$ 4.100. El misterio de Cemetery Road (Natalie Bailey, 2025)

 

$ 4.099. Centauros del desierto (John Ford, 1956)

 

§ 4.098. Dulces horas (Carlos Saura, 1982)

Me gusta Saura. Sabe lo que tiene en sus manos, y domina el lenguaje y el discurso cinematográficos como nadie. 
Memoria, recuerdo, pasado, culpa, perdón, redención. Intimismo, contención y reflexión. 
Me ha gustado mucho. Sobre todo el tono pausado, discreto, nada alacaroso, tranquilo y reflexivo. 
Intentar reconstruir la vida sentimental de tus padres tiene que ser doloroso y seguramente nunca se conseguirá del todo. Es estéril, porque nadie puede vivir en primera persona experiencias de otras personas, y no creo que se llegue a comprender del todo. Hay matices, sutilidades, emociones, que no pueden explicarse, que pertenecen al yo interior.
Es una película difícil de rodar, y, sobre todo, de montar. Ejercicios retrospectivos de vivencias que mezclan el pasado con el presente, y que sitúan al protagonista de hoy en el pasado. 
Difícil de montar. Muy difícil. Y difícil de ver y seguir con coherencia. A veces no sabes si es el niño o el adulto quién vive las experiencias que muestra. 
Me gusta Saura. Un director capital en nuestro cine. 

§ 4.097. Al Pereira vs. the Alligator Ladies (Jesús Franco, 2012)

 Penúltima cinta de Jesús Franco, en realidad la última que dirigió en su integridad y una de las peores, aunque la intención es buena. Pero es que no hay de dónde tirar.
Al Pereira vuelve. Ese detective mujeriego, un punto de malvado y capaz de hacer cualquier encargo por dinero se ha vuelto una especie de paladín de la moral y el orden, conservador y poco dado a los excesos. Una especie de revisionismo de un personaje creado por él acorde a los nuevos tiempos. Como si volviese a los orígenes, cuando todo tenía un cierto orden que albergaba la tranquilidad de saber que en las costumbres, la rutina y la dedica ortodoxa se encontraban las pruebas de la lealtad con uno mismo.
El personaje está de vuelta de todo. Interesante idea, pero terriblemente mal ejecutada. Erótica y semipornográfica no encaja ninguna de las piezas que hace que una película funcione.
No sabes de qué va, quizá si para qué la hace, pero no tiene nada que merezca la pena salvarse. 
Escenas aburridas de mujeres en actitudes abiertamente pornográficas con una música de órgano, quizá de iglesia, que no pega ni con cola. 
Total y absolutamente prescindible, sólo para los ultra fans del director, pero ultra fan. Ni siquiera alquien interesado en su cine que no sea un loco del director le puede sacar jugo.
Me ha gustado ver a Antonio Mayans de mayor, envejecido, con el pelo blanco, recordando al personaje que tantas veces interpretó en el cine para el Tío Jess.

§ 4.096. Botas negras, lágito de cuero (Jesús Franco, 1983)

El cachondo del tio Jess firma el guión a medias con Clifford Brown. Sé que le gustaba mucho el jazz,y que solia hacer ese tipo de juegos en sus películas: rodar bajo seudónimos de hombres clave del jazz. No es la primera vez que lo aprecio. Sin embargo en la ficha de las plataformas sólo figura él como guionista.

Bueno, una policíaca más de Franco, de su Al Pereira una especie de detective privado con hechuras celtibéricas. No sale del todo mal la cosa, no funciona mal del todo. 
Tiene dos virtudes. Va directo al grano, directísimo, sin concesiones de ningún tipo, y las historias que cuenta, el guión es entretenido. La técnica de filmación es correcta, pero la manera de montar la película, los diálogos y en general la estructura de la cinta es tan vulgar como siempre. 
Pertenece a las prescindibles de Franco. No a las infamemente prescindibles, simplemente a las prescindibles.
No sé cuándo empezó la saga del detective Al Pereira, pero seguro que tiene muchas películas. Conociendo a Franco seguramente muchas.
Lina Romay y Antonio Mayans son los personajes principales. 

