§ 3.513. Horizon: An American Saga - Capítulo 1 (Kevin Costner, 2024)

 

Bueno. Pues tenía muchas ganas y no me arrepiento de ello. Me gustan las películas del Oeste, los Western, es, junto con el cine negro, los géneros que más me gustan. 

Pretende crear una epopeya clásica sobre la conquista del oeste, sobre el expansionismo americano a mediados del siglo XIX, el último tercio más concretamente.

Colonos en Monumet Valley y en Montana, historias que corren paralelas en donde se muestra la brutalidad y las dificultades que conllevaba la colonización. Pero no sé qué me he perdido en el tránsito de los hombres de Montana a Monumet Valley... porque no cazo cuándo ni dónde..., ni por qué. Quizá alguna explicación retrospectiva no hubiera venido del todo mal. 

Los indios, naturalmente, no se dejaban colonizar, luchaban por su identidad y por su territorio. No todo -quiere decirnos el director- es tan bonito como nos lo pintaban. 

Es intensa, por momentos funciona, pero no me parece, en términos generales, una obra mayor. Es buena, muy recordable, atractiva e intensa. Pero algo pesada. No densa, sino pesada. Lo que pretende no es sólo que ya no se lleva, es que, no es el momento para hacer estas cosas. Es una obra mayúscula, pretenciosa, mayor, "epopéyica", "odiséica". Monstruosa en sus pretensiones, inabarcable en su desarrollo, incierta en su resultado. Son dos An American Saga ocupan más de 370 minutos, muchas horas. 

Las imágenes son bellas, monumentales. Muy buena fotografía, colorida, pero no saturada. 

La música acompaña hasta cierto punto. Es de John Debney. No consigue el tono adecuado. Supongo que en una sala de cine, totalmente a oscuras, a todo trapo el sonido puede impactar, pero no me ha llegado mucho. Los momentos líricos están mejor apegados a la pantalla que los épicos. En todo caso es una banda sonora importante, que quiere decirme cosas, que puede oírse por sí misma, que está ideada no sólo para acompañar sino para pertenecer, no sólo sirve a las imágenes, las intensa completar y engrandecer. 

Tiene hechuras más de serie que de película. Los personajes se presentan con cadencia, a veces sin conexión excesiva con la trama central. Esperas su conexión pero no parece llegar. Por momentos las historias no parecen conectarse bien, no estar bien cerradas. 

Está muy bien, pero me parece menos redonda que Open Range (2003), que me parece de largo su mejor película. 

§ 3.512. Bobby (Emilio Estevez, 2006)

 

El propósito es loable, el tratamiento quizá no sea el adecuado, y el resultado final es mejorable. 

La idea de mostrar cómo vivieron el asesinato de Bobby Kennedy  un rosario de personajes de distinta condición y pelaje es interesante, pero más propio de una serie de televisión que de una cinta para pantalla grande. Pierdes el hilo con facilidad, no te centras en la historia y, sobre todo, el asunto principal queda bastante diluido en un mar de datos, planos, personajes, e historias que a nadie importan, o importan poco.

Está bien rodada, la ambientación es perfecta -no es vano era su época- y tanto el color como el sonido es muy bueno. Técnicamente está muy bien, pero le falta algo de punch para impactar con fuerza.

§ 3.511. La clave de la cuestión (Hubert Cornfield, 1962)

Una película muy atrevida para su época. Racismo en estado puro. Tratamiento médico y transferencia de pensamientos entre paciente y médico. 

Me recuerda, además bastante a Un rayo de luz (Joseph L. Mankiewicz, 1950), aunque esta es peor que aquella. Sin duda alguna. Al menos a mi juicio. 

La sensación de racismo en vena e irracional, heredado y atávico está mucho mejor expresado en la de Mankiewicz. Aquí la actuación racista es más gruesa, más grosera, menos sutil. Más dedicada a subrayar los aspectos más sórdidos de la cuestión.

El retrato psicológico del enfermo está bastante bien trazado. Y el recurso a explicar algunas cosas mediante imágenes superpuestas es interesante y efectista. 

Sin embargo cuando se mezclan las épocas del niño cuando ya es mayor no funciona como recurso interpretativo. 

El duelo interpretativo entre un ya muy conocido Sidney Poitier y Bobby Darin, que era más cantante que actor, aunque hizo unas cuantas (pocas) películas. Quizá no llegó a explotar su vena dramática, quizá no funcionó en taquilla, quién lo sabe...

Buena película, bien narrada, interesante y efectista. Me ha gustado.

§ 3.510. Rio arriba (John Ford, 1930)

 

El encanto de ver una John Ford nunca se pierde. Pero ésta no es una obra maestra. Ya había rodado cosas mejores que esta, sin duda. El interés de ver la única cinta que unió a Humphrey Bogart con Ford. Interesante Spencer Tracy, que sí trabajó con Ford en otras películas, alguna muy célebre. Me llama la atención que también está Ward Bond en un papel muy pequeño. Ya en la tribu de Ford, desde el principio prácticamente hasta el final.

