (supino que obra original) y el protagonista principal. Con un Fernando Fernán Gómez que hace un papel entre enloquecido y genio absolutamente maravilloso. Uno de esos papeles que se recuerdan. 

La composición de los planos y la luz es absolutamente brillante. Y el manejo de los silencios, sin música ni ruido alguno son inusuales y sirven para proponer una introspección hacia el pasado. Pero los planos medios, sin mover la cámara y la falta de perspectiva global en algunos momentos -sobre todo cuando las escenas se desarrollar al aire libre- otorgan a la cinta una cierta pesadez, un estatismo exagerados que ahonda en la melancolía general de la trama. Melancólica en el fondo y en la forma. En lo que dice y en cómo lo cine.

El contraste de personalidades, actitudes ante la vida y ante los demás de los dos protagonistas es elemento sobre el que se construye la obra. Un joven deprimido, deprimentes, melancólico y con una sensación de fracaso personal, y un viejo con ganas de vivir, vitaliza hasta la locura y enfermizo de su propia imaginación. Un contraste radical de perspectivas que parece dificultar la concordia entre ellos. Y sin embargo, algo catártico acaece, como si de una predestinación se tratase.

Me ha gustado, sin llegar a parecerme una obra monumental.

§ 3.688. Yo la vi primero (Fernando Fernán Gómez, 1974)

Veo este tipo de películas porque la ha dirigido Fernán Gómez. No sería una cinta que viene en condiciones normales. Ni por la temática, ni por el estilo. Una especie de comedia de situación con más que previsible desarrollo, un desenlace cantado y demasiado metraje para mi gusto. No tiene gracia alguna y supongo que se edita para rellenar el pack que he comprado de él. Bueno, he comprado dos pack de Fernán Gómez. Uno de director, y otro de actor. 

De director he visto dos películas, espléndidas las dos. El extraño viaje (1964), que es verdaderamente una obra de arte, y Mi hija Hildegart (1977) (que no estaba en el pack) que es una buena película, pero no tan buena como la anterior. 

Esta es interesante, hasta cierto punto. Vivir como un niño siendo adulto de 35 años tiene su gracia, es un buen recurso dramático y da mucho juego a contar cosas, pero no es suficiente para mantener el interés. Por momentos he perdido incluso la atención.

El rayo azul se ve perfectamente, el sonido es increíble y la película se puede ver, pero la cinta carece de interés. La veo, como digo, por ver cosas de Fernán Gómez. Se aprecia alguna ironía en los diálogos, seguramente pasando algún recado a psiquiatras, profesores y educadores.

La idea de vivir cómo un niño siendo adulto es sugestiva. Pero no sé si da para una comedia. Permite una cierta visión crítica de la sociedad, de la moda, de los estándares de comportamiento, de El Corte Inglés, y, sobre todo, del funcionamiento de los comportamientos sociales.

§ 3.687. Trauma (Dario Argento, 1993)

Segundo Argento, más actual, menos onírico y más thriller que la primera que vi. 

La presentación de los personajes es algo confusa. Demasiadas cosas a la vez. Las personas son poliédricas, pero en el cine lo razonable es simplificar para poder seguir bien las tramas y la evolución de los personajes. El director decide que no sea así. 

Cuesta entrar en la trama, saber de qué va la historia. 

El color se ve perfectamente, y el sonido es bueno. Claramente es un "giallo", aunque con motivos post-modernos, los propios del tiempo en el que se rodó. Siempre he entendido ese género como propio de los años 70 y principios de los 80. Un cine circunscrito a un tiempo concreto. Como nuestro cine quinqui o fantaterror, dos géneros muy característicos de nuestro cine, pero circunscritos a un momento concreto. Al día de hoy aunque se rueden películas sobre "mafiosillos" de barrio o sobre "terror" morboso no podrían encuadrarse en ese género. 

Algo parecido pasa con el "giallo". Un género italiano principalmente que mezcla elementos de terror sobrenatural y thriller policíaco. No tiene los elementos característicos de las cintas más violentas y carece de elementos folk o tradicionales. Hay asesinatos, incluso rudos y muy violentos, pero se carece del punto de violencia irracional que tienen otros géneros y de las homicidios con instrumentos agrícolas. 

Me ha gustado menos que la otra que vi hace días, El pájaro de las plumas de cristal de 1970, que sí me ha parecido más característica del género. En esta se diluye un tanto lo personal del género y se transita hacia un thriller más común. Pero no tiene altura ni profundidad. Además, la premisa de la que parte es totalmente inverosímil y el comportamiento de los que participan en los acontecimientos está fuera de toda lógica. 