§ 4.095. Luna caliente (Vicente Aranda 2009)

Última película de un grande. De un director que tiene excelentes películas, creo que un moderado éxito en taquilla (realmente algo más eu moderado) pero le tengo por poco reconocido por la crítica y los bienpensantes de la cultura oficialista.
Me ha gustado, a pesar de ser un tema escabroso y complicado. La temática y el momento en el que se estrenó coinciden con un momento en el que estas cuestiones se tomaban más en serio que antes.
No profundiza en los contextos sociales de la dictadura ni en la relación del protagonista con su pasado, con su background, que pudiera explicar por qué se comporta como se comporta. 
Es interesante, pero se me ha quedado algo coja, un poco tiesa y falta de profundidad.
Lo que parece, es. Sin más. No hay dobles sentidos, ni retruécanos o interpretaciones divergentes. 
Además el comportamiento del personaje principal es abiertamente simple, sencillo, primario, aterradoramente salvaje. No cuadra con quien nos han presentado que es. Un personaje pausado, tranquilo, un poeta exiliado que vuelve a su país para entrevistarse con un opositor político.
Está bien, sin más. Pero no es de las mejores cintas del director.

§ 4.094. Último deseo (León Klimovsky 1976)

 Una cinta muy de su tiempo, que no ha envejecido del todo mal, en algunos aspectos, los más rupturistas del guión. Aunque las formas y la estructura tiene su gracia, es cierto que el guión domina toda la escena. 
Una de las últimas de un artesano que hizo muchísimas películas, siempre en el filo entre el cine comercial y la pretensión de lograr una estética propia. Supongo que al final los directores de cine ruedan, quiero decir, entre seguir rodando y quedarse varado intentando montar una obra maestra la decisión final parece clara: seguir rodando. 
Es evidente que tiene influencia del muchas películas y en algunas escenas copia descaradamente encuadres y estilismo. La pretensión de utilizar la cámara de fotos como El fotógrafo del pánico, por ejemplo, es evidente. Por otra parte puede verse como una revisión de El Ángel Exterminador de Buñuel. Es más o menos la misma problemática y ambas intentan una crítica, velada o abierta, como se quiera, a la burguesía bienpensante. Pero mientas que en la de Buñuel la crítica es acerada y sutil, aquí se desplaza hacia los aspectos más escabrosos. No tienen ni punto de comparación, obviamente, pero estoy seguro que Klimovsky tenía en buena estima la cinta de Buñuel.
Supongo también, y no creo equivocarme, que este tipo de directores era también muy cinéticos, que veían mucho cine, que consumían mucho cine.
La historia tiene su gracia. A la estela de las de Zombis americanas pretende una revisión del fenómeno desde la perspectiva patria. Le sale regulín, y aunque no es que sea desastrosa no es buena. No siendo esta afirmación contradictoria con la afirmación que he hecho al principio en el sentido de que no había envejecido desastrosamente. 

§ 4.093. Otra vuelta de tuerca (Eloy De La Iglesia, 1985)

 Una de las últimas de Iglesias sobre el celebérrimo relato de Henry James. Con algunos cambios sobre todas las cintas anteriores: en vez de institutriz es preceptor. Un chico, un señor, en vez de una señora. Interesante perspectiva seguramente para poder situar la historia en el País Vasco. Un jesuita con dudas, con disposición de ordenarse sacerdote, pero sin ser capaz de dar el paso definitivo.
Me ha gustado. Está bien rodada, a qué dudar, y mantiene el interés. Sin ningún tipo de dudas técnicamente es una buena película.
Pero no parece una película de De la Iglesia. No sólo por el tema, alejado de su dinámica habitual de escenarios, sino por la ortodoxia absoluta de su técnica. Pulcra, diáfana, nada rupturista, guionizada como una cinta de cine clásico.
Los paisajes del País Vasco, patria de Eloy, son impresionantes. Un guiño a su tierra, como no podía ser de otra manera. 
Pareciera como si quisiera reconciliarse con el mundo del cine, como si dijera: aquí estoy y soy capaz de rodar cine clásico como cualquier otro virtuoso de la dirección.
Reconciliación también con el País Vasco, que a veces no fue bien tratado en otras cintas, paradigmáticamente en El Pico y El Pico 2, pues la dinámica de los personajes se desarrolla en una Euskadi llena de conflictos sociales y políticos. 
El actor protagonista, Pedro Mari Sánchez, sella bien las dinámicas de miedo y angustia, pero cuando tiene que brillar en la normalidad se le ve algo amanerado, ampuloso y sobrepasado. 
No me parece que llene el papel. Tiene garbo y proyecta una dinámica firme, pero creo que el papel se le cae de la manos en algunos momentos. 
Me ha gustado. Interesante y bien trazada. Pero no una de las características de Eloy, un Director imprescindible y maravilloso.

