§ 4.015. Dulces sueños (Karel Reisz 1985)

I

Interesante biopic sobre Patsy Cline, una cantante americana de Country de los años cincuenta de carrera fulgurante pero breve. Murió a los 31 años en un accidente de aviación. 
Su influencia en la música es, al parecer, descomunal. Cambió del Rockabilly al Country, y desde aquí al Pop. La clásica versión del sueño americano: éxito, influencia, dinero, amor, y muerte siendo un cadáver joven.
No me sueña especialmente, pero la música de la película en la que canta verdaderamente la protagonista, no la actriz, desvelan una voz característica, algo nasal pero con mucha fuerza, tono y tino. Verdaderamente un gran cantante. Lo que se denomina una voz prodigiosa. 
Millones de discos vendidos, influencia colosal en cientos de cantantes y músicos, una mujer verdaderamente impresionante. No he escuchado nada de ella. Pero no es extraño, sólo escucho Jazz.
La película está muy bien rodada, y los dos protagonistas están estupendos. La siempre eficaz Jessica Lange, sonriente y atractiva y Ed Harris como su segundo marido, quien la hizo feliz y también desdichada, alejándola de la vida familiar hacia terrenos inhóspitos de amargura, alcoholismo y resentimiento. 
El director es Karel Reisz, un director muy interesante, un virtuoso del cine británico, que se fue alejando progresivamente del movimiento del nuevo cine británico para incorporarse a una comercionalidad cada vez más acusada. A medida que avanza su carrera se difumina en película más mediocres, quizá gane público, pero pierde personalidad y atractivo. 
Su carrera es corta: - Sábado noche, Domingo mañana (1960), - Night Must Fall (1964), - Morgan, un claro clínico (1966), - Isadora (1968), - El jugador (1974), - Nieve que quema (1978), - La mujer del teniente francés (1981), - Dulces sueños (1985) y Todo el mundo gana (1990)
Me gusta como director, además de tener una vida personal de lo más peculiar.

§ 4.014. Mishima: Una vida en cuatro capítulos (Paul Schrader 1985)

 

Atrayente y sugestiva, como casi todo lo de Schrader. Visual, con mucho ritmo y tino aborda una historia de lo más peculiar. 
Desconocía quién era Mishima, su potencia, su estilo y la influencia de su obra. No digo nada ya de su muerte, de la locura de su intento de Golpe de Estado, de la polémica que le acompañó, etc.
Una película interesante, bien rodada, con pretensiones, con propósito. Algo ampulosa, alambicada, y con una cierta cadencia que la aleja de las cintas más notables de Schrader. 
Producida por Francis Ford Coppola y George Lucas, dos cineastas que por sí mismo llevaría un estadio de críticos y público a favor de su obra. 
Entiendo que Schrader ya era un director consolidado, quizá desde el comienzo de su producción. Blue Collar fue un éxito inconmensurable, tanto de público como de crítica.
Esta incursión en culturas distintas tiene su atractivo, pero no es, ni por asomo, una cinta “japonesa”, ni en los temas que toca, ni en la estructura formal o estética, ni en la cadencia de sus planteamientos. Nada que ver. 
Me ha gustado, pero esperaba otra cosa. Es interesante, está bien rodada, pero no profundiza en el personaje, me parece fría por momentos, académica y ortodoxa pero heladora. Le falta el pulso y la tensión que le sobra a Aflicción, que por supuesto es muchísimo mejor obra. 
Y se aleja de la morbosidad de El placer de los demás, que es también una gran obra, en donde se explora con mayor determinación aspectos que le interesan a Schrader. 
La pérdida de valores japoneses a lo que se oponía Mishima no se ven del todo reflejado en la película. Los personajes se comportan como si fuesen occidentales, americanos. Carecen de la gestualidad japonesa, de la seducción que imprimen sus caracteres, de la atracción de su carácter. No consigue profundizar en la ideación de lo japonés.
Está bien, pero no me ha sorprendido. Hay algo de usual, de trillado, de conocido.
La idea de hacer avanzar la película exponiendo las obras claves de su trayecto es brillante. Para un desconocedor absoluto de su obra es una forma muy interesante de acercarse al autor.

$ 4.013. Hijack (George Kay (Creador), Jim Field Smith (Creador), Jim Field Smith, Mo Ali, 2023)

 

§ 4.012. La edad de oro (Luis Buñuel, 1930)

 

 El primer Buñuel. Su segunda película, realmente mediometraje. 
Surrealimo en estado puro. Ideas que se encauzan a través de un potente desarrollo visual, engarzando hechos, circunstancias y sucesos que no tienen un desarrollo lógico, ni siquiera racional. 
Vidas y costumbres de los alacranes, obispos rezando en un acantilado, bandidos agotados de caminar (no parece que huyeran de nada) y circunloquios varios que es estructuran más como un ensayo fílmico que como una película.
Adoradores de esqueletos, peregrinos de las rocas, amantes apasionados, lujuria encubierta, pasión no consumada…
Las memorias de Buñuel, que les el mes pasado, conceden mucha importancia a sus primeras películas, y, sobre todo, al hecho de no ser considerado como un abandonado del surrealismo. Se nota que el apego que sentía por el movimiento era algo más que una identificación grupal, o la rememoración de su identidad a través de la recuperación de su memoria. Además de eso, que probablemente también, el surrealismo es para Buñuel una fuente de inspiración, un lugar al que acudir para recoger la siembre de su cosecha intelectual.
No es mi tipo de cine. Puedo verlo, naturalmente, y creo que se puede prender mucho de él, pero no es mi cine. Hay algo oscuro y perverso en la contemplación de imágenes sin hilaron, en una sucesión de emociones dispares que no conducen a ningún sitio y que se encadenan únicamente por el capricho del autor. Podría estar montada la película de otra manera y sería exactamente la misma. 
Seguramente es una película fructuosa, pero no es mi tipo de cinta.