La chica se llama Claire Luce, y tiene algo que me recuerda a Silvia Sidney, esas sutileza en los movimientos, el cuerpo menudo, esa forma grávida de moverse con unos ojos enormes que mantiene abiertos como si todo en la vida fuera una sorpresa para ella. Ésa fue su primera película y sólo rodó otras tres más y una serie. Poco bagaje. 

Tiene un tono ligero, prácticamente de comedia, que no se ajusta a la trascendencia que suelen tener los personajes de Ford. Personajes muy hieráticos, inmóviles, espasmódicos por momentos, nada sutiles y poco dados a la singularidad. Son retratos bastante bastos y groseros de 'fenotipos' de comportamiento.

No me parece una gran obra. Un Ford pobre, cuando todavía no era lo que fue, pero cuando ya sí había rodado cosas realmente potentítimas.

§ 3.509. Sansón y el tesoro de los Incas (Piero Pierotti, 1964)

 

Clase media (baja) italiana de los años sesenta. Poco que esperar, más allá de una historia más o menos digna del oeste, con el clásico tratamiento de spaguetti western. Tramas sencillas, identificaciones simples de buenos y malos, tratamiento neutro, color y algo de bondad trasnochada alrededor de una historia de amor que no se sostiene. 

Un poco larga para tan poca sustancia. Como a muchas películas, le sobre metraje. Llena de tópicos, escenarios edulcorados, y escenas simplonas y poco edificantes. El bueno, el malo, la chica, las peleas, el oro naturalmente, y esos saturados escenarios que igual servía por la mañana para rodar una del oeste de Serie B, como esta, y por la tarde una comedia de situación del oeste. 

Mala, mala.

§ 3.508. Asesinato por decreto (Bob Clark, 1979)

 

Clasicismo británico bien engalanado. Buen guión, bien enlazadas las ideas y ese saber hacer tan característico de las películas británicas hechas con clase y estilo. El director, sin embargo, es estadounidense. No he visto nada suyo. Muchas comedia de situación e incluso cintas infantiles y poca sustancia.

Un ambiente muy logrado, en una historia que ha dado lugar a multitud de películas, sagas, series, modelos de comportamiento, seguro que cómics, capítulos para la televisión y un largo sinfín de comedias, obras de teatro, operetas, etc.

En Filmaffinity, que es, sin lugar a dudas, la mejor base de datos en castellano sobre películas sobre Jack el destripador se cifran hasta 82 películas sobre el tema en las que de forma directa se aborda este tema. Probablemente, y descartando las películas de vampiros y zombies, es una de las temáticas más tratadas en el cine. Desde los años treinta hasta la actualidad.

El reparto es de lo mejorcito que se podía recopilar en esa época: Christopher Plummer, que hace Sherlock Holmes y James Mason que juega el rol de Dr. Watson, encabezan el reparto. Pero aparece también Donald Sutherland, Anthony Quayle, Frank Finlay, David Hemmings y John Gielgud.

Los trajes, la ropa, los carruajes, todo muy bien conseguido. Me encanta la capa británica de Holmes, esa que parece a la portuguesa del Alentejo que me compraban de pequeño y que me gustaría adquirir alguna vez de mi talla.

Me ha gustado, pero me ha parecido muy larga, innecesariamente larga. 125 minutos son muchos para una historia tan conocida y que trata de una manera tan clásica el asunto.

§ 3.507. La carne de la orquídea (Patrice Chéreau, 1975)

 

Oscura y difícil. Con pretensiones de gran obra, algo en la línea de Clouzot... bien ambientada, con juegos con los sonidos y la música. No es truculenta, ni mucho menos, pero tiene un punto desasosegante, insatisfactorio, mórbido, malsano, enfermizo. Es una historia como común, nada creíble, pero esto es cine. 

Interesante la combinación de Charlotte Rampling, con Simone Signoret, y el bruto de Bruno Cremer, inolvidable por su papel de policía psicópata en Fanny Pelopaja (Vicente Aranda, 1984).

Tiene escenas brutales, de una violencia salvaje, inusitada, desproporcionada. Que no casan bien con la sutileza de la trama. 

Si me dicen que la novela es de George Simeón me lo creo perfectamente, pero no es de él. La segunda trama subyacente complica el asunto demasiado. La historia primera ya de por sí era suficientemente sabrosa como para incorporar nuevas historias, que naturalmente se cruzan pero que, a mi juicio, oscurecen la claridad de la primera historia.

Interesante, pero no me ha parecida una obra excelente. Primera película que veo de su director, para mi hasta este momento, un perfecto desconocido.

Me ha parecido innecesariamente larga. Lo que cuenta el director se puede contar con veinte minutos menos.