§ 4.092. Misión en Ginebra (José Antonio De La Loma, 1967)

Una de De La Loma. De las primeras, cuando todavía no había abandonado las pretensiones de hacer cine y se había ido de lleno al cine “quinqui”, donde era un director muy sugestivo.
La película no llega a construir una verdadera historia interesante. Tiene momentos, pero poco más. Además, por momentos tiene es punto ‘guasa’ con musiquilla repetitiva e intrascendente que hace que no puedas tomar en serio la historia. 
Inspirado en historias del cine negro americano -persecuciones en coche, cambios de personas, espías por doquier- no está a la altura de lo deseable. No digo ya de lo esperado, digo de lo deseable. 
Me gustan los planos de la ciudades (Ginebra, Nueva York), alguna vacilada con el tabaco y la modernidad que pretende destilar. 
Pero en linas generales me ha defraudado.

$ 4.091. Ciudad de las estrellas (Ben Nedivi (creador), 2026)

 

§ 4.090. Cuadrilátero (Eloy de La Iglesia, 1970)

Una de las primeras películas de De la Iglesia, y es buena. Tiene tono y tino, tempo y temperatura. Lo tiene todo. 
Me ha gustado cómo maneja la sordidez del mundo del boxeo español como si fuese una clásica cinta americana. En todo funciona como una cinta clásica.
Le falta desarrollo y contenido, algo de profundidad y más capacidad de emocionar. Se ve bien y no ha envejecido mal del todo, pero le falta profundidad. Es algo sutil, pero se aprecia cuando el metraje avanza. 
En todo caso marca el camino de De la Iglesia como un hombre de cine integral. Es su tercera película. Y su primera verdaderamente interesante, porque Fantasía 3 era otra cosa, más ensayo que película.

§ 4.089. Avaricia (Erich Von Stroheim Erich 1924)

Clásico del cine de todos los tiempos, que he entendido a medias. No es un cine que me atraiga, en realidad creo que quien ve este tipo de películas lo hace por aprender, por terminar ciclos, por no dejarse fuera algunos títulos reconocidos, etc. 
Además es una cinta larga de verdad, 126 minutos nada menos. Se hace larga, se mire como se mire.
Funciona internamente, no hay duda, y tiene su ritmo y su tempo, pero no veo cine ni para dármelas de listo, ni para provocar admiración en los demás, ni nada parecido. Veo cine porque me gusta, y en ese gustar sí es cierto que hay algo que me llama a intentar aprender, y para ello es necesario ver de todo, de todos los tiempos, de todos los cines, temáticas, estilos épocas, entre ellas el cine mudo.
Una historia de ambición como tantas otras, por el dinero, por el destino, por la supervivencia a veces. 
Tiene su encanto, como no podía ser de otra manera, pero me parece que no es tan brillante como otras mudas que he visto y que sí me parecieron incontestablemente obras geniales: Nosferatum, Tres hombres malos, Juana de Arco, La Carrera fantasma.
Quizá el director que mejor se acomodó del paso del mudo al sonoro fue Frank Borzage, que tiene incontestables obras maestras en los dos tipos de cine. 

