§ 4.050. Duelo en la cañada (Manuel Mur Oti, 1959)

 

 

Un tema de siempre, ambientado en una Andalucía de fin de Siglo XIX. Tonadilleras, cantaores, guitarristas, hacendados, bandoleros y una huida por amor y por miedo que es intemporal. En todo tiempo y lugar ha habido una historia similar. 

Bien rodada, pero bien rodada de verdad. No sobra un minuto del metraje. Todo sirve para explicar las cosas, todo es necesario. Un blanco y negro que se ve precioso, con una fotografía brillante, con planos iluminados de arriba a abajo de manera certera para enfatizar algunos aspectos del discurso y subrayar otros: la tragedia, la pena, la angustia, el amor. 
Me ha gustado mucho todo lo que he visto de Mur Oti. Director quizá más reconocido ahora que en su momento, pasa por ser un gran director en estos momentos, pero no tengo claro que tuviese gran predicamento en su momento. 
Me ha gustado mucho, mucho de verdad. Es una gran cinta.
Los actores principales son María Esquivel, una cubana preciosa, pequeña pero muy sugerente, y Javier Armet, actor algo hierático y con poca naturalidad y expresividad, que rodó muy  pocas películas, únicamente doce y que sólo he visto en una de Jesús Franco: Labios rojos, una de sus primeras cintas.
La pasión y el deseo funcionan perfectamente en una subtrama que sabes que va a ser la principal a medida que avance la cinta. 
Esa pasión que se torna en rivalidad cuando pretende sustituirse esa pasión y ese deseo en otra mujer.
También hay algo de rivalidad entre dos mujeres, de lucha por el amor de un hombre rico, de dos mundos enfrentados: la mujer pobre bella y racial, y la niña buena pero no tan atrevida, no tan bella, no tan mujer.

§ 4.049. El diablo que vino de Akasawa (Jesús Franco, 1971)

 Estoy convencido de dos cosas sobre Franco. Que era un cinéfilo experto, un hombre de cine absoluto, conocedor de temáticas, anécdotas, técnicas y películas de todo el mundo. y que se autopercibía como un cineasta absoluto, como un director capaz de todo, de hacer cualquier tipo de cine, cualquier película: terror, erótica, pornográfica, de cine negro y, como es en este caso, de espías en países exóticos. 
La música repetitiva y absolutamente irritante, electrónica y sicodélica al mismo tiempo, marca los ritmos de los tiempos de acción. Sustituir el Jazz que empleaba en sus primeras cintas por este tipo de ¿música? es cuanto menos sorprendente. 
La temática es un poco caótica, desparramante y fuera de lugar. En una especie de parodia desordenada se pretende trazar una temática de espías alrededor del robo de una piedra extraída de una mina del centro de África. Scott Land Yard, espías americanos, hoteles de mala muerte, prostitutas tristes que son espías dobles, legendarios miembros del servicio secreto… es un ver por ver, un ver fotogramas por ver fotogramas, sin demasiado sentido ni organización.
No le encuentro la lógica a la cinta y quizá de lo que se trata, sin más, es de divertirse con el propio “despiporre” que es la película.
El reparto es un poco lo de siempre: Fred Williams, Soledad Miranda, Horst Tappert, la guapísima 
Ewa Strömberg, y el americano Howard Vernon que parece un asociado a la Cátedra de Franco (por la cantidad de películas que rodó con él).
De verdad es que creo que se ríe de nosotros para que nos riamos con él. No hay otra. Los mejores tiempos de Franco ya habían pasado.

§ 4.048. La cuarta ventana (Julio Coll Claramunt, 1963)