§ 4.011. Volvieron cinco (John. Farrow, 1939)

Tengo por Farrow una pasión secreta, me parece un director de una pieza en un período (de cine clásico) en el que triunfar en Hollywood estelar no era una cuestión sencilla. Todo lo contrario. Era muy difícil.
Y Farrow consigue dos cosas, entretener y divertir por un lado, y decir cosas interesantes, por otro. 
Y en esta cinta hace las dos cosas.
Un estudio psicológico de unos personajes envuelto en una aventura en la selva. Desde luego como propuesta es más que interesante. Cómo reaccionan las personas ante la presión es todo un misterio. Los seguros de sí mismo se amilanan, los débiles se crecen, los enfermos dan lo mejor de sí, y los fuertes decaen ante la menor adversidad. 
Me encantaría saber cómo le fue en taquilla. Porque aunque tiene claramente un formado de Serie B, es una muy buena película. De esas de la industria que se “fabricaban” en serie, de corrido, haciendo varias en el estudio a la vez. Por varios directores, con varios finales alternativos por países, etc. 
Un elenco brillante: Chester Morris, Lucille Ball, Wendy Barrie, John Carradine, Allen Jenkins y Joseph Calleja
La cinta tuvo un remake del propio Farrow en 1956 titulada “Regreso de la eternidad” que vi hace tiempo y analicé en el correspondiente post de este blog: https://www.filmaffinity.com/es/film919708.html
Me han gustado las dos, pero quizá la original sea más “fresca”, diferente, rápida y entretenida…

Pareciera como si la cinta original le hubiera quedado corta, como si se hubiese dejado algo en el tintero por decir, como  si no se hubiera quedado del todo satisfecho con el resultado.

Y se aprecia en varios detalles, dos particularmente. El "tempo" con el que se desarrolla la trama, cadencioso al principio, en la presentacion de los personajes pareciera como si estuviésemos ante una cinta más larga. Y el desenlace, apresuarado y con menos cantidad de matraje que la presentación. Son sólo 75 minutos, una hora y cuarto, lo ideal para colocar en la primera sesión de la doble de los sábados en cines de barrio.

§ 4.010. La noche de los asesinos (Jesús Franco, 1974)

De las de "clase media" de Franco. Continua con su serie de relatos inspirado en Edgar Alan Poe, que no le quedaron del todo mal. 
En esta época ya rodaba por rodar, habían pasados sus mejores obras y su intensidad fílmica no se correspondía con la claridad y maestría que se le supusieron en algún momento anterior.
Y, sin embargo, Franco siempre aporta algo, siempre tiene cosas que decir, y siempre gusta de ver sus películas, aunque no sean las más brillantes, 
Metraje muy civilizado, guión trabajado, equipo supongo que contenido y otra cinta más para el espectador, el público en general a su propia historia como narrador cinematográfico. 
Recupera el mejor tono que ya exhibió años atrás y se aleja del “fantadestape” que es el género que el cultivó de manera intensa.
Con todo en algunos momentos exuda sensualidad, especialmente en las relaciones entre las mujeres. Hay algo morboso entre ellas, como si fuese un sello de creación del director.
Está muy bien ambientada, la música está bien acoplada al discurso y la trama se desarrolla con naturalidad y discreción. 
De lo mejor del Franco de aquella época.
Interesante.

§ 4.009. La joven (Luis Buñuel, 1960)

Duro retrato de un sur empobrecido en EE.UU. Aunque no dice exactamente dónde se ambienta la película, no cabe duda del lugar. Puede parecer la dramatización de un relato de John Steinbeck, o de Truman Capote, o incluso de William Faulkner. Pudiera ser quizá de Tennessee Williams. Pero la historia, casi teatral, procede de un cuento de Peter Mathiessen, autor para mi absolutamente desconocido.

Racismo, venganza, deseo reprimido en una ambientación agobiante, claustrofóbica, cerrada, inculta y algo neurótica. El aislamiento no facilita la cordura. Pero no sé si el director consigue expresar lo que quiere decir. Es que no le veo en esta película. No sé por dónde cojerla.

Un reparto muy corto. Zachary Scott, que no sé qué pinta en esta cinta. Los repartos de Buñuel es una cosa peculiar. Bernie Hamilton y Key Meersman como la chica inocente que aviva el deseo de los hombres completan el reparto.

 No la he entendido muy bien. No parece una cinta de Buñuel. No juega con los elemenos que le suelen gustar, ni se recrea en los círculos neuróticos que tanto juego le patrocinan en otras películas.

La rodó en inglés, y a lo mejor pretendía hacerse un hueco en la industria, pero ni es una cinta verdaderamente suya, característica y rotunda, ni es un relato impactante y solemne que pueda influir en el público americano. 

Si lo que pretendía era intentar una aventura americana, no creo que lo consiguiera. La otra película que rodó en inglés fue Robinson Crusoe, ya me dirás tú qué hace Buñuel rodando una historia como ésa.  

Salvando las distancias me recuerda a La Caza, de Saura, aunque esta es peor película. Ese peligro constante que generan las armas que se manejan desde la soledad y el aislamiento, la sensación permanente de peligro, de que algo va a ocurrir, y el dominio de la situación desde la violencia. Tiene la razón quien tiene el arma. En eso se parecen, pero en nada más.