§ 4.088. Volvoreta (José Antonio Nieves Conde, 1976)

Supongo que un director de cine lo que quiere es rodar películas, como un escritor publicar libros y un músico componer partituras.
Nieves Conde ya había rodado en 1976 sus mejores cintas. Sin duda alguna. 
No le reconozco nada por lo que me han gustado sus películas anteriores.
Me gustan sus paisajes gallegos (sé que son gallegos, pero si no lo supiera diría que son asturianos) y la naturaleza que muestra, la racialidad de la propuesta y lo avanzado de la misma desde el punto de vista social. Especialmente para un Falangista de manual, como lo era él. Tan criticado como desconocido. Hay mucho de Falangismo en las propuestas de Podemos, por ejemplo, aunque ni siquiera sus actuales dirigentes lo saben. El peso del apoyo a la Dictadura será una losa para ese partido toda la vida.
Amparo Muñoz, con todo lo que era en aquella época, Mónica Randall, tan guapa como siempre y Pilar Bardem componen el trio de mujeres protagonistas. Llama la atención la participación de esta última, por ser hermana del director abiertamente comunista Juan Antonio. 
Curiosa coincidencia. Algo más que coincidencia, seguramente algo querido por el director. No me cabe ninguna duda de qué hubiera ocurrido al revés, si un hermano del falangista hubiera podido ser contratado por el comunista. Pero eso es otra historia, que no viene al caso.
La historia es tan convencional como previsible. Me ha llamado la atención la intensidad de las escenas de cama, muy de la época, pero no las preveía para un director tan ortodoxamente franquista.
El guión es del escritor gallego Wenceslao Fernández Flórez, del que se han llevados varios libros suyos a películas.

§ 4.087. Pobres criaturas (Yorgos Lanthimos, 2023)

 No me gustan este tipo de películas fantásticas. Ni las comprendo, ni las disfruto, ni las sé apreciar. No consigo que me interesen, pierdo el hilo con (demasiada) facilidad y no las encuentro ni bellas, ni comprensibles. A la vez entiende que haya público que las adore. Porque son sugestivas y bonitas a su manera.
Me gusta la ortodoxia estética, lo conocido, soy feliz en las formas ya trilladas, y no quiero aprender otro lenguaje, prefiero profundizar en el que más o menos disfruto cada día. 
¿Tiene mérito este tipo de películas? Muchísimo. ¿Más que una película ortodoxa? Sin duda, muchísimo más.
Pero no soy capaz de encontrarse la gracia, el tino, el tono, el tempo. Intento encontrarle una lógica y es ahí donde me pierdo. 
Por otra parte ver en esta película un icono del feminismo es echarle mucho hilo a la cometa. No es el tipo de estética que se compagina bien con el pretendido discurso. La libertad sexual en una Inglaterra Gótica y post-punk es difícil de hilar con un ensayo sobre la sexualidad femenina y cómo ésta ha llevado a la mujer a la liberación de un entorno patriacal. 
La he terminado con desgana, por terminarla, en un día de calor verdaderamente notable en este Cáceres que, la verdad, arde ya en estas fechas. 

§ 4.086. La isla misteriosa y el Capitan Nemo (Juan Antonio Bardem, 1973)

No pensaba que Bardem iba a meterse a hacer una versión de una cuento de Julio Verne, pero ahí le tienes, como un campeón. Y es muy divertida. No es, ni por asomo, de lo mejor de él, que se mueve mejor en terrenos dramáticos, tensos y difíciles, pero es una película muy entretenida, con sus momentos divertidos y su interés por la trama y los personajes. 
Tuvo, en el mismo año, una miniserie del tiple de duración. La película dura 120 minutos, y la miniserie 316 minutos. Supongo que se aprovecharía el metraje y se le añadirían algunas escenas y subtramas secundarias. No la he encontrado en ningún catálogo. Mismos personajes, misma trama, mismas aventuras. Se le añadió otro director, un tal Henri Colpi para mi desconocido que supongo que le daría continuidad a la historia aportando cosas desde la segunda unidad o algo similar.
Me ha gustado. Nada que ver con otras cosas suyas, supongo que las cuestiones alimenticias tienen mucho que decir en todo esto, pero se puede ver. No profundiza en ninguno d los aspectos conflictivos que le hubieran dado juego: el papel del hombre de color, la actitud ante la vida, prácticamente religiosa, que parece presidir la vida de Nemo, la sensación de opresión en la que viven los personajes encerrados en la isla, etc.

Es una macro producción de varios países. Probablemente estuvo rodada en Canarias, porque los paisajes son inconfundibles. Me ha gustado la música, de Gianni Ferrio, especialmente cuando dramatiza los aspectos de tensión.
Pero está muy bien hecha, es divertida y se deja ver. Interesante, sin más.