Julio Coll tiene cosas mejores. Casi todas. No es una buena película, y ha envejecido realmente mal. La estructura es clásica, ortodoxa, ordenada, y el desarrollo está bien trazado, se ve bien, con un blanco y negro muy definido, y tiene un metraje civilizado (menos de 90 minutos).
Un singular thriller celtibérico de mujeres y cocaína. Avanzado por la temática y la situación que genera, pero no buena en general. 
Se hace pesada, no avanza con naturalidad, se tropieza con escenas deslavazadas del interés general. No se acaba de vislumbrar a dónde se dirige, más allá de constituir un singular entretenimiento como película de mujeres (y probablemente para mujeres).
Temas avanzados a su tiempo: tráfico de drogas, mujeres violentadas, venganza ante ofensas de hombres, empoderamiento femenino, etc. Temas usuales hoy en día, pero que en 1963 daban de qué hablar. 
La idea es buena. El guión está bien, pero no avanza correctamente. No sé por qué, pero se tropieza, se dificulta consigo misma y no consigue nunca situarte más allá de las meras imágenes. Además, en ocasiones parece una comedia, en otras una singular tragedia, a veces drama, pero sin trascendencia ni personalidad. Además la música que acompaña algunas escenas tiende a pordiosear la escena, con sonsonetes ridículos, agudos y desafinados. 
Difícil de catalogar y difícil de disfrutar. La imagino como un fracaso total en taquilla.
Es ambigua: mujeres empoderadas que se autocensura (o no se atreven a avanzar en su liberación personal); paisaje urbano y nocturno sin llegar a representar una verdadera liberación femenina; problemas sociales -cocaína dixit- tratado de manera frívola y poco consistente; policía autoritaria sin llegar a ser imperiosa.
Pretende ser una película avanzada a su tiempo, pero no lo hace en la dirección adecuada. Se ve rara, no es de su época, pero tampoco es innovadora. Mezcla géneros pero a veces parece un folletín, un vodevil, una revista.
Nada que ver con Un vaso de Whisky, Distrito Quinto, o Los cuervos, obras mayores en su filmografía. 
Se disfruta lo justo. No cansa, pero no se disfruta del todo.

§ 4.047. Correo de indias (Edgar Neville 1942)

Pretensiones de película de gran formato. Muchos extras, espacios abiertos, diálogos, escenarios, etc. Una película cara de rodar. Difícil y complicada. A cargo de un hombre poderoso en la industria, imaginativo y genial. El Orson Welles español. Un cineasta y vividor completo. Un hombre imprescindible en el mundo del cine español. Con películas verdaderamente geniales, básicamente las siguientes: La torre de los siete jorobados (1944) (magistral y onírica), Domingo de carnaval (1945), La vida en un hilo (1945) (que me pareció de prodigioso montaje), El crimen de la calle de Bordadores (1946) (impresionante) y El último caballo (1950) (verdaderamente ecologista). Tiene más, pero estas me parecen las mejores, aunque me quedan cuatro o seis por ver suyas. 
Rodada con su musa, Conchita Montes, una guapa entre las guapas a la altura en belleza de cualquiera de las americanas tan célebres en los tiempos gloriosos del cine. 
Es una historia de amor que imita a las clásica del Hollywood de barcos y amores, principalmente de Raoul Walsh con El mundo en sus manos (1952) y Los gavilanes del estrecho (1953), éstas bastante mejores y mucho más entretenidas. 
Tiene su gracia, pero dura demasiado: 98 minutos es más que suficiente para contar lo que tiene que contar. Pero bueno. El director se lo podía permitir. Era un grande entre los grandes del cine patrio, y le tengo por muy metido en el gobierno del cine español, un cineasta poderoso e influyente. 
Además le sobran números musicales y le falta diálogos y conversaciones. Se apoya mucho en la presencia de su musa y le falta contenido, ademas de no ser especialmente interesante en los momentos de acción.

§ 4.046. Calle Mayor (Juan Antonio Bardem 1956)

 