Entretiene pero es un poco larga, innecesariamente larga. Le sobran veinte minutos.

§ 3.686. Nosferatu, vampiro de la noche (Werner Herzog, 1979)

 

Me ha gustado mucho. Tiene ese punto artesanal que gusta uanto en la película inglesas. Parece una edición cuidada por un productor británico.. Los encuadres y los planos son ortodoxos, sencillos y naturales, nada artificiosos.

Los actores parece muy compenetrados. Sobre todo Klaus Kinski y su desquicie mental, al borde del consumo de drogas tóxicas automáticas y la revelación social con armas de destrucción masiva. El un actor que ya de por sí provoca miedo, aversión, asco.  Para estos papeles de demente peligroso, enfermo mental y asesino psicópata funciona a la perfección. Su caracterización está muy lograda, con el tono de piel blanquecina, las uñas afiladas, los ojos inyectados en sangre, las orejas y los dientes desmedidamente desproporcionados. Encorvado, flaco, espigado, apestoso, con la lengua fuera. Verdaderamente brillante.

Le acompaña un jovencísimo Bruno Ganz que está espléndido. Sobrio, sereno, apocado y algo frio. Pero con el transcurso de la película va cogiendo temperatura, calor, razón de ser. 

. La chica es Isabelle Adjani, que parece tan frágil y delicada que tiende a considerarse de carácter enfermizo.

Supongo que la cinta está a medio camino entre el homenaje a Mornau por parte del director, la admiración por su técnica y el impacto monstruoso que causó en la cultura europea en general y alemana en particular tanto la novela como la película original.

Me han gustado mucho las escenas a campo abierto y la música (compuesta por un grupo musical llamado Popol Vuh), moderna pero muy bien ensamblada en la dinámica del miedo que pretende la película. Utiliza los sonidos habituales (aullidos, viento, estridencias, etc.) para provocar la sensación de incertidumbre, desasosiego, maldad. Muy lograda.

Recuero bien la original, lo larga que era y cómo pasa en un suspiro. Pero esta cinta no le va a la zaga, tiene recorrido y se expresa muy bien. Me parece que el remake es tan buena película como su original. 

Me ha parecido una película verdaderamente brillante. 

§ 3.685. La esclava blanca (Jesús Franco, 1985)

 

Éste Franco no es el la primera época. Tienen imaginación, emplea buenos medios, pero abusa de los tópicos y de lo que yo en el aprecio y puede llamarse como "filmar por filmar". Tiene escenas largas a las que claramente le sobran minutos. No aportan nada, pero hace que sume minutase en el contador. No son, además, tomas gozosas, de descanso o virtuosas. Son tomas que sobran, sin más. 

Cualquier otro director contaría lamisca historia con media hora menos de metraje. Y no se notaría nada. Además, en esta en concreto, como está filmada en la selva (o eso pretende) podría haber implementado planos virtuosos de árboles, ríos, yo qué sé... pero no. Insiste en el morbo como principal motor e interés dela historia. Incluso los fotogramas de animales se nota que son de zoo. Se nota mucho la precariedad de medios y la falta de punch a la hora de construir la historia. Es lo de siempre con él. Pin, pan, pum... y ya tenemos 80 minutos que colocar en el mercado. Un cineasta singular, qué duda cabe. 

La idea de la cinta es sugestiva, y funciona. Pero cansa, llegando a aburrir a medida que avanza. 

Tengo una teoría con Franco. Era un gran cinéfilo y no tendí empacho alguno en coger ideas de otras películas míticas. En esta, por ejemplo, puede deducirse, por la fecha y la temática, que acababa de ver "Holocausto caníbal" (Tuggero Deodato, 1980). Era la época de las películas de "cintas encontradas" que es un término muy sugerente y que ha dado mucho juego. 

Una más de Franco. Del Franco ya entrado en años  por tanto en vicios en la forma de rodar.

§ 3.684. El pájaro de las plumas de cristal (Darío Argento, 1970)

 

Un poco lo que se esperaba. Un 'fantaterror' con clase, cuidado, con estilo, guión y algo de profundidad emocional. Añade un punto mágico, una especie de predestinación hacia el resultado. Como si fuese inevitable. Quizá lo sea, no lo sé. Interesante, algo sofisticada, evolucionado. Me gusta.

Primera película suya que veo y no ha decepcionado. Es lo que tenía presente.