§ 4.085. La señora Chesney (Jean Negulesco, 1953)

 Caray, qué emotiva. No suelen gustarme las películas con niños como protagonistas, porque me hacen daño, me hacen sentir mal. No me gusta la infancia. Ni la mía la recuerdo con nostalgia y cariño ni las que veo en el cine me parecen ejemplare o dignas de contar. 
Lo de Greer Garson es para echarla de comer aparte. Qué actriz, qué elegancia, qué belleza, qué energía, qué humanidad, qué bien lo hace. Qué bien, por favor, qué bien. Es una mujer maravillosa.
Además reúne las características de las mujeres que me gustan. Pelirroja, como mi mujer, de tez blanca, ojos vivarachos, determinación constante y una constancia en las decisiones que a veces se confunde con seguridad, porque ésta es solo una manifestación de aquella. Tierna, guapa, dulce y amorosa. Es el ideal de mujer que siempre soñé.
Walter Pidgeon en su sobriedad característica. Alto, fuerte, formal, estilizado y siempre con cara de enfadado.
Agnes Moorehead hace de monja, claro. Donna Corcoran es la niña, y Arthur Shields hace de cura, cómo no.
Me ha encantado. Me ha parecido sensacional. Humana, sentida, realmente tierna y muy comprometida.
Además del planteamiento básico e inicial: adoptar a una niña, la cinta plantea otro dilema, religioso, en este caso. La adopción de una niña católica por una familia protestante. Un verdadero drama religioso, que queda en nada por la humanidad de las relaciones entre las personas. 
Es deliciosa la película. Los diálogos, la ternura de las relaciones, la confianza en que el amor saldrá adelante. Es preciosa.
En la estela de Corazón a Corazón (Mervyn LeRoy, 1941) por la temática y los protagonistas.

§ 4.084. Accatone (Pier Paolo Pasolini, 1961)

Pues será todo el neorealismo que quieras, tendrá toda la virtud que supongas y quizá constituya una obra de arte en sí misma, pero me parece un trastazo, un latazo, un coñazo, una pretenciosidad (con música de Bach, esto sí) y un aburrimiento. Pare ver esto prefiero no ver nada. 
¿Que lo que digo es sacrílego desde un punto de vista cinematográfica?
Pues me es indiferente. No soy un crítico de cine, ni soy un pretencioso. Soy simplemente un aficionado al que le gusta coleccionar películas, ver películas y ficharlas.
Y esta no la voy a volver a ver nunca más.
No me gusta el neorrealismo italiano, ni sus derivaciones. No lo soporto, me parece una estafa. Ni Visconti con Rocco y sus hermanos (aunque es la que más me gustó), Obsesión y La tierra tiembla; ni De Sica con el Ladrón de Bicicletas; ni cintas similares. Alguna cosa de King Vidor sí me gustó, en concreto La calle, pero tampoco sé si calificarlo de Neorealismo. 
No sé si Rosellini puede calificarse en sentido estricto como Neorealismo, pero Roma, Ciudad abierta sí me pareció muy buena. También me gustó Europa 51 (mucho), pero no Alemania, Año cero, y por supuesto Stromboli. Surcos de Nieves Conde es otra cosa.
No soporto esa sensación de estar viendo un documental, más o menos camuflado, de no estar viendo una ficción.
Yo no quiero aprender con el cine, ni que me de doctrina, ni que me enseñe. Quiero que me mienta, que me cuente cuentos. 
Quiero ser engañado por el cine, quiero sentirme bien viendo película que sé que son mentira. Piratas, tigres, bandoleros, amores eternos, mujeres que no dan problemas, trabajos bien pagados, hombres fuertes, héroes de plástico, indios tras los caballos...
Esto es insufrible.