No dudo, ni por un momento, de la excelencia técnica de la cinta, de lo bien rodada que está y su grandeza e influencia. Pero no es mi tipo de película. Ni por el tema -que me hace sufrir-, ni por las formas, ni por la emocionalidad que trasmite. Es un tema que me repele, que no me gusta, que me provoca rechazo, que me hace sufrir.
Muy reconocida como obra grande del cine español, es la que menos me ha gustado de Bardem de todas las que he visto. En todas las demás -entre ellas varias obras maestras del cine patrio- siempre he encontrado algo realmente brillante. En esta no. Muerte de un ciclista, La venganza, Los pianos mecánicos, La corrupción de Chris Miller, Jarabo, y Resultado Final, son las que he visto. Y excepto la última, que verdaderamente no es buena, las demás me han parecido verdaderamente magníficas. Y esta lo es, pero no es de las que más me han gustado. Me ha costado terminarla. Me duele su temática, el desarrollo de su trama, no entiendo el sufrimiento y menos aun que las personas disfruten haciendo sufrir a otros, y eso me provoca rechazo, aversión, tristeza. La escena de la iglesia en la que se ven los protagonistas y ella comprende que el chico quiere ennoviarse con la chica es dramática. Refleja las ilusiones, las esperanzas y los anhelos de las personas, y con eso no se puede jugar. Nunca llegas a saber del todo si en la pretensión del chico hay un atisbo de verdad, de interés real, de ocultamiento a sus propios amigos de su interés. 
Verdaderamente retrata fielmente la idiosincrasia de una sociedad cerrada, pequeña, opresiva, cansada de sí misma y tremendamente pueblerina. Pero el personaje de la mujer es espléndido. El rostro le cambia cuando ve al chico, los sueños de un futuro con marido e hijos -aspiración muy humana y natural- se ven reflejados en su movimiento, en sus ojos, en su alegría, en su pasión renovada por vivir y por sentir. 
La crítica traza una línea de vida sobre la realidad demoledora. Pero cruel y triste. Además el argumento es tremendamente machista y casposo, al basarse sobre uno de los principios básicos de la ideología del régimen. Con una pretensión de criticarlos, naturalmente, pero apoyándose en él.
El chico no muestra la más mínima duda en relación con su propósito, pero quiero ver en él algo de piedad, de cansancio en la broma y de arrepentimiento interior. Quizá no frente a los suyos, pero sí frente a sí mismo, viéndose sucio y malvado.
La fotografía es excelente y el guión y los diálogos magníficos. Además no sobra ni un fotograba, tiene un metraje perfecto, y decir eso de una cinta es mucho.
Bardem es un director imprescindible, genial y singular. Me encanta. Uno de los grandes.

§ 4.045. Camino solitario (Jesús Franco, 1984)

Los años mejores del tipo Jess ya pasaron. En esta época repetía la fórmula una y otra vez, colocando productos de dudosa calidad en el mercado. 
Aquí pretende una revisión del noir, una especie de Neo-noir, en este caso en una zona de playa, Torremolismo, Nerja, algún otro pueblo de Málaga, pero desde luego algún sitio de la Costa del Sol.
Interesante la voz en off que acompaña a algunas escenas que se ruedan cámara en mano, como si fuese algún sucedáneo del cine “dogma”.
Piano bar, canciones tristes, blues, jazz barato mal interpretado y demás canciones baratas acompañan una trama de lo más común, quizá basada en algún relato de Raymond Chandler. Estaría por apostar que es así. Que es una derivación de un relato clásico, aunque no se acredita así en el guión, que se atribuye al propio Franco. Quizá el Largo Adiós sirvió para inspirarse y luego proyecto lo esencial de la historia en la Costa del Sol. Pero tiene los rasgos de los detectives de Chandler: solitarios, cansados de vivir, algo ambígüos en lo que respecta a la moral, siempre cortos de moneda y propensos a los deportes de riesgo: levantamiento de vidrios y barra fija, principalmente. 
Es interesante, y no es de las más pastiche de Franco. Se puede ver y entretiene. Para aquel que disfrute del puro visionado de cintas de Serie B, como es mi caso. 
Me ha gustado. 

§ 4.044. Todos somos necesarios (José Antonio Nieves Conde, 1956)

 

Otra de Nieves Conde. Con una temática dura e incómoda para la época. Un cine de presidiarios, de expresidiarios, de gente sin oportunidades que se ve desesperada y sin porvenir. En una sociedad y en una época en la que la dictadura imponía un control todavía muy férreo sobre el mundo de la cultura en general y sobre el cine en particular. 
Vidas y expectativas malogradas ante la incapacidad de hacerse un hueco en una sociedad que les estigma por el puro hecho de salir de prisión.
Bien rodada, bien narrada, con tino y disposición. Un blanco y negro muy logrado y una fondo social muy típico de Nieves Conde. El ideal de la Falange puede verse reflejado en sus películas. La ciudad en Surcos; los presidiarios en esta; la religión en la Balarrasa; el crimen en Los peces rojos. 
Me ha gustado mucho. En realidad me gusta esa forma de narrar tan ortodoxa, de principio a fin, desde una premisa A al resultado B. 
No oculta su mensaje. Lo coloca en la primera escena. Y desarrolla su argumento. 
No tiene el virtuosismo de Mur Oti, por ejemplo, ni la capacidad de impresionar de Julio Coll, pero es un directorio como la copa de un pino.
Tres historias personales alrededor de tres presos que salen de prisión. Tres visiones sobre su propio destino, sobre su futuro y sobre sus expectativas vitales.