§ 4.083. Bugonia (Yorgos Lanthimos, 2025)

 Me gustó La favorita (2018). Peculiar pero intensa. No había visto nada más de Lanthimos. 
Ésta es la última. Y no defrauda, no. No defrauda. 
Rara pero intensa, muy marcada, salvajemente cruel y dura.
Puede verse como una crítica al capitalismo. Sí, sé que es una exageración, pero puede verse así. Las masas cretinizadas que viven en colmenas sin ninguna posibilidad de tener una vida más allá de sobrevivir frente a una élite que desperdicia recursos y que patrocina la creatividad como forma de nueva esclavitud laboral.
Lo singular es que los empresarios son “andromedanos”, es decir: seres de otro planeta. A ella le llaman: “Pura maldad corporativa”.
Mientras que los trabajadores de la fábrica son los humanos. 
Lo peculiar del asunto es que, a medida que la cinta avanza ves más comprensible la hipótesis descerebrada que plantean los secuestradores. Y eso es lo más grande del asunto, lo interesante.
Me ha gustado cómo se llama la chica: Humanoide Fuller, no sé si en un guiño a Samuel Fuller. Quizá intento ver cosas más allá de los planteamientos del propio director.
Pero, en realidad, más que una búsqueda de un mensaje es una pura incomodidad. Lo que pretende el director es que estés incomodo viendo la cinta. No que te plantees cosas, ni que cuestiones planteamientos, dogmas o pensamientos. Es una pura emocionalidad. 
La relación entre los dos secuestradores es otro de los puntos fuertes de la cinta. 
Es un remake de una película coreana: Salvar al planeta tierra (Jang Joon-hwan, 2003). Evidentemente no la he visto, pero me la apunto.

§ 4.082. Carne de horca (Ladislao Vajda, 1953)

Vajda. Un húngaro radicado en España en donde triunfó sin ningún género de dudas. Un grande del cine europeo que hizo sus mejores cosas aquí.
Esta cinta es extraordinaria. Una fotografía grandiosa, un blanco y negro nítido y definido con tintes de expresionismo (alemán), sobras y luces que enfatizan la desdicha, el miedo y la venganza. A veces excesivamente acusado en los ojos que quedan en sombra cuando se planean las escenas de acción.
Me ha encantado. Una verdadera joya a reivindicar. 
El mito de los bandoleros de la serranía de Ronda actualizado y puesto al día. Trabucos, navajas, caballos, y una banda sonora que combina canciones flamencas con piezas de música organizada con cánones clásicos. 
Los exteriores son magníficos, de verdadera sierra. Rodada en Antequera queriendo ser Ronda. 
También puede leerse el guión como un estudio de la moralidad de los personajes. La evolución del hijo desde la desidia por la vida y ser un crápula hacía la construcción de una venganza organizada. Es el último rito por el que tiene que pasar un hombre antes de adentrarse en la vida adulta. Una novia le había dejado, sin que ello le supusiese el menor de los percances, y las deudas de juego le consumían. Ser capaz de abandonar esa vida precisamente adentrándose en los peligros que naturalmente se quieren evitar es toda una ironía. 
Me ha gustado mucho.

§ 4.081. Caza al terrorista (Paul Schrader, 2014)

 No entiendo cómo Schrader hace esta cosas. Cine de lo más comercial. Sin una pizca de clase, estilo o personalidad. Podría haberla rodado cualquier. Cualquier director. No hace falta ser Schrader para rodar esto. 
Tramas de espias, torturas, la Cia de por medio. Persecuciones en coche, memorias USB que contienen información importantísima. Malos malísimo, buenos con dobleces, intenciones nobles que se van pervirtiendo, y 84 minutos de cine comercial con un Nicolas Cage en estado semi histérico totalmente desfasado. Alcohol, demencia, pastillas, resentimientos del pasado y traumas por estrés al haber sido torturado. Todo un poema. Sin familia, y que vive en un bar que se llama Ruby Tuesday, como la canción de los Rollings  Stones. Toda una parodia del cine de espías. No se puede ver desde otra perspectiva. Nigerianos que toman una medicación específica, rumanos que se la llevan, espías para todo, muertos desde hace veinte años que no están muertos. 
Un delirio muy de los que pueden permitirse rodar cualquier cosa porque saben que va a salir adelante y que va a tener público para ello.
No sé. Supongo que hay que pagar facturas y que la creatividad tiene fase y momentos. Pero no creo que sea la película preferida suya. 
No creo que sea la película preferida de siempre.

§ 4.080. El contador de cartas (Paul Schrader, 2021)

 Peculiar película, como todas las de Schrader. Motivos ocultos, imágenes poderosas, temáticas duras y ásperas, personajes turbios.
No es lo que más me ha gustado de él, pero tengo que reconocer que son cintas que una vez empezadas es difícil que no te atrapen.
Considerar que la pericia en los juegos de cartas es de similar entidad a la capacidad para interrogar a detenidos es, cuanto menos, ingenios y peculiar. Pero la idea es explotada con interés. Suena bien y aunque no es su mejor película entretiene y muestra interés.

§ 4.079. Duelo en el Amazonas (Eugenio Martín 1964)

Una coproducción Francesa, Brasileña, Alemana y Española. Casi nada. ¿Quién pondría el dinero y cuánto?
Misterios de la producción. 
Se ve muy bien, el color es magnífico y seguramente se rodó en un formato de alta definición, 
Actores españoles y alemanes y supongo que los miembros del equipo también serían de las mismas nacionalidades.
El guión me ha recordado a una película de Henry Hathaway. La hechicera blanca (1953). Éste es bastante peor película que aquella.
Se deja ver, tiene su gracia pero no va a ninguna parte. Tiene ritmo, pero no funciona. Es de lo peor que he visto de Eugenio. 
La cinta también es conocida como Diosa Dorada del rio Beni. Y en los créditos se atribuye una coodirección con Franz Eichhorn. Es cierto que los créditos del comienzo de la película están escritos en alemán, acentuando la coproducción, pero la dirección se atribuye en la cinta a Eugen Martín. Ni siquiera a Eugenio.
Como entretenimiento de sobremesa no está mal. Se deja ver. Funciona relativamente bien, aunque por momentos se pierde el interés. Planos que no funcionan, metraje inconsecuente, etc.
No es un buena cinta. Se puede ver, pero no es buena cinta.

§ 4.078. Lejos del mundanal ruido (John Schlesinger, 1967)

 El compromiso actoral es de primer nivel: Julie Christie, Terence Stamp, Peter Finch como y Alan Bates. Casi nada. Cualquiera de ellos por sí solos llena una película.
Cinta larga, más de 160 minutos, dos horas y cuarenta minutos. Una barbaridad.
La ruralidad está bien planteada, bien trazada. Los escenarios, decorados animales organizan las escenas amorosas y de cortejo. Nada que decir. Pero le falta algo de armadura y estructura. Es una película “lenta”, cadenciosa y contemplativa. La explotación de la ruralidad funciona como reclamo, pero está alejado de los intereses cinematográficos que contemplo usualmente. Hay que ver de todo. Pero esto no me ha gustado especialmente. 
¿Esta bien hecha la película? Por supuesto. ¿Es buena? Probablemente. 
¿Me ha gustado? Lo justo, lo necesario para verla. 
Perfectamente ambientada, con actores estupendos, especialmente Peter Finch, que es una debilidad personal.
El director de fotografía es Nicolas Roeg, luego director del que he visto varias cosas, interesantes todas. 
La música, al parecer, es célebre. A cargo de Richard Rodney Bennett, que incorpora canciones folk y tradicionales con ritmos nuevos y más tecnificados.
La lentitud es exasperante. Porque, a diferencia de los japoneses que adoro, Ozu y Mizoguchi, principalmente, la contemplación en esta cinta es impostada, como una forma de rebajar la tensión emocional, como una técnica. Mientras que en ellos es estructura de la narrativa. Para los orientales es su lenguaje, en esta película es elección dramática y técnica narrativa. Por eso cuando se acelera en momentos de tensión -como en el incendio- se ve rara e incluso impropia. Me recuerda, en este sentido, a La hija de Ryan, aunque esta es peor que aquella, que es extraordinaria, por más que fuera masacrada por la crítica y el público.

En definitiva, es interesante, está bien rodada y funciona. Pero no es mi tipo de cine. 

§ 4.077. Los buitres cavarán tu fosa (Juan Bosch Palau, 1972)

 

Cuidada producción de un director de la industria, de los de siempre. Nada especial, pero siempre disponible. Un “Paella´s Western” en toda regla. 80 minutos de Oeste básico para pasar la tarde de calor de junio.

Se ve bien, la tratamtiene interés y no se hace pesada. Buenos escenarios naturales, un leit motive interior que la guía y una música (de Bruno Nicolai) repetitiva y reiterativa que ayuda a que se comprenda la historia, acentuando los pequeños dramas que la guían.
Tiene mala nota en cualquiera de las plataformas que la notician, pero tiene su gracia. Es mejor de lo que la valoran.
Con el característico Craig Hill, y Fernando Sancho en sus papeles principales.
Me ha gustado. He visto Western peores. Los escenarios se sostienen, los decorados, los personajes, la trama, el guión. No es una brillante película, pero se sostiene. 

§ 4.076. Cómicos (Juan Antonio Bardem, 1954)

 Vida y obra. Aspectos que en cualquier profesión van separados sin problema alguno, en determinadas profesiones -como los actores de teatro- es más difícil de separar. 
Quizá eso sea bueno para la profesionalidad del actor y su capacidad de progresar, pero para tener una vida privada no es lo más razonable. 
Y la vida en sombras, copiando el título de la famosa película, tiene peligros, como el que se avizora desde el primer minuto.
Está muy bien narrada, los problemas de los actores están bien reflejados, y el tino es sereno. Da gusto ver este tipo de obras, organizadas con dedicación, esmero y cultivadas a fuego lento.
El reparto es espectacular. Elisa Galvé, y Fernando Rey son los actores principales. 
Está tan bien narrada que, por momentos, no sabes si están hablando entre ellos o representando escenas míticas de determinadas obras de teatro que ellos mismos han actuado con anterioridad. 
Me ha gustado, pero menos que otras de Bardem, que es un directorio como la copa de un pino.

§ 4.075. Orgullo (Manuel Mur Oti, 1955)

Una producción extraordinaria. Tiene todo lo que una gran producción tiene que tener. Una historia magnífica. Un guión verdaderamente extraordinario. Trama, personajes, espacios abiertos, planos, encuadre, fotografía, y un tono firme y seco en la dirección que acompaña lo agreste de la historia. 
Si esto te lo firma William Wyler, Stanley Kramer, Cecil B DeMille, Anthony Mann, Howard Hawks, o Henry Hathaway dices que es una historia magnífica, espléndida. No sé por qué no se tiene en mejor consideración a Muy Oti. Me parece un director absolutamente excepcional. Así, con todas las letras, EXCEPCIONAL. El mejor talento de su generación. No sé qué pudo ocurrir para que no tenga la fama que deería haber tenido. Sólo los muy especializados, sólo los entendidos, lo conocen y lo valoran. No hay distribución de sus películas en DVD, no he visto un ciclo de sus películas, un premio que lleve su nombre, un homenaje, un libro de recuerdo. 
A lo mejor no sé de esto. Me gustaría saber lo que los entendidos de cine patrio piensan de él y su cine. Garci, Marías, etc. 
Veo algo del cine clásico en sus estructuras, en las tramas, en la cadencia del discurso, en el lenguaje universal del movimiento de las imágenes. 
Qué ternura de los personajes principales, qué dureza en sus respectivos padres. Es verdaderamente brillante.

§ 4.074. La caza del oro (Juan Bosch Palau 1972)

He visto cosas peores, pero no muchas. Un Western básico, lleno de tópicos y que funciona como las novelas del Oeste, esas en las que LaFuente Estefanía era un crack. 
Se ve por el interés de ver qué ocurre con los personajes. Nada más.
Lo peculiar es que el protagonista principal es un pistolero mayor, listo como un demonio que conoce dónde se encuentran unos kilos de oro que robó antes de entrar en prisión veinte años antes.
La galería de personajes es espectacularmente paródica. El malo malísimo, el malo guapo, el indio, el resentido, el joven con ínfulas… todos, más o menos los de siempre.
Dura 90 minutos y se hace pesada. Para lo que tiene que decir es mucho metraje. 
Alguna situación cómica, algún plano, algún diálogo, pero pocas cosas que decir. Todo envuelto en una estética del oeste de lo más ordinario. 
Un oeste básico para pasar un rato de la tarde de un día de verano. Sin más. Nada más que recordar.